VICE CO - NOISEYRSS feed for https://www.vice.com/es/topic/noiseyhttps://www.vice.com/es%2Ftopic%2Fnoisey%3Flocale%3Des_coesTue, 27 Feb 2018 15:39:39 GMT<![CDATA[Después de 40 años, Ryuichi Sakamoto sigue explorando lo desconocido]]>https://www.vice.com/es_co/article/59kqqd/despues-40-anos-ryuichi-sakamoto-sigue-explorando-desconocido-noiseyTue, 27 Feb 2018 15:39:39 GMT Este artículo fue publicado originalmente en Noisey, nuestra plataforma de música.

La figura menuda de Ryuichi Sakamoto se cierne sobre la música contemporánea. Durante los últimos 40 años, el productor, pianista, compositor y conceptualista japonés ha centrado su atención en la creación de música que siempre es innovadora, ingeniosa y deslumbrante.

Desde sus inicios como parte de los pioneros del synthpop Yellow Magic Orchestra, hasta conseguir un Oscar por la banda sonora de 1987 para The Last Emperor, inventando el electro —iniciando el movimiento que más tarde se convertiría en el hip-hop— casi por su cuenta con la hipnotizante "Riot in Lagos" de 1980, Sakamoto, nacido en Tokio, puede considerarse uno de los músicos más influyentes e importantes de finales del siglo XX y principios del XXI sin sonar ridículo.

Ya sea que esté contemplando las posibilidades del ambient-jazz electrónico con Fennesz en álbumes como Cendre de 2007, trabajando con todos, desde el rompecorazones pop de los 80, David Sylvian, hasta el artista visual coreano Nam June Paik y protagonizando junto a David Bowie en 1983 un drama sobre prisioneros de guerra, la colaboración siempre ha sido central en la práctica de Sakamoto.

Su último proyecto async Remodels no es diferente. En la colección, Sakamoto reúne una luminaria de músicos electro con visiones vanguardistas, entre ellos Oneohtrix Point Never, Arca e Yves Tumor reflejándose y refractándose en su incursión asincrónica del ambient durante 2017; su primer LP en solitario desde que fue diagnosticado con cáncer orofaríngeo en 2014. El resultado es un álbum celestial, hipnótico, ondulante y fluctuante que sostiene el concepto del remix estándar y lo arroja por la ventana. Antes del lanzamiento del disco, hablamos con el ícono vanguardista por Skype.

Noisey: ¿Hacer música es una obsesión?
Sakamoto: espero hacer música hasta que muera. Ha habido momentos excepcionales en mi vida en que no ha sido posible componer. Por ejemplo, después del 9/11 no pude hacer música durante un mes. Lo mismo pasó luego del terremoto y tsunami en Tōhoku, Japón en 2011. Y, obviamente, cuando me enfermé de cáncer. De otra manera, sí todos los días escucho música, pienso sobre la música, toco el piano y el sintetizador y bebo tazas y tazas de café.

Pero la música sigue siendo una fuente de placer, ¿cierto?
Tocar y escuchar sólo música, o sonidos, es fácil. Hacer música es una cosa muy diferente. De manera que esa parte no siempre es sólo placer. Puede ser difícil, un desafío.

Estas perturbaciones y desafíos que menciono provienen de afuera, pero a veces las dificultades vienen de mi interior. Te puede faltar inspiración o energía. Eso sucede cuando te vuelves mayor. Pero la música es interminable, ilimitada y no hay fronteras para la imaginación.

Cuando iniciaste con Yellow Magic Orchestra, ¿alguna vez imaginaste que tú o el grupo serían tan reconocidos como lo fueron y son?
Cuando era joven nunca pensaba en el mañana. Sólo vivía para la noche. Era ese tipo de persona, nunca imaginé lo que sería. Sólo disfrutaba las cosas. Ahora puedo pensar en mañana o el mes que entra. Pero hasta ahí. Soy un hombre con suerte y feliz. Nací siendo optimista y quizá sólo bloqueé los malos recuerdos. Tengo que agradecerle a alguien por ello, quizá mi madre o Dios. Nunca me he sentido mal. Excepto cuando tuve cáncer.

¿Crees que ese optimismo es una de las razones por las que eres respetado?
Posiblemente. Lo que es más importante es que nunca me he sentido satisfecho. Siempre estoy frustrado con lo que hago. Estaba muy contento cuando terminé mi álbum más nuevo, async, pero esa felicidad duró sólo unos días, quizá una semana. Y luego la frustración se apoderó de mí, quería hacer algo más, algo nuevo. Eso siempre pasa.

¿Escuchas tu material mucho?
Te lo diré de esta manera: vas en un viaje y te diriges a un lugar desconocido. Tienes un mapa y no quieres regresar a donde estabas. Quieres avanzar. Quieres encontrar montañas, ríos, lagos, desconocidos para ti.

¿Podemos relacionar a esto tu larga carrera de colaboraciones?
Es una de las razones. Estoy interesado en alguien que tenga un talento, forma de pensar o visión diferentes a las mías. Si alguien tiene los mismos talentos, habilidades, ideas o visión, ¿por qué trabajaría con ellos? Quiero oposición. Quiero diferencia. Así que es interesante buscar mis elementos en los tracks de async Remodels. Por ejemplo, en el remix de Arca estaba intentando encontrar mis sonidos en alguna parte, modulados o rebajados, pero no pude. ¡Y es genial! Es 100 por ciento Arca. Eso me gustó. Un remix es una mezcla diferente. Esto no es así. Son reconstrucciones de música con algunos elementos de mi álbum. Estos remodels son reflejos. Es una mezcla de mi música y sus habilidades, ideas y paletas. Puedo disfrutar que mi álbum los haya inspirado.

¿Por qué crees que tu trabajo resuena para tantos músicos de tan variada experiencia y que trabajan con tantos estilos?
Desde que era niño, escuchaba todo tipo de música, cada día. Clásica, rock, pop, étnica, vanguardista. Lo he hecho desde que era muy chico. Mi música no está basada en un solo género; los atraviesa.¿Esa podría ser la razón? A veces utilizo instrumentos 100 por ciento acústicos y puros, como una orquesta o un trío para piano y a veces son sintetizadores o música computarizada. No hay muchos artistas así.

¿El minimalismo —música exigua y reducida— es un antídoto necesario para la ansiedad y el estrés de la vida moderna?
Encuentro música nueva que tiene menos melodía y gran parte del trabajo llamado “posclásico” que escucho suena como una base para mí. Le falta melodía o una guía, es una base agradable con todos los arpegios, pero hasta ahí. Ese tipo de música es popular porque nuestra sociedad está tan ocupada, va tan rápido, que una melodía fuerte y emocional sería demasiado. Algunos arpegios bonitos y atmosféricos sin melodía es lo que la gente prefiere en casa.

Tu trabajo está empapado en melodías. Por ejemplo, algo como "Forbidden Colours" es atemporal. ¿Buscas la atemporalidad?
Buscar lo atemporal es parte de mi naturaleza. No estaba muy consciente de eso cuando escribí esa melodía en específico, pero me di cuenta de que por naturaleza está en mí. Esa canción fue una experiencia muy extraña. Había leído el guión [de Merry Christmas Mr Lawrence, el drama protagonizado por David Bowie en 1983] y conocía la historia, así que pensé en cómo crear una canción navideña especial que pudieran tocar en una isla tropical asiática. Es un concepto extraño por sí mismo. Y luego añades la guerra. Pero de todas maneras, pensé al respecto de manera lógica durante semanas. Una tarde estaba sentado frente al piano buscando una melodía apropiada. Estuve inconsciente por un momento. Y luego la melodía estaba escrita. Justo frente a mis ojos.

Conforme vas envejeciendo, ¿alguna vez piensas en cómo tu trabajo y enfoque hacia la música será apreciado cuando no estés aquí?
A veces pienso en eso, pero cuando pienso en una vida musical como, John Lennon o Pierre Boulez, entonces la comparo con la mía. La música de John Lennon la escucharán personas un siglo después. ¿La mía? Tal vez treinta años más.

¿Es por eso que haces música? ¿Es así como la gente escribe o esculpe o hace ballet? ¿Es una manera de mostrar algo mientras estamos en la Tierra?
No lo sé. Nunca lo he pensado. Sería lindo, pero básicamente no me importa que mi música muera después de mí. Está bien. Pero si inspira a alguien que llegue después de mí... sería otra cosa.

Puedes encontrar a Josh en Twitter .

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<![CDATA[Matik Matik: la cantina más amable de Bogotá cumple 10 años]]>https://www.vice.com/es_co/article/pama4g/matik-matik-cantina-mas-amable-bogota-10-anos-cumpleanos-musicaTue, 13 Feb 2018 20:54:12 GMTEste artículo fue publicado originalmente en Noisey, nuestra plataforma de música.

