Desde Quantum Jelly (2012) el productor italiano Lorenzo Senni ha utilizado el trance como punto de partida, ese género que tuvo su época de gloria durante los 90 y que con el paso del tiempo fue convirtiéndose en una fórmula de la electrónica bastante desgastada. Sin embargo, con su sonido, el músico no busca producir canciones que se consideren como parte de este tipo de electrónica, sino que lo utiliza como un pretexto para cuestionar, descontextualizar y deconstruir el sonido del Rave, llevándolo así a nuevas posibilidades.
De la misma forma en la que Ornette Coleman buscaba encontrar nuevas formas de hacer Jazz y Refused, en el 2008, se cuestionaban por los nuevos caminos para el punk, Lorenzo Senni realiza cuestionamientos al género del Trance.
Este año, el músico formó parte de los artistas del MUTEK México de este año, su primer presentación en nuestro país.
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Foto por Feli Guitiérres.
Thump en Español: Hace días compartiste una canción de esa grabación, con un título que es una clara referencia a The Shape of the Jazz to Come de Ornette Coleman y The shape of Punk to Come de Refused…
Lorenzo Senni: También a Lasse Marhaug. Este chico es un noiser que conozco y que originalmente hizo The Shape of Rock to Come. Es parte de mi sello (Presto!? Records). Así que siempre he pensado que él también es parte del The Shape to Come. Me gusta la canción, suena muy eufórica y feliz.
¡Sí! El sonido y las estructuras de las canciones son cercanas a lo que hice en Persona porque trabajé en estos tracks mientras lo estaba produciéndo. El sonido está muy relacionado pero creo que puede ser una diferente idea. La primera pista de The Shape of Trance to Come es feliz pero el final es más bien triste y frío, mientras que el lado b es diferente, es más agresivo y suena más como un desarrollo de Rave Voyeur, que es el segundo track del EP. Estoy feliz de lanzar estos dos tracks antes de trabajar en algo más grande porque eso probablemente tomará algo de tiempo, así que pensé que era bueno lanzar algo antes de darme una temporada para hacer nueva música y explorar nuevas cosas, nuevos territorios. Desde el año pasado, cuando se publicó Persona, tu primer producción en Warp Records, has estado bastante activo presentándote fuera de tu país. ¿Cómo fue que comenzaste a trabajar con ellos y cómo impacto esto en tu carrera?
Fue muy natural porque ellos me pidieron que les mostrara algo del material en el que estaba trabajando. Ya me seguían y los conocí en el Sonar, estaban en mi concierto y me preguntaron si estaba trabajando en música. Les envié una carpeta y luego nos vimos en Londres y ahí fue cuando decidimos trabajar juntos. Para mí fue una gran cosa porque fue un paso adelante en mi carrera. Claro, al lanzar mi material en un sello más grande pude alcanzar una audiencia más amplia y la historia de Warp… todos conocemos a este sello legendario. Así que todo es estupendo, y para ser honesto, soy muy libre de hacer lo que quiero en términos de música. Es muy inspirador cuando puedes trabajar en tu material y hay muchos escuchas detrás. Entonces, cuando quieres hacer algo lo puedes hacer a una escala mucho mayor. Mi carrera se impulsó porque este sello tiene muchos fans y ellos comenzaron a ver lo que yo había estado haciendo anteriormente. Así que estoy muy feliz de continuar trabajando con ellos. Este ep ha sido bien recibido por la crítica, además por artistas de la escena electrónica; durante los días pasados, personas como Dixon, Aphex Twin y Tale of Us have han usado canciones para sus sets. ¿Esperabas esta aceptación?
Honestamente, no. Pero luego me di cuenta de que tenía sentido que Aphex estuviera aceptando lo que músicos más jóvenes están haciendo. Por supuesto que cuando Aphex tocó mi track en el Field Day o en el Primavera Sound me sentí feliz, porque yo creí que nunca sonaría ante una audiencia tan grande. Fue bueno ver la reacción de la gente porque es difícil que yo toque en frente de tantas personas. La otra razón es que toda esta vieja generación de artistas que hacen las cosas bien, es como si hubieran dicho “Ok, Lorenzo es Bueno”. Me aceptaron, eso me alegra mucho. Y claro, cuando Dixon, Tale of Us llevaron mi música a un territorio más Techno, dije: “Bien, por fin alguien me está dando el empujón”. Fue la cosa más asombrosa que alguien haya hecho, estoy feliz que los grandes del Techno aceptaran mi música, me dieran un empujón y que funcionara. Me gusta mucho el concepto que utilizas para describir tu música: Pointillist Trance . Lo interpreto como una analogía a la pintura puntillista, en donde se usan pequeñas partes para crear un todo.
