'Ti Amo', la fantasía italiana de Phoenix, es un haz de luz en la sombra de la realidad

Resulta que, según la misma banda, estas referencias al país europeo con forma de bota no son exactamente coincidencia; Ti Amo busca ser el soundtrack de una Italia gloriosa y sus veranos que han quedado atrás, vistos a través de los lentes idealizados de la memoria. La alegría y el disfrute que se manifiestan en sus acordes, ritmos y melodías contrastan con el lugar y momento histórico en el que fueron creados: en el último par de años, Francia ha vivido una crisis de refugiados, el auge de la extrema derecha y ataques terroristas —Christian Mazzalai, guitarrista de la banda, se quedó atrapado en el estudio en la noche del sangriento ataque en el local parisino Bataclan, en noviembre del 2015. Pero, más allá de reflejar apatía hacia estos eventos, el disco refleja la postura de la banda por buscar la luz ante tanta oscuridad.

Hasta la fecha, Phoenix han compartido dos sencillos más —"Ti Amo" y "Goodbye Soleil"— los cuales continúan con la línea estética de "J-Boy". Además, para dejar claro su compromiso con el concepto del verano italiano que desarrollaron, acaban de lanzar en exclusiva por Apple Music el Ti Amo Speciale, un corto de 18 minutos ambientado en un programa de televisión italiano falso de décadas pasadas, en el que la banda toca estos tres temas y responden a una entrevista muy cursi.

En noviembre de este año, la gira de Phoenix hará una parada en México en el marco del Corona Capital, donde presentarán su nuevo show en vivo que, por como lucen los registros en foto y en video que han aparecido en internet, promete ser impresionante. Thomas Mars, cantante de Phoenix, nos concedió unos minutos de su tiempo para respondernos algunas preguntas sobre la creación de Ti Amo, su nuevo show y su forma de interpretar el estado actual del mundo a través de su música.

Noisey: Han comentado en varias ocasiones que crearon y grabaron Ti Amo en un viejo teatro de ópera en París que actualmente funciona como un co-working de emprendimientos tecnológicos. ¿Cómo fue esa experiencia? ¿Tuvo alguna influencia en la manera en cómo hicieron las cosas?
Thomas Mars: Lo escogimos por pura practicidad; estaba en el centro de París, y es muy difícil conseguir un sitio en el corazón de la ciudad donde puedas hacer todo el ruido que quieras. Al final fue más allá de lo práctico, porque en el sitio proyectaban películas y tenía un local donde hacían muchos shows. Creo que eso tuvo un impacto en el disco, porque llegamos a un punto en el que, si nos aburríamos, simplemente íbamos y escuchábamos a las bandas probando sonido en el local, que tenía un cuartito por donde te puedes asomar. Tuvimos varios breaks inspiradores, había una atmósfera grata.

Terminaron creando un concepto alrededor del álbum que está basado en una versión idealizada de Italia y los veranos italianos, lo cual se nota bastante en las canciones que han compartido hasta ahora. ¿Cómo llegaron a esa temática, habiendo hecho la música en medio de París en esa época tan turbulenta?
Nos interesa ver qué se nos ocurre cuando nos juntamos los cuatro; no venimos con ideas separadas, sino que nos ponemos a grabar todos en la habitación. Lo extraño fue que había una gran desconexión entre [lo que vivimos en] el estudio y lo que estábamos haciendo, que era bien hedonista y alegre y simple, y la atmósfera en París fuera del estudio, que era oscura y pesada. Fue una sorpresa, pero creo que tiene sentido, porque en esos momentos intentas fantasear —no es escapismo o negación— pero tratas de buscar una luz. Nos sorprendió que la música fuera tan feliz y que los temas fueran veraniegos y llenos de vida.

Con respecto a la inspiración italiana, creo que básicamente queríamos crear nuestro propio lenguaje, así que mientras más idiomas entraran en el estudio, mejor. Fue un poco más francés, un poco más italiano… Fue perfecto para crear nuestro propio lenguaje críptico.

Entonces la situación sociopolítica del momento sí terminó traspasando a la música del disco y las letras, pero no en forma de una declaración política, sino más bien para crear un espacio seguro que la gente puede habitar para encontrar consuelo.
No somos buenos haciendo declaraciones políticas; es algo que no podemos hacer, no es que tengamos otra opción. Puedes notar que el disco se hizo durante esa época, porque tiene algo bajo la superficie; es más que canciones simples. Y creo que cuando escribimos canciones, incluso desde el comienzo, se trata más de que el oyente sea quien dicte cómo se siente con la canción, en vez de que la canción le diga si debe estar triste o feliz. Desde el principio, incluso en canciones como "Heatwave" o "If I Ever Feel Better", lo puedes ver desde ambos puntos de vista: son melancólicas, pero puedes interpretar las letras y la música como triste o feliz, dependiendo del estado en el que estés. Eso es lo que me gusta de la música, y así me sentía cuando era adolescente al disfrutar la música; no interpretaba necesariamente las canciones más alegres literalmente. Creo que siempre nos ha encantado jugar con eso, hay mucho con qué jugar cuando estás en el estudio.

Hablando de cómo han hecho las cosas desde el comienzo, ya han pasado unos 17 años desde la salida de United, y desde entonces han logrado experimentar y probar diferentes enfoques sin perder esa esencia que la gente ya reconoce como el sonido Phoenix. ¿Cómo encaran la creación de un disco nuevo cada vez que les corresponde hacerlo?
Creo que cada álbum es casi como si fuera el primero; así lo consideramos. Tenemos que irnos por una nueva dirección [cada vez], o si no nos aburrimos. Y mientras más discos hacemos, más nos aburrimos –pero de una forma positiva. El aburrimiento y el aislamiento te pueden llevar a hacer música, o al menos así ocurrió con nosotros mientras vivíamos en Versalles. Por ejemplo, personalmente, yo me aburro de mi propia voz; ya es bastante difícil escuchar tu propia voz –no conozco a nadie a quien le guste su voz cuando se escuchan hablar– pero es interesante fantasear con tu propia voz, usar todas las herramientas que tienes para actuar o crear un alter ego, o ir a otros sitios, y eso es algo que apenas estoy descubriendo ahora.

Ocurre lo mismo con los instrumentos; jugamos mucho con la confusión, con sonidos híbridos de baterías, donde puedes tener samples o cajas de ritmo o baterías de verdad. Mientras más jugamos con los instrumentos, menos puedo diferenciar si el bajo está sonando de un teclado o de un bajo de verdad. Al final, todos estos instrumentos y estas cosas no nos importan tanto, sino el sonido que creamos con ellos y lo que les podemos sacar.

Vuelven a México el próximo mes de noviembre a tocar en el Corona Capital. He visto algunas imágenes del nuevo show que traen y, además de tener unas visuales espectaculares, juegan con un elemento nuevo, que es un espejo gigante que cuelgan en ángulo desde el techo y hace una ilusión óptica impresionante. ¿Qué querían lograr con este nuevo espectáculo y su escenografía?
Queríamos jugar con espejos porque queríamos que la gente viera lo que tocamos. Cada vez tenemos más y más equipos, y queríamos darles la clave para entender quién está haciendo qué cosa. Pero nunca se sabe qué va a pasar con la Madre Naturaleza; cuando hace mucho viento, tenemos que quitarlo, así que no lo usamos durante todo el set. Usualmente en la mañana del concierto sabemos si lo podemos montar o no, pero es genial para nosotros jugar con ese elemento, porque es una gran herramienta y la gente puede ver lo que estamos tocando.

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