El 6 de marzo de 2008 Matik Matik abrió sus puertas. Diez años después del concierto inaugural la desopilante historia se sigue contando. Laboratorio sonoro de jazz, rock, electroacústica, música de cámara, improvisación libre, noise, canción melodramática experimental, instalación sonora, hip hop y tropicalismos inverosímiles, el legendario fortín de la calle 67 con carrera 11 celebra su aniversario con una fiesta colosal que se extenderá durante seis semanas.

En su juiciosa disertación Experimentation and improvisation in Bogotá at the end of the Twentieth Century (Oxford University Press, 2017), el compositor Rodolfo Acosta menciona Chapinero Mutante, 6L6 y Matik Matik, tres lugares cruciales que, entre mediados de la década de los noventa y el 2008, acogieron a los músicos que por esos años protagonizaban la movida disidente de la música experimental y la improvisación en la ciudad. Si bien estas controvertidas prácticas sonoras tuvieron espacio en escenarios formales como museos, festivales, teatros y salas de concierto, se trataba, casi siempre, de hechos aislados, vistos con prevención, y condenados al ostracismo. Del primero no quedó rastro —salvo el llamativo nombre—, mientras que el segundo solo se mantuvo activo durante un año. Matik Matik, por su parte, ha resistido al tiempo, la indiferencia, las insensatas burocracias, el tráfico espeso de la carrera 11, los vecinos maliciosos y la vil mala leche de la Policía Nacional.

La historia de este embeleco tiene su origen en una ciudad remota. Fue en Bucarest donde la artista plástica Diana Gómez y su esposo, el administrador y melómano francés Julien Calais, tomaron la determinación de montar en Bogotá un laboratorio de sonidos que sería, al mismo tiempo, una suerte de galería con centro de documentación, tienda de discos y restaurante. En septiembre de 2007 llegaron a Bogotá y pronto dieron con una casa en Quinta Camacho, un barrio localizado en la localidad de Chapinero. Diana colgó en la entrada el emblemático tríptico de Mao Tse Tung –pintado por el artista rumano Tiberiu Bleoanca-, Julien acondicionó una barra en el garaje de la edificación y juntos adornaron el techo con una enrevesada madeja de cables y bombillas. Lo bautizaron azarosamente cuando, en la búsqueda de un nombre que se asociara a la palabra laboratorio, se les apareció por obra y gracia del destino una caja de un detergente muy popular en Colombia: Lavomatic. Así es, sencillo y conciso; no hay ningún mensaje oculto —en francés— detrás del curioso apelativo.


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Acicalado en su interior como si se tratara de una bóveda llena de carámbanos resplandecientes, Matik Matik abrió sus puertas el 6 de marzo de 2008 con un concierto de improvisación electroacústica a cargo de los compositores Roberto García Piedrahita y Juan Reyes . Durante unos meses Diana y Julien programaron jazz —con especial predilección por el free—, electrónica experimental, música antigua, obras de jóvenes compositores, instalaciones sonoras, folk de bajo perfil, pop alternativo, hicieron lanzamientos de revistas, audiciones de discos extraños y homenajes a viejas glorias del rock local como Los Flippers y Los Speakers. En agosto de 2008, la pareja entusiasta alistó maletas y se preparó para un nuevo viaje. Se fueron, tuvieron hijos y no volvieron. En su reemplazó llegó Benjamín Calais, el hermano menor de Julien.

Quizás desengañado por el futuro burócrata que le ofrecía su carrera de Administrador de Empresas, el por esa época imberbe Benjamín arribó a Bogotá para encargarse del bar. Muchos pensamos, con algo de drama agorero, que el tipo con cara de Kurt Cobain y saco de Freddy Krugger —así lo recuerda el que esta nota escribe— tenía otros planes para la casa. Lo que nunca imaginamos fue que Ben venía con el ímpetu suficiente para delinear, definitivamente, la personalidad de Matik Matik.

Y entonces llegaron los noiseros, los punkeros, los del hip hop aventado, los improvisadores desenfrenados, los baladistas meditabundos y los del tropicalismo descarriado. Y se hicieron festivales, ferias de publicaciones, pogos salvajes y banquetes pantagruélicos. Los comensales bailaron cumbia, currulao, joropo, carranga, son jarocho, klezmer, salsa, vallenato y bambuco viejo. Y tronaron las chirimías, los computadores dislocados, los ruidos estridentes, las flautas indígenas, la gaita, el tambor y un piano sempiterno que regaló un celador suertudo. Y llegaron Peter Brotzmann, Carmelo Torres, Tony Malaby, Edson Velandia y Ava Rocha, entre otros músicos maravillosos que protagonizaron residencias místicas. Y se grabaron discos, fallidos unos, memorables otros. Y se hicieron rones rudimentarios que alebrestaron a los convidados frenéticos. Y se inventaron novedosas formas de fumar marihuana en un trombón. Y asomaron su cabeza Zuka, Chata, Lili, Jorge, Tanque, Maria Te, Manuela Orduz, Héctor, Gámez, Niki, los Sabroders, Gualdrón, Santiago Gardeazábal, el del Anónimo y Felipe Salazar, el de La Residencia. Y entonces, atraídos por una fuerza ineludible, espontáneamente fueron llegando algunos cómplices más de la aventura: los de la Distritofónica y los de Radio Pachone; los de la Fundación REMA, los de Matera, y las de La Huerta; los del CCMC y los de Radio Mixticius; los de Rat Trap y los de Bizarra; los de In-Correcto y los de MitH FotU; las de Ruge y las del Orejón Sabanero; los de Sonidos Enraizados y los de Nova Et Vetera; los de TVL REC y los de La Jaula; los de Festina Lente y los de Sonalero; los de UNO, DOS y los de Masai, también. Y Kike Mendoza, Benjamin Calais y Santiago Botero hicieron Los Toscos. Y se publicó el pasquín RAM y se prensaron siete títulos de un catálogo discográfico inaudito. Y Ben aprendió a bailar salsa y se dejó encantar por el ritmo sinuoso de “El mochuelo”. Y llegamos los pendencieros, los bailadores sin ley, la tropa de amigos trasnochadores que todos los días queremos un poco más a ese refugio entrañable que es como una extensión de la sala de nuestra casa.

Luego de más de 1800 conciertos, “la cantina más amable de Quinta Camacho”, como bien la bautizó un eximio tomador de rones arreglados, llega a su décimo aniversario. El festejo estará a la altura de las circunstancias: durante seis semanas, a partir del 13 de febrero hasta el 24 de marzo, se darán cita en Matik Matik 75 bandas, integradas por 265 músicos de siete nacionalidades distintas.

Acá está el insólito cartel que, presagiamos, promete amacize, descontrol, lágrimas, sorpresa y, sobre todo, camaradería:

Los encargados de calentar las sudorosas paredes de Matik Matik durante el fiestón de su primera década de vida serán: Guillermo Bocanegra, Hombre de Barro, Punkt, Sebastián Rozo, Geometría Ardiente, Las Áñez, La Sonora Mazurén, DJ Festina Lente, Trip Trip Trip, Hermanos Menores, Espiral, Suricato, Magallanes, Superson Frailejón, Pársec Trío, Santiago Botero, Pentajuma, Los Niños Telepáticos, Curupira, Mighty Groove y la Melodía Subliminal, Las Hermanas, Animales Blancos, Bogotá Orquesta de Improvisadores, Ana María Romano, Muro, Mirlitorrinco, Redil Cuarteto, Trista Alumbra, DJ Gala Galeano, Inés Granja, Carmelo Torres y Los Toscos, DJ Quiebrapatas, Kike Mendoza Trío, Opaal, Romperayo, Roberto García, Holman Álvarez, AC y DC, Ricardo Gallo, DJ Mixticius, Libres en el Sonido, Juanita Delgado, Ricardo Gallo Cuarteto, DJ Barbaroja, Las Viudas, Meridian Brothers, DJ Sergio Iglesias, MULA, Child Abuse, Als Eco, Ricardo Arias, Lorenzo Márquez Septeto, Ensamble CG, Alejandro Zuluaga, Vien Tóxicos, DJ Garnika, Tony Malaby & Los Toscos, Los Pirañas, La Gran Resbalosa, El Ombligo, Sabroders, Asdrúbal, Edson Velandia, Chicha & Guarapo, Mugre, Las Malas Amistades, Dick my Fuck You, Pinche DJ, N. Hardem, Velandia y las Sinfonías Municipales, DJ Galletas Calientes, Bituin, Compadres Recerdos, The Thing.

Conozca el cronograma completo en la página de Facebook de Matik Matik por aquí.

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<![CDATA[“Las trompetas del cielo anuncian guerreros”, así fue el adiós a Elkin Ramírez]]>https://www.vice.com/es_co/article/59w7z5/trompetas-cielo-anuncian-guerreros-adios-elkin-ramirez-kraken-muerte-funeralMon, 29 Jan 2018 16:06:51 GMTEste artículo fue publicado originalmente en Noisey, nuestra plataforma de música.