La idea de Pointillist Trance nació cuando estaba pensando en hacer un track que saliera de la idea del build-up. Técnicamente empecé con el sintetizador tocando notas muy cortas, casi como puntos, de este modo tenía más espacio para abrir el sonido y podía hacer esta clase de progresión a algo más grande. Así que vino de un asunto práctico. Para mí era como ver puntos y cuando usaba delays era como si un punto se colocará encima de otro. Luego empecé a mirar más a fondo en las pinturas puntillistas y encontré muchas analogías de lo que estaba haciendo. Así que inventé el Pointillist Trance. Tomas el Trance como punto de partida, sin embargo no pretendes insertarte en el género, sino que lo cuestionas y lo llevas a otras posibilidades. Se parece más al trabajo que haría un científico o un investigador. ¿Por qué estás interesado en acercarte al Trance de esta forma?
Yo digo que si realmente amara el Trance, estaría haciendo Proper Trance. Para mí es realmente el punto de partida y siempre una referencia en mi trabajo, pero sólo es una en las múltiples que hago. Hago una referencia al Trance cuando hablo del build-up, o cuando hablo del sonido porque utilizo los sintetizadores de este género. Pero también hago referencias al Hardcore Straight Edge cuando hablo de hacer un estilo de Trance limpio, fuera de drogas. Yo busco una gran cantidad de cosas, que en mi opinión, no podrían existir en el Trance. Así que lo llamo Clean Trance y e incluyo lemas del Hardcore Straight Edge y si hago -caps- brutales es porque me gustan mucho las caps brutales en el Punk y Hardcore. En esos géneros no necesitas modular entre una parte y otra; mientras que en la música electrónica encuentras una gran modulación entre lo que haces. El Trance es una de las referencias y claro que es una gran referencia, pero no es la única. Es también un juego, como jugar con los géneros mientras intento ver la expectativa de la gente, lo que están escuchando. A veces se crea un corto circuito en nuestra mente, como “esto no es Trance”. A veces a propósito uso partes muy largas en mis canciones, que son demasiado grandes para ser la estructura de la canción, pero demasiado estáticas para ser el build-up de una canción de Proper Trance. Así que es mucho jugar con la expectativa. Sí, creo que va con destruir una expectativa, los críticos dicen que deconstruyes el sonido del Rave, pero creo que más bien descontextualizas el Rave.
Sí, a veces la gente dice "Esto no es trance" y yo digo: “¡Exacto!”. Está muy lejos de ser trance, pero también es bueno dar algunas entradas y dejar el sentido a la audiencia que las escucha, cada quien lo percibe a su propia manera. Otro de tus conceptos que me gusta es Rave Voyeur, he leído que esto tiene que ver con que fuiste parte de la escena punk, eras straight edge, ¿qué aspectos en común encuentras con la escena electrónica y cómo ha sido tu relación con ella (siendo un drug free en un circuito donde el uso de drogas es un común)
Estoy sorprendido de que no mucha gente me pregunte sobre esto, porque todos sabemos cómo funcionan los festivales. Cuando pienso acerca de mi música y cuando cuento que nunca he usado drogas y que nunca he estado drogado en mi vida (y esto no es que juzgue de una manera a quien sí lo hace, es sólo como yo lo hago). Pero esto me parece muy normal, cuando era un adolescente y escuchaba Hardcore Punk Straight Edge, salía con amigos y era la parte de esa escena, pero al mismo tiempo salía con un chico que fue mi mejor amigo por un pequeño tiempo, a lugares turísticos y todos ahí usaban drogas. Para mí es muy natural tener esta doble vida. Pero ahora que toco mi música en un contexto donde se usan drogas, es normal de nuevo. Lo encuentro muy normal porque ya he lidiado con estas dos escenas. Utilizo Rave Voyeur para describir mi aproximación en el pasado y para describir un poco lo que está pasando ahora, porque ahora sigo siendo probablemente el único en el lugar que no está tomando alcohol o probando drogas (tal vez haya unas cuantas personas en el lugar que tampoco utilizan drogas). Pero sí, lo encuentro normal y creo que desde mi punto de vista está bien porque por ejemplo encuentro una forma de describirlo en palabras: Rave voyeurism, y también a través de la música: porque puedes tocarla en un clip, pero no es realmente bailable, no es como la canción que está directamente orientada al baile en el dancefloor. Siempre he estado en medio de estos dos mundos. Tu sonido ha estado cambiando, en Quantum Jelly parecería que hay una inclinación por la emoción del build-up y la percepción del tiempo; en Superimpositions te concentras en la textura (el sonido Trance como material de trabajo); mientras que en Persona encuentro una atención hacia la estructura de la canción. ¿Qué estabas buscando en cada uno de ellos? ¿Fue como realizar una serie de pruebas?