A la una de la tarde del 30 de enero, el Teatro Lido de Medellín estaba cubierto por un lúgubre silencio. Unas cuarenta personas sentadas en las percudidas sillas azules miraban al vació con los ojos perdidos y las manos sobre las sienes sin musitar una sola palabra. Solo estaban ahí, sumergidos en una profunda y melancólica introspección, como condenados que perdieron todo el brillo de los ojos. La soledad del viejo y deteriorado teatro contrastaba con la imagen del día anterior cuando miles llegaron al recinto para velar el cuerpo de Elkin Ramírez, que yacía en un féretro café postrado en la mitad de la tarima y rodeado por cuatro velas.

Esa noche de 29 de enero, día en el que Andrés Ramírez anunció la muerte de su padre, desde las siete hasta pasadas las doce, miles de fanáticos, amigos, colegas y familiares del mítico líder de Kraken fueron a darle el último adiós al Titán. Esa noche llegó al Lido todo tipo de personas, desde los blackeros más extremos hasta los punkeros más callejeros. Gran parte de la vieja y la nueva escuela del rock de Medellín acompañó al cuerpo de este hombre amado y odiado, que fue despedido como lo que era: un dios del rock colombiano. Y como dios, un ser incomprendido al que muchos le pusieron el pie, criticaron, humillaron, insultaron, despreciaron y minimizaron. Pero a pesar de todo, varios de los mismos que le dieron la espalda estuvieron allí, ya sea para mojar prensa, para reconciliarse con él o simplemente para reconocer el legado de más de 30 años de trabajo que dejó.

Dicen los que estuvieron esa noche que la fila para rendirle tributo al cuerpo del Titán se extendía por varias cuadras. Pero a la una de la tarde del lunes 30 de enero, apenas unas 20 personas marchaban lentamente hacia el féretro. La penumbra de ese abandonado teatro de muros pintados de beige y recubiertos de madera, hacía mucho más triste el hecho de que a los 54 años, Elkin finalmente perdió la ardua batalla que lidió contra un edema fibroso en el parietal izquierdo que sufrió en 2015, año en que Kraken celebró sus 30 años con una gira sinfónica.

Finalmente el silencio se rompió desde la parte derecha del teatro, cuando un hombre prendió un pequeño parlante rojo del que sonó "Vestido de Cristal". Inmediatamente todos los presentes empezaron a corear con tristeza: "Olvidarle me da igual: no estoy mintiendo, ignoro su juego. Si su vestido de cristal se quiebra en silencio ¡Que débil es su disfraz". Mientras tanto, un tipo de unos 24 años, pelo largo y chaqueta de cuero parado recto frente al ataúd y con la mirada en el suelo, empuñaba en su mano derecha una bandera blanca con el logo de la banda.

La fila avanzaba lentamente y desde el parlante volvía a sonar "Vestido de Cristal". En el borde del escenario habían una camiseta con un logo hechizo de Kraken, una bandera que decía "Kraken Bogotá" y por alguna razón una pancarta con el logo de Sayco, que desentonaba bruscamente la escena, como si el funeral del Titán fuera una especie de evento al cual ponerle publicidad. Pero bueno, ahí estaba junto a los pliegos de papel en los que la gente escribía sus mensajes.

Con el pasar de los minutos llegaba cada vez más gente al teatro. Rockeros viejos con sus camisetas de Kraken que subían serios a la tarima y bajaban llorando sentidamente, gente en trajes de oficina, señoras con camisas de seda y pelo corto mayores de 60 años. Todo tipo de personas se acercaron para despedirse. Muchos se iban cabizbajos, otros se quedaron esperando la hora de la misa. Afuera se paseaban personajes como el gestor cultural Román Gonzáles, David Rivera de Tenebrarum (quien tocó su violín la noche anterior durante la velación), Felipe Muñoz de Tres de Corazón, el escritor de música Daniel Meléndez, Alex Oquendo de Masacre y otros amigos que crecieron junto a Elkin y compartieron la vida y la música con él.

Pasadas las dos de la tarde entraron vestidos de un horrible verde oliva oscuro e insípido los empleados de la funeraria que cargarían el ataúd hacía la Iglesia Metropolitana, ubicada a unas cuadras del teatro. En ese momento este estaba medio lleno y la policía fríamente arriaba a la gente hacía afuera, indiferentes de la tristeza colectiva que se respirada. En la calle un pabellón de honor rockero esperaba el ataúd.

La gente lloraba, algunos tomaban aguardiente con los ojos hinchados por las lágrimas, otros simplemente miraban hacia la nada con cara de desconcierto y la mayoría cantaba temas como: "Todo hombre es una historia", "Huella y Camino", "Escudo y espada", "Muere Libre", "Lenguaje de mi piel" y "Al otro lado del silencio" de Ángeles del Infierno.

Cuando llegó el cajón, los presentes entonaron con fuerza: "No vivas para ser, por temor, la presa de otros sueños. Se vive una vez para ser eternamente ¡libre!, ¡libre!". A penas subieron el ataúd al carro y cerraron la puerta, Juaco, un viejo artesano de La Playa, sacó su rondador y tocó una versión andina de "Wish You Were Here" de Pink Floyd. Cuando acabó se arrodilló frente al carro y dijo unas palabras. Al finalizar el ritual de Juaco, empezó la marcha fúnebre por la calle Ecuador rumbo la iglesia. En la marcha la gente siguió cantando los temas de Kraken, solo que ahora La Cigarrería J y Bolívar se unía a la procesión con sus parlantes y Juaco de vez en cuando tocaba de nuevo "Wish You Were Here".

Así fue la procesión hasta cuando el féretro llegó a las puertas de la iglesia. Cantos, lágrimas y un rondador que entonaba la misma canción una y otra vez. Una vez que el cajón toco el piso del edificio de ladrillo, una especie de aura solemne se tomó el lugar. El gigantesco órgano tubular tocó una marcha y el ataúd fue empujado lentamente hacia el altar de mármol. A los lados cientos de personas miraban en silencio la marcha de metaleros que caminaba lentamente al pulpito. Sin duda una imagen dantesca. Mechudos vestidos de negro, con camisetas llenas de calaveras llorando dentro de una catedral.

La ceremonia fue una típica misa católica. Pararse, sentarse, arrodillarse, rezar el padre nuestro, dar la paz en fin… Eso sí todo acompañado del respeto y el silencio de los presentes. Al final, Andrés Ramírez acompañado de su primo, se dirigió al público. Con la voz quebrada habló de la fortaleza que le enseñó su padre y concluyó su intervención diciendo: "familia los amo. Familia Kraken, muchas gracias".

Mientras tanto, la formación actual de Kraken, la misma que lo acompañó durante diez años y con la que grabó su último disco Kraken VI: Sobre esta tierra, se preparaba para tocar por última vez junto a su maestro. Con un dolor que los carcomía por dentro, reflejado en sus rostros quebrados y rojos, tocaron "Huella y camino" y "Lenguaje de mi piel". Canciones coreadas por toda la iglesia con suma tristeza. El que no lloró en todo en todo el día, en ese punto se quebró. Era imposible no sentir la emoción de la gente y no pensar en la imagen de Elkin con su melena castaña cantando como nadie más lo hace. Con su registro único, sus agudos épicos y sus conmovedores graves.

Era imposible no verlo sobre un escenario diciéndole a la gente que no la escucha. Era imposible no verlo caminando por la calles de Medellín, la ciudad que le dio la espalda, pero con la que al final se reconcilió. Era imposible no imaginarlo en Abbot y Costello brindando y hablando con la gente. Era imposible no repetir en la mente una y otra vez: "Se vive una vez para ser eternamente ¡libre!, ¡libre!". Cómo no derramar una lágrima porque ese hombre que ya nunca más caminará sobre esta tierra.

A la salida, a la par que la fresca tarde caía sobre Medellín y el Parque Bolívar se llenaba de prostitutas transexuales. La gente se despidió con los cuernos en alto de la carroza fúnebre que llevó el cuerpo para ser cremado en Campos De Paz.

Al final la vida volvió a su burda rutina. Como en todo funeral que se respete, la gente hizo decenas de promesas, habló bien del finado y se alabó la memoria del muerto. Pero solo los que caminaron junto a él en esa empedrada trocha que recorrió durante toda su vida saben lo que representó y lo que significa su ausencia. En esos días mucha gente aprovechó para hablar del rock, de la escena musical, de Elkin. Palabras que en muchos casos llegaron tarde y se irán pronto. Aún así el legado de Elkin Ramírez seguirá vigente, o por lo menos hasta que a algún sapo se le ocurra hacer una novela. Ahora no queda más que acostumbrarse a que en este mundo ya no canta el último titán.

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<![CDATA[Will Butler de Arcade Fire: “Los géneros musicales podrían estar disolviéndose”]]>https://www.vice.com/es_co/article/zmyxqj/will-butler-arcade-fire-generos-musicales-podrian-estar-disolviendose-musica-noiseyTue, 05 Dec 2017 19:46:18 GMT Este artículo fue publicado originalmente en Noisey, nuestra plataforma de música.

Tan pronto empieza 'Everything Now, uno sabe que es verdad. Que es verdad, por un lado, que este es el álbum con más influencia de discoen la historia de Arcade Fire. La canción estalla con un piano y un violín, llevando una melodía nostálgica en unísono. La batería con el bombo sobre el beat y el hi-hat a contratiempo. El bajo con un groove medio funkero. Todo es glamuroso. Es verdad, la canción habría podido salir de una banda sonora de una serie de los años setenta.

También es verdad —o al menos se escucha verdadero en esa canción— lo que plantea la letra del tema. Es todo y es ahora, al mismo tiempo. Se siente la nostalgia de música disco, esa nostalgia ahora tan de moda y que la banda empezó a explorar en su anterior LP Reflektor.

Pero se escucha la voz indudablemente indie de Win Butler, una voz actual que solo podría escucharse en el siglo XXI, cantando, como diría él en la canción, ‘sobre todo al mismo tiempo, es absurdo’. Al fondo, además, se escuchan los teclados, también de ahora y de antes, de Will Butler, hermano menor del cantante y responsable de las guitarras, bajos y teclados de muchas de las canciones de la banda.

Will, multinstrumentista, poeta y experto en cultura eslava, se unió Arcade Fire en 2004, justo antes de grabar su LP debut Funeral. Es optimista frente a la vida. Tuvo un abuelo que cambió su nombre al español. Ha grabado cinco álbumes con Arcade Fire, ha escrito una banda sonora y ha sacado un disco como solista. Uno de sus ídolos es, curiosamente, otro William Butler: William Butler Yeats, nada más y nada menos.

En una entrevista para Pitchfork, Butler dijo: “Mi objetivo como artista es tener una carrera como la de Yeats; mejorar, ganar el Nobel, y seguir haciendo cosas buenas después del Nobel. Él es el único que lo ha logrado, pero ese es mi objetivo”. Butler ganó junto a Arcade Fire el premio Grammy a mejor álbum en 2011, y en 2013 fue nominado al Oscar por mejor banda sonora gracias a su trabajo en la película Her. Si Butler no ha ganado el equivalente a un Nobel por su trabajo musical, ciertamente está muy cerca de hacerlo.

En menos de un mes, los hermanos Butler y su agrupación de Montreal vendrán a Colombia y tocarán temas de los aclamados Funeral, Neon Bible y The Suburbs, así como del polémico Reflektor, y el hasta ahora no tan querido Everything Now. Aprovechando la coyuntura, hablé con Will Butler sobre la gira latinoamericana que se avecina, sobre componer para Arcade Fire habiendo estudiado Poesía y Estudios Eslavos, sobre Bomba Estéreo y, obviamente, sobre arcades.

NOISEY: Hola Will, hablemos de tus expectativas frente a esta gira por América Latina.

Will Butler: Me emociona muchísimo. Algunos de nuestros mejores conciertos han sido en América Latina: en México, Brasil y Argentina. Además estoy muy emocionado por tocar en sitios a los que aún no hemos ido como Colombia y Perú. Y vamos a tocar con Bomba Estéreo, que me parece muy inspirador. Las audiencias latinas, en términos generales, son mucho mejores cantando y bailando. ( R isas) Son sitios muy locos. México, por ejemplo, tiene uno de los públicos más increíbles. Todo me emociona mucho.

Mencionaste a Bomba Estéreo, que será la agrupación que abrirá el concierto de Arcade Fire en Bogotá. ¿Sueles escuchar música latinoamericana? ¿Crees que América Latina tiene elementos para agregar a géneros como el rock?

Claro que sí. Bomba Estéreo emociona tanto en estudio como en vivo. Históricamente —creo yo— la música latina, tanto de Cuba como de Brasil, y de toda América Latina en realidad, ha tenido una enorme influencia tanto en el rock, hablando en términos generales, como en mí, personalmente. Mi abuelo era un músico llamado Alvino Rey, pero su nombre original era Alvin McBurney. Él se cambió su nombre en los años treinta cuando la música cubana llegó a Estados Unidos y se dio cuenta de que la música latina era más emocionante. Así que se puso un nombre en español. ( Risas)

Bomba Estéreo emociona tanto en estudio como en vivo. La música latina ha tenido una enorme influencia en el rock

Te caracterizas por moverte mucho en el escenario y por cómo tocas en vivo. ¿Prefieres estar de gira y tocar en vivo, o más bien estar grabando y escribiendo música?

Son cosas muy diferentes e igualmente satisfactorias a su manera. Me siento muy afortunado de poder grabar música hasta el cansancio y de luego poder tocar en conciertos hasta el cansancio, para después poder volver a grabar música hasta el cansancio, otra vez. Es difícil. Después de un año es difícil tocar en conciertos. El primer año todo es maravilloso y luego uno se empieza a cansar. Y es lo mismo con los álbumes. Es muy satisfactorio y bello hasta que te cansas de oírlo una y otra vez. Así que ahí vas al escenario y tocas las canciones en vivo nuevamente.

Ahora que hablamos de hacer música, ¿tienes planeado otro álbum como solista?

Claro que sí. Estaré de gira con Arcade Fire hasta el siguiente verano, así que no voy a tener todo el tiempo del mundo. Pero sí, está en mis planes hacerlo en algún punto.

¿Y cómo haces para moverte musicalmente entre estos diferentes proyectos? Por un lado está Arcade Fire, por otro está tu proyecto en solitario, e incluso tienes cosas como la banda sonora de Her .

Fluye muy naturalmente porque yo simplemente sigo a donde me guíe la música. Si siento que la música pertenece a Arcade Fire, pues ahí se queda, y si no, la dirijo a otra parte. Her fue algo diferente porque incluía a Spike Jonze, lo cual fue muy inspirador. Todos en la banda hacemos música para poder crear algo, y todos nos escuchamos en lo que creamos. De ahí surge todo.

Leí que estudiaste poesía en la universidad. Teniendo eso en cuenta, ¿qué tanto aportas tú a las letras de Arcade Fire? ¿Y crees que haber estudiado poesía te ayuda a escribir o, de hecho, lo hace todo más difícil?

Para Arcade Fire no he escrito ninguna de las letras. Sin embargo, creo que lo hace más difícil porque las líricas de una canción son diferentes a la poesía. Puedes tener letras que serían poemas terribles, pero que son sumamente valiosas. Igual pienso para mis adentros como: ‘¡Esto es terrible!’ ( Risas), incluso cuando las letras son increíbles.

Arcade Fire ha tocado junto a artistas como David Bowie, David Byrne y U2. ¿Hay alguna colaboración que sientan que les falta hacer?

No. Quiero decir, ¡hemos sido muy afortunados! Hemos trabajado con James Murphy, con Thomas Bangalter, con Steve Mackey de Pulp, con Geoff Barrow de Portishead; hemos hecho videos con Spike Jonze, con Chris Milk… Todo ha sido muy emocionante. Estoy seguro de que podría pensar en alguien [ para colaborar], pero no me hace falta nada. Tocar con David Byrne fue una de las experiencias más transformadoras de toda mi vida. Tenía veintiún o veintidós años así que … fue muy importante.

Hace unos años, durante la presidencia de Obama, te describiste como un optimista en una entrevista con The Guardian . Con todo lo que pasa hoy en el mundo: con Trump, con los ataques terroristas, ¿sigues considerándote un optimista?

Ehmm … sí. Creo que necesitamos tener una comprensión oscura y precisa, pero amorosa de la humanidad. Y creo que tenemos que conocer nuestra historia, que puede ser bastante aterradora, y conocer lo que pasa en este momento, que también es aterrador. Pero deberíamos tener la determinación de poder tener un efecto en lo que está pasando. Para mí eso es optimista. Que uno pueda tener un efecto en cualquier cosa me parece increíble. Puede no ser cierto, pero creo que si uno tiene ese pensamiento tal vez pueda cambiar ciertas cosas.

Creo que necesitamos tener una comprensión oscura y precisa, pero amorosa de la humanidad

¿Y crees que la música debería jugar un papel político o social en estos tiempos?

Creo que, con una interpretación amplia de lo que es la política, sí. No creo que deba hablar explícitamente de estos temas o de candidatos o de política electoral, lo cual podría terminar siendo muy desalentador. Pero creo que la música logra llegarle a la política, así como les llega a las personas y a sus valores y a las mismas esferas públicas. Creo que el hecho de que la gente hable de lo que le importa e intente construir el mundo que quiere es algo sumamente político y creo que la música ayuda mucho a hacer esto.

Foto: Cortesía de Arcade Fire

¿Qué escuchas por estos días? ¿Cuáles son tus bandas o artistas favoritos?

Tenemos unos actos de apertura increíbles. Tuvimos a Wolf Parade al comienzo de la gira del nuevo álbum, estamos tocando con The Breeders, que es una locura. Vamos a tocar con Bomba Estéreo y con Angel Olsen, que me parecen geniales. En la banda de Angel Olsen hay una mujer con una banda llamada Mount Moriah, que es increíble. Así que me he dedicado a escuchar a esta gente con la que estamos tocando.