Creo que tu análisis fue perfecto. Quantum Jelly fue como los primeros experimentos y sí, estaba buscando concentrarme en lo que estaba pasado en el build-up y hacer tracks más largos con una menor modulación. Superimpositions fue más complejo porque usé más de una línea de sintetizador pero aún estaba interesado en hacerlo ver como si fuera una, así que era más trabajar en la textura, algunos tracks ni siquiera cambian, por ejemplo el track Superimpositions tiene cambios muy pequeños. En persona el sonido está más relacionado con explorar la estructura del sonido. Me gusta la idea de retarme a mí mismo cuando armo un disco porque sería más fácil hacer otro Quantum Jelley, respetar la misma receta, el mismo enfoque, pero es muy importante explorar algo diferente cada vez y llevarlo más allá. Eso me hace feliz aunque veo amigos o músicos que comenzaron a ser influenciados por lo que se está haciendo, y yo pienso “ok, yo estoy en otra parte” cuando alguien está siguiendo algo, necesito ir a otra parte, al menos eso intento, ese es mi enfoque al momento de hacer nueva música. Aparte de las grabaciones, tu trabajo se ha presentado en museos como MACBA y este año fue inaugurada “Windows of Vulnerability” en la Tate Galery. ¿Cuál es la diferencia entre explorar el sonido para una exposición, una presentación o un disco?
Creo que no hay mucha diferencia. Sí las hay, pero lo que hago en vivo a veces es una inspiración de lo que puedo hacer en diferentes contextos y viceversa, por ejemplo, “Oracle”, el show con lásers que hice en el MACBA, fue una presentación que solo realicé para esa ocasión, pero tuve la suerte de experimentar con láser, entonces los traje al live set del tour. No creo que sean contextos diferentes, pero claro que cuando llevas algo a un museo te tienes que adaptar. Aunque me he dado cuenta que muchos de los museos o lugares que están en el circuito del arte, en realidad no quieren que te adaptes, no es algo que me lo pidan la mayor parte del tiempo. Si invitas a alguien que está trabajando música quieres que haga una presentación parecida a un show, porque cuando me han invitado a presentarme en el museo quieren que incluya aspectos de mi live. Es divertido para mí jugar este papel fuera de los festivales. Cuando presenté esta pieza en la Tate Galery habían dos proyectores pero es algo que podría funcionar también en un concierto. No es como si hubiera hecho una pintura y la hubiera colgado en la pared. ¿Qué pasó con tu otro proyecto, Presto?! Records?
Presto estuvo un poco calmado durante este año porque tenía mucho trabajo en mi música y no me fue posible trabajar apropiadamente en el sello, pero me importa mucho. En el 2018 se van a cumplir 10 años que inició. Tengo a dos personas conmigo que comenzaron a trabajar en el sello, así que es lo suficientemente grande para mantenerlo activo. En el 2018 tenemos muchos showcases alrededor del mundo, tenemos dos nuevos lanzamientos. Ahora está todo tranquilo porque estamos trabajando en ello, en el pasado estaba tranquilo porque estaba ocupado en mi material. Esperen nuevos lanzamientos y eventos relacionados con los artistas del sello, lo nuevo de Florian Hecker, lo nuevo de un proyecto alterno de Palmistry y Vipra, él es de Roma y es muy bueno. Para tus próximas grabaciones, ¿cuál es la dirección que tomarás con tu música?