Últimamente he estado hablando con amigos sobre el rock como género. Rock puede ser Guns n’ Roses, pero también puede ser Arcade Fire, y algunos incluso dirían que Lorde clasifica como rock. ¿Qué piensas tú de estas etiquetas de género?

Creo que el rock es muy amplio y cambiante, y en general prefiero mantener mis géneros amplios. Me gusta pensar simplemente en 'rock' y tener a mucha gente en esa categoría, y no tener que decir: ‘Oh, esto es post-hardcore experimental’, o esto se siente como ‘influencia de latin ochentero’. Esto es música, y todo el tiempo una música se mezcla con la otra. Creo que los géneros musicales —en su mayoría— se están disolviendo o se están volviendo tan pequeños y específicos que se vuelven confusos.

El rock es muy amplio y cambiante, y en general prefiero mantener mis géneros amplios

Hace unos días vi la entrevista de Zane Lowe con tu hermano Win y él dijo que la música era, básicamente, un acto de imitación. Lo dijo con un ejemplo de Pixies y Nirvana. Dijo que era la reinterpretación de una cosa en otro contexto. ¿Estás de acuerdo con esto?

Creo que la música es una expresión profundamente humana que, en esencia, proviene del misterio. Creo que no entendemos de dónde viene la música o por qué la hacemos, pero es muy importante. No sé si el cerebro humano algún día va a poder tomar consciencia de sí mismo y entender por qué se interesa por ciertas cosas, pero la música —que tal vez fue un accidente, tal vez fue evolución— es extrañamente crucial para nosotros.

Por último, tengo que preguntarte esto. El nombre de tu banda es Arcade Fire. ¿A Win y a ti les gustaban los videojuegos? ¿Tienes algún juego de arcade favorito?

Hace poco tocamos en el show de Ellen Degeneres, y en la parte de atrás del set tenían un juego de arcade llamado Burger Time. ¿Recuerdas Burger Time? Es como Donkey-Kong, pero tienes que intentar hacer una hamburguesa en vez de intentar derrotar a Donkey-Kong. ( Risas) Jugamos muchos juegos de arcade en los años ochenta.

* * *

Will y su banda se presentarán el próximo 5 de diciembre en Bogotá. Pueden conseguir sus entradas por aquí.

Flyer: Arcade Fire @ Bogotá
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zmyxqjSergio ÁvilaJuan Pablo LópezEntrevistaMúsicaArcade FirerockNoiseyWill ButlerBomba Estéreo
<![CDATA[¿Cuánto cuesta ir a Radiohead, Gorillaz, Depeche Mode y QOTSA el próximo año?]]>https://www.vice.com/es_co/article/ywnmek/radiohead-gorillaz-depeche-mode-qotsa-precios-ahorrosWed, 29 Nov 2017 21:53:21 GMT Este artículo fue publicado originalmente en Noisey en Español, nuestra plataforma de música.

Apenas el reloj marque las doce de la noche del primero de enero de 2018, en Colombia comienza uno de los semestres más brutales en cuanto a eventos musicales se refiere. Desde hace unos años, la oferta cultural en el país ha crecido de manera significativa: cada vez viene gente más dura, los carteles están alineados con lo que está "pegando en todo el mundo" y artistas que nunca creímos ver de frente han pasado por estas tierras o van a pasar, cosa que nos emociona.

Pero, obviamente, esto también nos obliga a hacer cuentas con cuanta moneda tengamos a la mano. Toca levantarse la plata como sea, ya sea vendiendo gomitas en el trabajo o instruyendo a nuestras tías en el complejo uso del WhatsApp. Lo que sea para poder ir a todo lo que nos venga en gana sin tener que pasar la tarjeta a 24 cuotas (o más) y evitar la penosa acción de sentarnos a llorar y maldecir al universo por no tener un peso y tener que escoger entre comer o ir a un festival.

No es que nos genere satisfacción patear sus sueños y decepcionarlos, pero sí sentimos necesario advertirles cuánto le cuesta a sus bolsillos el infinito placer de ver en vivo, así sea en la peor locación, a sus ídolos musicales. Y bueno, también para que de paso vayan pensando qué van a empeñar.

Aclaramos que esta lista solo incluye algunos de los eventos más grandes que se van a hacer en Bogotá (o sus alrededores) durante el primer semestre del otro año, sin contar los desmadres capitalinos que se viven todas las semanas de martes a sábado con gente muy, muy pesada de la escena local a la que también aguanta mucho apoyar.

Radiohead

Para cumplir el sueño de pillar en vivo, por primera vez en la tierrita, a Thom Yorke y compañía, le tocará desembolsillar la módica suma de $180.000 pesos (localidad 'In Rainbows') y $370.000 pesos (localidad ‘OK Computer‘), ambas en primera etapa. Claro, cabe aclarar que además de Radiohead, también tendrás el enorme placer de escuchar al gran Flying Lotus, Junun y Ghetto Kumbé.


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Depeche Mode

Luego de nueve largos años, finalmente regresan a la capital los papás: Depeche Mode. Como parte de su Global Spirit Tour por Latinoamérica, Dave Gahan, Martin Gore y Andy Fletcher volverán a pisar suelo colombiano el viernes 16 de marzo. Si desean cantar a todo pulmón "Enjoy The Silence", les toca bajarse de $224.000 a $414.500 pesos, dependiendo de la comodidad del asiento.

Gorillaz

Otro gigante que debuta en la tierra del Sagrado Corazón. Gorillaz, la banda conformada por los ingleses Damon Albarn y Jamie Hewlett, formarán parte de la novena edición del Festival Estéreo Picnic. El sábado 24 de marzo ha sido la fecha elegida para que 2-D, Murdoc, Russel y Noodle se apoderen de la sabana bogotana. Si desean asistir únicamente el sábado, día en el que también podrán pillar actos como De La Soul, Kali Uchis y Dengue Dengue Dengue, deberán sacar de sus billeteras un fajito de $275.000 pesos, en primera etapa, o $310.000 pesos en segunda etapa. Si quieren tirar la casa por la ventana y asistir los tres días del FEP, tendrán que inhalar, exhalar y bajarse de $610.000 pesitos.

Queens of the Stone Age

El sábado 10 de marzo, la querida banda capitaneada por Josh Homme, Queens of the Stone Age, volverá a Colombia tras su recordada presentación de 2014. Si desean asistir al Palacio de los Deportes de Bogotá a corear a todo pulmón "Go With The Flow", tendrán que sacar $212.000 y $275.000 pesos.

Mucha suerte rompiendo esas alcancías.


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ywnmekNoisey en EspañolFelipe Sánchez VillarrealMúsicaNoiseyRadioheadGorillazFestival Estereo PicnicQueens of the Stone AgeQOTSA
<![CDATA[Las 31 mejores bandas sonoras electrónicas de películas de terror ]]>https://www.vice.com/es_co/article/9kq3z8/31-mejores-bandas-sonoras-electronicas-peliculas-terrorTue, 31 Oct 2017 23:19:52 GMTDesde el auge de la producción masiva de sintetizadores comerciales, un poco más de cien años atrás, la música electrónica se entrelazó con la historia de las películas de terror.

Mientras los compositores experimentales, los entusiastas psicodélicos, y los bailarines dedicados a asesinar la pista, se ocuparon de explorar las infinitas posibilidades de la instrumentación electrónica, la industria del cine vio en esta nueva tecnología un recurso práctico para musicalizar sus más carnosas y baratas producciones. En vez de contratar a todo un grupo de músicos y compositores, la invención les permitió acceder a un acompañamiento musical accesible económicamente, realizado por un solo compositor, o en muchos casos, por el director mismo.

Tanto por su funcionalidad práctica como por las ilimitadas posibilidades que ofrecían los instrumentos, las composiciones con sintetizador se convirtieron en una fuente común para aterrorizar a los corazones de las audiencias de películas en el curso los años setenta y ochenta, dando inicio a una inevitable relación entre la música electrónica y el cine de género que ha durado hasta hoy. Ya que la nueva tripulación nostálgica que opera dentro y fuera de la industria cinematográfica se influencia del cine de género, no parece haber un mejor momento que ahora, para mirar atrás a la música que se dispersó musicalizando películas de terror en la últimas décadas; desde un funk malhumorado, hasta el ambient interestelar, o el impactante terror industrial. THUMP ha compilado las treinta y un mejores bandas sonoras compuestas para pelis de terror.

31. The Dentists (1996):

La musicalización de una peli que se trata sobre un malvado dentista, necesita un poco más que zumbidos de taladrados y de succiones mecanizadas para dejar a la mayoría de personas muertas de miedo. Pero la película de 1996, The Dentist, lo hizo mejor, creando escenas de horror oral sobre cuerdas adormiladas, elementos de percusión parloteantes y el nauseabundo zumbido del sintetizador típico del compositor Alan Howarth. Howarth se ha consagrado por sus muchas colaboraciones con John Carpenter y su trabajo en algunas películas de Star Trek. Algunas de las escorias han sido borradas de su trabajo aquí en comparación con su material anterior, pero eso solo sirve para hacer que el puntaje sea más petrificante, como si después de todos estos años finalmente estuvieras viendo el mal en pleno foco. - Colin Joyce.

30. You're Next (2011)

Nunca volverás a escuchar a la banda de Dwight Twilley y su "Looking for the Magic" de la misma manera. No después de ver esta película de terror de bajo presupuesto. Pero You're Next logró hacer más que solo traerle frescura a un sencillo exitoso: demostró que los cineastas independientes estadounidenses como Adam Wingard podrían aportar algo nuevo al género de la invasión hogareña, mediante el uso de los tropos de terror de los ochenta. Múltiples artistas participaron en el proyecto —Kyle McKinnon, Justice Lee, Mads Heldtberg, y Wingard— y aunque todos trabajaron en tracks distintos, la colección de sintetizadores giratorios es perfecta y un complemento perfecto para el power-pop recurrente de Dwight Twilley. La partitura es el equivalente musical del terror del pensamiento colectivo, como si los músicos estuvieran sentados en la oscuridad contándose cuentos de fantasmas, simultáneamente asustando a la gente también. - Tina Hassannia.

29. A Nightmare on Elm Street (1984)

A su vez amenazadora y propulsora, la excelente producción de Charles Bernstein, A Nightmare on Elm Street, ayudó a que muchos de los elementos que ahora son sinónimos de la música slasher de los ochenta fueran icónicos. Utilizando percusiones bañadas en reverberaciones, sintetizadores espinosos, cuerdas chillonas y ejecuciones de piano de teclas menores, Bernstein crea un facsímil casi creíble de instrumentación acústica a la vez que desconcierta a los oyentes con ruidos antinaturales. una hazaña que se siente ajustada temáticamente para una película que difumina la línea entre los sueños y la realidad. Los logros más importantes aquí —que formarían la base de la música de la franquicia— son el inquisitivo tema ascendente/descendente de la película y una burlona figura de dos notas que imita una extraña rima infantil. Como una pesadilla que te deja temblando mucho después de que te despiertas, esta música perdura. - Sean Egan

28. Forbidden World (1982)

Debido a las limitaciones tecnológicas de la época, la mayoría de las producciones impulsadas por sintetizadores de principios de los ochenta son piezas ambientadoras desgarradoras o percusiones alegres y de percusión. El trabajo de Susan Justin sobre el falso filme de Alien, Forbidden World, es especial en la forma en que reluce entre los dos. Los momentos más memorables de la partitura provienen de sus valientes líneas del sintetizador, pero afectan aún más la forma en que emergen lentamente del lodo. -Colin Joyce.

27. Killer Klowns From Outer Space (1988)

Aunque profundamente tonto, Killer Klowns From Outer Space se las arregla para aprovechar la verdad universal y cada vez más evidente de que los payasos son realmente espeluznantes. La música de John Massari toca con destreza esa línea entre el humor y el horror, ofreciendo el acompañamiento perfecto para la estética campy, neón-vomit creepshow de la película. Massari le da a las teclas un entrenamiento cromático carnavalesco, que favorece los bloques de metales, la guitarra eléctrica falsa, los tambores teatrales y las voces chistosas de los juguetes; el vals mareador resultante suena como si estuvieras a punto de perder el control. Nuestra lección: arroja una pequeña disonancia aquí, cita una melodía familiar de circo, y obtienes un tema que muestra cuán poco separa la risa del terror.- Sean Egan.

26. The Boogeyman (1980)

Los sintetizadores que suenan como copas de vino se convirtieron en un sello distintivo del género en el transcurso de los años ochenta, pero la producción de Tim Krog para el sobrenatural slasher de 1980, The Boogeyman, es más descontrolado que el de cualquiera de sus pares. El sintetizador frágil lleva brillos como bolas de nieve recién enrolladas; un suspiro de ambiente se expande como el aliento empañado en la ventanilla de un carro. Este podría darte escalofríos incluso sin los jumpscares.- Colin Joyce

25. Runaway (1984)

El seis veces nominado al Grammy y ganador de un premio de la Academia, Jerry Goldsmith, manejó las bandas sonoras de un número aparentemente imposible de películas durante sus casi cinco décadas en la industria, pero es más famoso por sus musicalizaciones aterrorizadoras. Los sustos generados por su trabajo para The Omen le dieron ese Oscar, y sus atmósferas de pánico en Alien le han ganado una camarilla de admiradores en la comunidad de electrónica experimental. Sin embargo, es su score para la película Runaway de Tom Selleck que presenta sus excursiones de sintetizador más memorables. En contraste con la atmósfera paranoica que prestó a Alien cinco años antes, su trabajo aquí es sorprendentemente dulce, lleno de teclas brillantes y flotantes que se sienten un universo lejos del terror que deben acompañar. Tal vez el hecho de que la música de este movimiento surgió de máquinas, es lo suficientemente aterrador. - Colin Joyce

24. The Severed Arm (1983)

Alguna vez no tan amorosamente descrito por un crítico como "un sintetizador de cerebro licuado de locura fuckpocalypse", esta musicalización ofreció un ejemplo temprano de la programación alocada de Moog, utilizada como abreviatura de los horrores apenas explicables que se desarrollan en pantalla. El enfoque del compositor Phillan Bishop es maximalista para los estándares de 1973, acumulando sintetizadores asíncronos y fuera de clave en un zumbido de parloteo extático que es tanto motosierra como colmena. algo apropiado dada la violencia amputada que impulsa la película hacia adelante.- Colin Joyce

23. We Are Still Here (2015)

A diferencia de muchos de los compositores contemporáneos que trabajan en películas de terror, el músico polaco Wojciech Golczewski no es nostálgico. Emplea un grupo de sintetizadores en la película de la casa embrujada de 2015, We Are Still Here, pero la rutina en escala de grises es oscura y opresiva en lugar de la fabulosa diversión de muchos de sus compañeros. Estas piezas recuerdan más a la vasta angustia existencial de compositores ambientales como Biosphere y Lustmord, que a los compositores que trabajan sobre todo en música de cine. El polaco no solo acompaña al mal en la pantalla, sino que mira al cielo y se preguntan por qué. -Colin Joyce.

22. Starry Eyes (2014)

Cuando no está haciendo una producción inventiva como tercer integrante del grupo de rap experimental, Jonathan Snipes se puede encontrar trabajando entre bastidores, musicalizando varias series de televisión y películas. Su trabajo meticuloso para Kevin Kölsch y la pesadilla de Hollywood de Dennis Widmyer, Starry Eyes, es fácilmente uno de sus trabajos más impactantes hasta la fecha. El oscuro retrato de la película sobre el costo de la fama se dirige a lugares incómodos, y la banda sonora de Snipes ayuda a sumir a los televidentes en un abismo de paranoia, asintiendo con los temas de las películas de terror de los ochenta y ofreciendo tramas de ruido ambiental y pavoroso.— Ian Stanley.

21. Shock Waves (1977)

Hay un poco de ligereza en la representación de pesadilla de Ken Wiederhorn, sobre los zombis nazis acuáticos en Shock Waves, pero la producción de la película es suficiente para reprimir tu risa. Conjurada por el compositor Richard Einhorn, la banda sonora es una colección brutal y burbujeante de piezas de sintetizador en escala de grises: una versión de música industrial evocada desde las profundidades de un naufragio. Pocos pensamientos son más aplastantes que la idea de la muerte en el fondo del mar, un temor del que Wiederhorn ligeramente se burla en la pantalla, pero que Einhorn se toma en serio. Entonces, todos a bordo de este agradable crucero sobre el río Styx.— Colin Joyce

20. Deathdream (1972)

La parábola oscuramente cómica de Bob Clark, Deathdream, fue un ejemplo temprano del poder de la música electrónica para convertir imágenes horrorosas en algo totalmente surrealista. El contratista, Carl Zittrer, presenta extrañas texturas electrónicas y capas de sintetizador analógico para acompañar al asesino no muerto de la película, el veterano de Vietnam maliciosamente vacante, mientras vagabundea por pequeños pueblos de Brooksville, Florida atacando a inocentes transeúntes. Dondequiera que Andy se esconda, la tensión aumenta, los cables de seguimiento siguen; durante las escenas de asesinatos crudamente montados, los sintetizadores giran en un frenesí atonal zumbido y ensordecedor. Pero Zittrer es un uso del sonido expresionista en lugar de literalista, elevando el horror al poner a los espectadores dentro de la cabeza perturbada del asesino, y haciendo que las secuencias ya perturbadoras (como el estrangulamiento de un perro de la primera película) sean casi insoportables.— Sean Egan

19. Demons (1985)

Goblin es conocido sobre todo por trabajar estrechamente con el cineasta obsesionado con la paleta de colores, Darío Argento, pero su influencia en el género de terror ha continuado repercutiendo desde su apogeo de los setenta. Como tal, los directores que buscaban el toque Goblin con frecuencia recurrían al miembro fundador Claudio Simonetti para lanzar su particular mezcla de sintetizadores dancey e instrumentación orgánica. Simonetti prestó una de sus partituras más juguetonas a los Demons, de Lamberto Bava, mezclando tropos de nueva ola y heavy metal como un recordatorio de que las películas de terror no necesariamente tienen que asustar, a veces también pueden ser divertidas.— Ian Stanley