Es difícil decir, tocaré en algunos shows hasta diciembre, creo, y después tomaré un tiempo para comenzar a trabajar en música nueva y creo que quiero hacer algo diferente a lo que he hecho antes. Tal vez intentaré trabajar con un cantante. En el pasado trabajé con How to Dress Well y funcionó bien así que quiero intentar más experimentos con alguien cantando en mis tracks. Dudo que utilice drums en mi música, estoy seguro de que usaré mucho mi Roland JP 80000, pero creo que no usaré samples, soy un chico sintetizador, conozco el sintetizador pero no puedo decirte ahora algo, pregúntame en seis meses.
Lorenzo Senni: También a Lasse Marhaug. Este chico es un noiser que conozco y que originalmente hizo The Shape of Rock to Come. Es parte de mi sello (Presto!? Records). Así que siempre he pensado que él también es parte del The Shape to Come. Me gusta la canción, suena muy eufórica y feliz.
¡Sí! El sonido y las estructuras de las canciones son cercanas a lo que hice en Persona porque trabajé en estos tracks mientras lo estaba produciéndo. El sonido está muy relacionado pero creo que puede ser una diferente idea. La primera pista de The Shape of Trance to Come es feliz pero el final es más bien triste y frío, mientras que el lado b es diferente, es más agresivo y suena más como un desarrollo de Rave Voyeur, que es el segundo track del EP. Estoy feliz de lanzar estos dos tracks antes de trabajar en algo más grande porque eso probablemente tomará algo de tiempo, así que pensé que era bueno lanzar algo antes de darme una temporada para hacer nueva música y explorar nuevas cosas, nuevos territorios. Desde el año pasado, cuando se publicó Persona, tu primer producción en Warp Records, has estado bastante activo presentándote fuera de tu país. ¿Cómo fue que comenzaste a trabajar con ellos y cómo impacto esto en tu carrera?
Fue muy natural porque ellos me pidieron que les mostrara algo del material en el que estaba trabajando. Ya me seguían y los conocí en el Sonar, estaban en mi concierto y me preguntaron si estaba trabajando en música. Les envié una carpeta y luego nos vimos en Londres y ahí fue cuando decidimos trabajar juntos. Para mí fue una gran cosa porque fue un paso adelante en mi carrera. Claro, al lanzar mi material en un sello más grande pude alcanzar una audiencia más amplia y la historia de Warp… todos conocemos a este sello legendario. Así que todo es estupendo, y para ser honesto, soy muy libre de hacer lo que quiero en términos de música. Es muy inspirador cuando puedes trabajar en tu material y hay muchos escuchas detrás. Entonces, cuando quieres hacer algo lo puedes hacer a una escala mucho mayor. Mi carrera se impulsó porque este sello tiene muchos fans y ellos comenzaron a ver lo que yo había estado haciendo anteriormente. Así que estoy muy feliz de continuar trabajando con ellos. Este ep ha sido bien recibido por la crítica, además por artistas de la escena electrónica; durante los días pasados, personas como Dixon, Aphex Twin y Tale of Us have han usado canciones para sus sets. ¿Esperabas esta aceptación?
Honestamente, no. Pero luego me di cuenta de que tenía sentido que Aphex estuviera aceptando lo que músicos más jóvenes están haciendo. Por supuesto que cuando Aphex tocó mi track en el Field Day o en el Primavera Sound me sentí feliz, porque yo creí que nunca sonaría ante una audiencia tan grande. Fue bueno ver la reacción de la gente porque es difícil que yo toque en frente de tantas personas. La otra razón es que toda esta vieja generación de artistas que hacen las cosas bien, es como si hubieran dicho “Ok, Lorenzo es Bueno”. Me aceptaron, eso me alegra mucho. Y claro, cuando Dixon, Tale of Us llevaron mi música a un territorio más Techno, dije: “Bien, por fin alguien me está dando el empujón”. Fue la cosa más asombrosa que alguien haya hecho, estoy feliz que los grandes del Techno aceptaran mi música, me dieran un empujón y que funcionara. Me gusta mucho el concepto que utilizas para describir tu música: Pointillist Trance . Lo interpreto como una analogía a la pintura puntillista, en donde se usan pequeñas partes para crear un todo.