18. Xtro (1983)

La pulposa película alienígena de Harry Bromley Davenport, Xtro, trata sobre los peligros secretos que se encuentran en nuestra vida cotidiana, donde incluso los juguetes aparentemente inocuos de los niños pueden cobrar vida como armas asesinas. Por lo tanto, es apropiado que la musicalización provista por el mismo Bromley Davenport, funcione en especie. El ambiente de gente discutido a partir de sintetizadores inquietos es en gran medida la regla, pero cuando la electrónica de percusión, endeudada por Carpenter se abre paso en la mezcla, es difícil no pensar en los sustos que acechan incluso en las esquinas más inocentes.— Colin Joyce

17. Videodrome (1983)

Al igual que la película en sí, el puntaje del compositor Howard Shore para el cuento de advertencia psicosexual de David Cronenberg, Videodrome, es una experiencia bifurcada, pisando delicadamente la línea entre el hombre y la máquina. Los mecanismos de sonido conspiratorio zumban, hacen clic y crujen arrítmicamente, a medida que los tonos bajos suenan. Cuando las melodías surgen, salen como legatos fúnebres. Shore ocasionalmente emplea cadenas en vivo, pero la mayoría de las veces, son los sintetizadores los que se sienten humanos: los golpes graves se convierten en latidos del corazón; lanzamientos sintéticos son una respiración aproximada; arpegios lejanos e inundados evocan el útero. Es un paisaje auditivo carnívoro que puedes dejar que te consuma. De hecho, larga vida a la carne nueva.— Sean Egan

16. It Follows (2014)

Incluso antes de que la música para el querido show de Netflix, Stranger Things, iluminara a la generación actual sobre las bandas sonoras de sintetizadores, el compositor radicado en Staten Island, produjo Disasterpeace para It Follows, de David Robert Mitchell, utilizando una paleta de sonidos similar para reavivar el interés mainstream en la musicalización de las películas de terror. El cerebro de Disasterpeace, Richard Vreeland, ha admitido abiertamente que ni siquiera ve películas de terror, y mucho menos escucha sus bandas sonoras, pero la música de sintetizador retro de It Follows refleja su extraña habilidad para recordar el pasado del género de terror de una manera que parece fresco y actualizado, sin mencionar aterrador.- Ian Stanley

15. Zombie Flesh Eaters (1979)

Zombie Flesh Eaters - como la mayoría de las composiciones de los ochenta del compositor italiano Fabio Frizzi- es tan sintético como la seda de la tienda de dólar, pero ahí radica su encanto. Con sus pasajes de percusión de manos polirrítmicas, sin duda empleados para recordar el ambiente vagamente caribeño de la película (en parte filmada en República Dominicana), con parches de sintetizador brutalmente artificiales: es doloroso por diseño. El tipo de producción que ninguno de los miembros actuales de sintetizadores intentaría o podría intentar copiar. Eso es parte de lo que lo hace sentir tan fresco: que nadie con buen sentido trataría de replicarlo.— Colin Joyce

14. Razorback (1984)

No hay muchas opciones de composición que puedan acompañar el vuelo alucinatorio y deshidratado de un hombre herido a través de un desierto después de sobrevivir a un ataque de un cerdo monstruoso, y que logren hacerla verosímil. Tal es el triunfo del músico australiano Iva Davies, quien trabaja en la película de 1984: Razorback. Para la escena en cuestión, Davies apunta a la luz, montando un parche de sintetizador analógico celestial que es un poco más brillante que cualquiera de los compositores post-kosmische que compusieron para películas B en la misma época. Su forma de superar la timidez, en general, es elevarse por encima de los ataques del jabalí y los rudos matones australianos con nombres como Dicko, lo que le da a la película una surrealidad entrañable, una que su tonto concepto podría no sugerir.— Colin Joyce

13. Possession (1981)

Los sonidos aterradores que aparecen en la peli del director de Possession de Andrzej Zulawski, son casi universalmente espinosos, pero hacia el final de la película hay una pista de algo en juego un poco más multidimensional. Justo antes de una escena climática de persecución, el compositor Andrzej Korzynski, suelta un ritmo suave de tambores maquinados y las líneas sintéticas de neón, que no sonarían fuera de lugar en los clubes de los años posteriores al lanzamiento de la película.

Es uno de los pocos momentos brillantes que se abrieron paso en la musicalización, pero el sello de la reedición, Finders Keepers, descubrió que Korzynski inicialmente registró aproximadamente el doble de pistas de que lo que realmente incorporó a la película, y finalmente las compilaron en el la reedición de la banda sonora de 2012 . Las piezas incluidas allí fueron algunas de las primeras incursiones de Korzynski en la composición electrónica, pero sus esfuerzos parecen anticipar la cantidad justa de música de club, basada en sintetizadores que surgió durante la década siguiente. Es difícil especular por qué Zulawski eventualmente los eliminó de la película, pero tal vez decidió que sus escenas de sexo alienígena ya estaban malhumoradas y sucias. -Colin Joyce.

12. Candyman (1992)

El reconocido compositor minimalista, Philip Glass, ha proporcionado paisajes sonoros hipnóticos para películas como Koyaanisqatsi y The Hours, pero no ha trabajado mucho en el cine de terror, aparte del de Bernard Rose, Candyman. Esta composición es un poco una excepción de la lista, ya que no es una producción con sintetizador, estrictamente hablando. Pero los órganos de pipa y las partes del piano funcionan paralelamente a la tradición de la música de terror sintetizada, que llegó antes y demostró ser constantemente influyente para la experimentación de los compositores posteriores que compartían esta mentalidad.

El personaje principal de Candyman aparece cuando alguien canta su nombre cinco veces delante de un espejo. Para hacerse eco de la premisa, Glass usa el canto coral para atormentar al espectador a lo largo de la película. El sonido orquestal de Glass nos introduce en el mundo académico "seguro y normal" mientras un estudiante de posgrado protagoniza una tesis sobre leyendas urbanas. Pero su olor a gótico atrae al espectador al violento vientre de la ciudad y expone la violencia sobrenatural y animal del Candyman. El efecto es más intelectual y menor que el score de terror promedio, pero la música tiene una calidad resbaladiza y alucinatoria que hace que las amenazantes voces en off de Candyman sean aún más aterradoras.— Tina Hassannia

11. The Legend of Hell House (1973)

La obra más famosa de Delia Derbyshire: la versión electrónica del tema Doctor Who, que fue la canción de apertura de la serie durante veinte años (y por la cual, dicho sea de paso, no recibió ningún crédito formal), fue solo el comienzo de su coqueteo con lo sobrenatural. Su colaborador Brian Hodgson, minimiza su participación nuevamente en el score de The Legend of Hell House, pero cualquiera que sea la división de trabajo, la pareja se unió aquí para explorar el potencial del sintetizador y para conjurar al otro mundo. La mayoría de entradas son de alta frecuencia, atonales, lavados espinosos de electrónica estática. Es apropiado para la atmósfera paranoica en la película, una de muchas en un género donde el medio ambiente a menudo es el verdadero enemigo.— Colin Joyce

10. Angst (1983)

La composición de Klaus Schulze para la película austríaca, Angst, es un caso raro en el que los encantos vertiginosos de una banda sonora -y su disponibilidad relativamente generalizada- la han vuelto más famosa que la película que se encargó de musicalizar. Eso puede deberse a que es algo así como un ansioso atípico a la deriva, en medio de la colección de sintetizadores de Schulze. Tal vez para evocar un poco más de pánico que el de costumbre, se permitía un poco de propulsión en temas como "Pain" y "Surrender", trayendo el castigo mecánico de unas pocas máquinas de percusión para fundamentar su trabajo de sintetizador astral. Es inestable a su manera, un ejemplo de la forma en que contar con lo indecible puede cambiarte irremediablemente.— Colin Joyce

9. Phantasm (1979)

Hay muchas razones por las cuales Phantasm es una película emblemática de terror de finales de los setenta. No solo fue el primer éxito para el talentoso cineasta Don Coscarelli, sino que también dio origen al legado de Tall Man, el funerario icónico y malvado, centinelas de la muerte. Los amigos de Coscarelli, Fred Myron y Malcolm Seagrave se encargaron de la banda sonora, haciendo una composición que coqueteó con los sonidos de Prog Rock de Goblin y el amor por los motivos recurrentes. La música creó una atmósfera claramente de otro mundo, una perfecta para el Tall Man y sus secuaces la habitaran.— Ian Stanley

8. Maniac (2012)

La espeluznante versión de 2012 de William Lustig del Maniac de Franck Khalfoun, es una especie de clase magistral sobre cómo rehacer con éxito una película de terror: tome una presunción original, gírela y mírela desde un ángulo completamente diferente. Musicalizada por el músico francés Robin Coudert, alias Rob, la película examina los rincones más sucios de Los Ángeles a través de los ojos de un asesino en serie. De hecho, toda la película filmada a través de la subjetividad del asesino. Es una aventura oscura y brutal. La composición de Rob, que depende de ritmos palpitantes y melodías inquietantes, ayuda en gran medida a enmarcar su violencia explícita de una manera oscura y hermosa.— Ian Stanley