La idea de Pointillist Trance nació cuando estaba pensando en hacer un track que saliera de la idea del build-up. Técnicamente empecé con el sintetizador tocando notas muy cortas, casi como puntos, de este modo tenía más espacio para abrir el sonido y podía hacer esta clase de progresión a algo más grande. Así que vino de un asunto práctico. Para mí era como ver puntos y cuando usaba delays era como si un punto se colocará encima de otro. Luego empecé a mirar más a fondo en las pinturas puntillistas y encontré muchas analogías de lo que estaba haciendo. Así que inventé el Pointillist Trance. Tomas el Trance como punto de partida, sin embargo no pretendes insertarte en el género, sino que lo cuestionas y lo llevas a otras posibilidades. Se parece más al trabajo que haría un científico o un investigador. ¿Por qué estás interesado en acercarte al Trance de esta forma?
Yo digo que si realmente amara el Trance, estaría haciendo Proper Trance. Para mí es realmente el punto de partida y siempre una referencia en mi trabajo, pero sólo es una en las múltiples que hago. Hago una referencia al Trance cuando hablo del build-up, o cuando hablo del sonido porque utilizo los sintetizadores de este género. Pero también hago referencias al Hardcore Straight Edge cuando hablo de hacer un estilo de Trance limpio, fuera de drogas. Yo busco una gran cantidad de cosas, que en mi opinión, no podrían existir en el Trance. Así que lo llamo Clean Trance y e incluyo lemas del Hardcore Straight Edge y si hago -caps- brutales es porque me gustan mucho las caps brutales en el Punk y Hardcore. En esos géneros no necesitas modular entre una parte y otra; mientras que en la música electrónica encuentras una gran modulación entre lo que haces. El Trance es una de las referencias y claro que es una gran referencia, pero no es la única. Es también un juego, como jugar con los géneros mientras intento ver la expectativa de la gente, lo que están escuchando. A veces se crea un corto circuito en nuestra mente, como “esto no es Trance”. A veces a propósito uso partes muy largas en mis canciones, que son demasiado grandes para ser la estructura de la canción, pero demasiado estáticas para ser el build-up de una canción de Proper Trance. Así que es mucho jugar con la expectativa. Sí, creo que va con destruir una expectativa, los críticos dicen que deconstruyes el sonido del Rave, pero creo que más bien descontextualizas el Rave.
Sí, a veces la gente dice "Esto no es trance" y yo digo: “¡Exacto!”. Está muy lejos de ser trance, pero también es bueno dar algunas entradas y dejar el sentido a la audiencia que las escucha, cada quien lo percibe a su propia manera. Otro de tus conceptos que me gusta es Rave Voyeur, he leído que esto tiene que ver con que fuiste parte de la escena punk, eras straight edge, ¿qué aspectos en común encuentras con la escena electrónica y cómo ha sido tu relación con ella (siendo un drug free en un circuito donde el uso de drogas es un común)
Estoy sorprendido de que no mucha gente me pregunte sobre esto, porque todos sabemos cómo funcionan los festivales. Cuando pienso acerca de mi música y cuando cuento que nunca he usado drogas y que nunca he estado drogado en mi vida (y esto no es que juzgue de una manera a quien sí lo hace, es sólo como yo lo hago). Pero esto me parece muy normal, cuando era un adolescente y escuchaba Hardcore Punk Straight Edge, salía con amigos y era la parte de esa escena, pero al mismo tiempo salía con un chico que fue mi mejor amigo por un pequeño tiempo, a lugares turísticos y todos ahí usaban drogas. Para mí es muy natural tener esta doble vida. Pero ahora que toco mi música en un contexto donde se usan drogas, es normal de nuevo. Lo encuentro muy normal porque ya he lidiado con estas dos escenas. Utilizo Rave Voyeur para describir mi aproximación en el pasado y para describir un poco lo que está pasando ahora, porque ahora sigo siendo probablemente el único en el lugar que no está tomando alcohol o probando drogas (tal vez haya unas cuantas personas en el lugar que tampoco utilizan drogas). Pero sí, lo encuentro normal y creo que desde mi punto de vista está bien porque por ejemplo encuentro una forma de describirlo en palabras: Rave voyeurism, y también a través de la música: porque puedes tocarla en un clip, pero no es realmente bailable, no es como la canción que está directamente orientada al baile en el dancefloor. Siempre he estado en medio de estos dos mundos. Tu sonido ha estado cambiando, en Quantum Jelly parecería que hay una inclinación por la emoción del build-up y la percepción del tiempo; en Superimpositions te concentras en la textura (el sonido Trance como material de trabajo); mientras que en Persona encuentro una atención hacia la estructura de la canción. ¿Qué estabas buscando en cada uno de ellos? ¿Fue como realizar una serie de pruebas?
Creo que tu análisis fue perfecto. Quantum Jelly fue como los primeros experimentos y sí, estaba buscando concentrarme en lo que estaba pasado en el build-up y hacer tracks más largos con una menor modulación. Superimpositions fue más complejo porque usé más de una línea de sintetizador pero aún estaba interesado en hacerlo ver como si fuera una, así que era más trabajar en la textura, algunos tracks ni siquiera cambian, por ejemplo el track Superimpositions tiene cambios muy pequeños. En persona el sonido está más relacionado con explorar la estructura del sonido. Me gusta la idea de retarme a mí mismo cuando armo un disco porque sería más fácil hacer otro Quantum Jelley, respetar la misma receta, el mismo enfoque, pero es muy importante explorar algo diferente cada vez y llevarlo más allá. Eso me hace feliz aunque veo amigos o músicos que comenzaron a ser influenciados por lo que se está haciendo, y yo pienso “ok, yo estoy en otra parte” cuando alguien está siguiendo algo, necesito ir a otra parte, al menos eso intento, ese es mi enfoque al momento de hacer nueva música. Aparte de las grabaciones, tu trabajo se ha presentado en museos como MACBA y este año fue inaugurada “Windows of Vulnerability” en la Tate Galery. ¿Cuál es la diferencia entre explorar el sonido para una exposición, una presentación o un disco?
Creo que no hay mucha diferencia. Sí las hay, pero lo que hago en vivo a veces es una inspiración de lo que puedo hacer en diferentes contextos y viceversa, por ejemplo, “Oracle”, el show con lásers que hice en el MACBA, fue una presentación que solo realicé para esa ocasión, pero tuve la suerte de experimentar con láser, entonces los traje al live set del tour. No creo que sean contextos diferentes, pero claro que cuando llevas algo a un museo te tienes que adaptar. Aunque me he dado cuenta que muchos de los museos o lugares que están en el circuito del arte, en realidad no quieren que te adaptes, no es algo que me lo pidan la mayor parte del tiempo. Si invitas a alguien que está trabajando música quieres que haga una presentación parecida a un show, porque cuando me han invitado a presentarme en el museo quieren que incluya aspectos de mi live. Es divertido para mí jugar este papel fuera de los festivales. Cuando presenté esta pieza en la Tate Galery habían dos proyectores pero es algo que podría funcionar también en un concierto. No es como si hubiera hecho una pintura y la hubiera colgado en la pared. ¿Qué pasó con tu otro proyecto, Presto?! Records?
Presto estuvo un poco calmado durante este año porque tenía mucho trabajo en mi música y no me fue posible trabajar apropiadamente en el sello, pero me importa mucho. En el 2018 se van a cumplir 10 años que inició. Tengo a dos personas conmigo que comenzaron a trabajar en el sello, así que es lo suficientemente grande para mantenerlo activo. En el 2018 tenemos muchos showcases alrededor del mundo, tenemos dos nuevos lanzamientos. Ahora está todo tranquilo porque estamos trabajando en ello, en el pasado estaba tranquilo porque estaba ocupado en mi material. Esperen nuevos lanzamientos y eventos relacionados con los artistas del sello, lo nuevo de Florian Hecker, lo nuevo de un proyecto alterno de Palmistry y Vipra, él es de Roma y es muy bueno. Para tus próximas grabaciones, ¿cuál es la dirección que tomarás con tu música?
Es difícil decir, tocaré en algunos shows hasta diciembre, creo, y después tomaré un tiempo para comenzar a trabajar en música nueva y creo que quiero hacer algo diferente a lo que he hecho antes. Tal vez intentaré trabajar con un cantante. En el pasado trabajé con How to Dress Well y funcionó bien así que quiero intentar más experimentos con alguien cantando en mis tracks. Dudo que utilice drums en mi música, estoy seguro de que usaré mucho mi Roland JP 80000, pero creo que no usaré samples, soy un chico sintetizador, conozco el sintetizador pero no puedo decirte ahora algo, pregúntame en seis meses.