7. The Fog (1980)

Con The Fog, las pulsaciones de sintetizador de percusión que en ese momento se habían convertido en la firma de John Carpenter, tienen un propósito mayor que la atmósfera. Como sugiere el tic-tac de la secuencia de apertura, The Fog es una película obsesionada con el tiempo, o que lentamente se está quedando sin él. A medida que la espeluznante niebla se acerca cada vez más a engullir a los personajes, el puntaje aumenta el ímpetu con cada desgarradora figura de Moog. Carpenter utiliza chorros intermitentes de atonalidad y ruido como indicadores de la naturaleza sobrenatural del mal amorfo, con acordes más largos para reflejar la naturaleza rastrera y envolvente de la niebla. Tristes recordatorios de que en este tipo de películas, después de que se acabe el tiempo, no hay escapatoria. - Tina Hassannia

6. Chopping Mall (1986)

Una película sobre el mal funcionamiento de los robots guardianes que embisten un centro comercial, no podría ser otra cosa que pura diversión, y la composición del funk enfermizo del compositor Chuck Cirino, para Chopping Mall, se inclina hacia el absurdo muy apropiadamente. La percusión estruendosa y el trabajo de sintetizador solo hacen eco de la distopía tecno del concepto, pero es difícil no sentirse aturdido cuando las extrañas ráfagas de arpegios y las campanas de sintetizador de rápido disparo, entran durante los momentos más tensos de la película. Es un trabajo de alegría desenfrenada, sin autoconocimiento y sin complejos que es tan químicamente dulce como el jarabe de maíz de color rojo que a menudo se sirve como sangre falsa en juegos sangrientos como estos.— Colin Joyce

5. Under the Skin (2014)

Mientras ha sacado numerosos discos pop experimentales con su banda Micachu & The Shapes y colaboró con todos, desde Dean Blunt hasta Toddla T, Under the Skin es la primera incursión musicalizadora de Mica Levi, en el mundo del multiinstrumentista británico de formación clásica. Dirigida por Jonathan Glazer, la película de ciencia ficción de 2014 está protagonizada por Scarlett Johansson como una alienígena que atrae a desventurados viajeros escoceses, a un fango negro. La composición de Levi es apropiadamente de otro mundo; ralentizado y cambiado de tono, grabaciones de micrófono discordantes, percusión mínima y cuerdas de viola chirriantes proporcionan un telón de fondo discordante para el personaje de Scarlett Johansson. En una entrevista de 2014 con THUMP, el compositor dijo que el consejo del director para ella era "seguir al personaje [de Johansson] en tiempo real". "El tenía sus ideas sobre lo que él pensaba que debería ser la música, y yo tenía que sumergirme realmente en eso", dijo. "Tenía que relacionarme con ella, qué sentimientos podría tener y pensar como ella, finalmente, hacer lo correcto para ella".— Max Mertens

4. Day of the Dead (1985)

Day of the Dead iba a ser la obra maestra de George Romero. Después de preparar el escenario con Night of the Living Dead y más tarde, Dawn of the Dead, Romero estaba preparado para hacer su declaración cultural más grandiosa sobre la naturaleza humana. Un pequeño presupuesto, reducido a la mitad durante la preproducción, y las tibias reacciones de críticos y fanáticos amordazaron el impacto previsto de la película. Pero en las décadas posteriores a su lanzamiento, Day of the Dead encontró lentamente una audiencia, al menos en parte gracias a la extraña composición del cineasta/compositor John Harrison. Siguiendo la banda sonora de Goblin para Dawn (presentada exclusivamente en la versión italiana de Dario Argento), la oferta de Harrison con tintes de calipso se destaca principalmente por sus motivos recurrentes, pero también porque, más allá del contexto horroroso de la película, realmente suena bastante agradable.— Ian Stanley

3. Suspiria (1977)

La composición de la banda italiana de horror Goblin, para la tenebrosa Suspiria de Darío Argento, está tan casada con la película, que es casi demasiado aterrador escucharla solo. La banda rinde homenaje a la música orquestal para Psycho de Bernard Herrmann, y a los extraños efectos vocales de The Exorcist, pero la banda crea su propia cacofonía de sonidos tortuosos y sonidos sobrenaturales. Estas composiciones electroacústicas marcan una aparición temprana de sintetizadores en las películas de terror y aumentan una de las fuentes de terror más perdurables del género : la sensación de que algo maligno se esconde debajo de lo cotidiano, si estás dispuesto a mirar por debajo de los rincones oscuros.— Tina Hassannia

2. Nosferatu (1978)

El compositor alemán, Florian Fricke, prestó sus talentos camaleónicos a varias películas existenciales de Werner Herzog, pero para Nosferatu de 1978, la banda de Fricke, Popol Vuh, intentó con material más complejo del que habían experimentado antes. La banda sonora cristalizó en gran medida los motivos corales celestes y las redes de sitar que se convirtieron en la timonera de la banda, pero también dejaron espacio para que su experimentación electrónica temprana volviera a entrar. En medio de toda la grandeza de la composición, las pocas piezas de Moog de Fricke se sienten especialmente dispersas y solitarias. Lo escalofriante está en el contexto, en saber que estas piezas deben estar llenas de vida, pero no lo están.— Colin Joyce

1. The Keep (1983)

La naturaleza maleable de las composiciones de sintetizador de Tangerine Dream hizo que el colectivo alemán de música electrónica, se adaptara fácilmente a una cantidad casi inigualable de bandas sonoras de películas. Pero pocas de las composiciones del grupo son tan impactantes como su trabajo para The Keep de Michael Mann. Algunos pueden atribuir la aclamación de The Keep a su rareza: solo se lanzaron oficialmente alrededor de 300 copias, y solo los piratas han llenado la brecha desde entonces. El propio Mann ha desautorizado la película desde su lanzamiento, y los derechos de licencia hacen que sea difícil capturar una versión con la composición original intacta. Pero la música que compone la banda sonora es una de las más diversas que Tangerine Dream ha lanzado alguna vez.

Está, por supuesto, su insignia: el sintetizador ingrávido y sondeante que sigue siendo imitado por los compositores hasta el día de hoy, y se extienden en la musicalización hasta el delirio absoluto. Aquí están los solos de guitarra armoniosamente mareadores, las percolaciones de percusión disccontiguas y los descensos infernales hacia la estática atonal. Es ridículo y sombrío, alegre y aterrado, a partes iguales: el tipo de visión medida, esculpida y revisionista del género que ocurre cada vez que los autores eligen soportar el peso de décadas de convención.— Colin Joyce

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<![CDATA[“Lo que pasa en Radiohead es a veces inexplicable”: Philip Selway]]>https://www.vice.com/es_co/article/kz3zav/radiohead-philip-selway-entrevista-noiseySun, 29 Oct 2017 11:45:55 GMTEste artículo fue publicado originalmente en NOISEY en Español.

Philip Selway, un tipo de cincuenta años que habla con amabilidad y un marcado acento británico, ha sido el encargado durante tres décadas de crear las alucinantes baterías de Radiohead. Philip es ese tipo calvo que en las fotos y videos de la banda siempre se le ve con una postura perfecta mientras toca su instrumento con una concentración absoluta, como si no hubiera nada más en el mundo a parte de la música que crea con sus compañeros.

Al igual que los demás integrantes de Radiohead, Philip Selway es multiinstrumentista y compositor. Es una persona cuya cabeza está tan llena de ideas que no se pueden limitar solo a un proyecto, por más que este sea una de las mejores bandas de todos los tiempos. Hay cosas que simplemente necesitan salir de forma personal, que solo uno sabe cómo crearlas, cómo darles forma para que transmitan lo que uno siente. En el caso de Selway han sido tres álbumes de estudio: Familial (2010), Weatherhouse (2014) y la banda sonora que compuso para Let Me Go, un película de la directora Polly Steele, que trata de la relación entre madres e hijas enmarcada en medio de un oscuro secreto familiar. Este largometraje está basado en la historia de Helga Schneider y se estrenó este año.


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Como solista se le ve alejado de la batería, una extensión natural de su cuerpo. Esta es su faceta como guitarrista, cantante y compositor. Sus temas tienen un aura especial. Sus canciones suaves con toques melancólicos son oscuros y luminosos a la vez, tiene un tono de tristeza y bienestar que te hacen sonreír y pensar en los momentos buenos de la vida, esos que se recuerdan con alegría y nostalgia a la vez. Pero con Let Me Go presenta una cara nueva, una que crea la atmósfera perfecta para esta dramática película en la que una mujer y su hija deben enfrentar el pasado nazi de su madre, quien la abandonó a los cuatro años para unirse a las SS.

En este soundtrack Selway explora instrumentos como la guitarra acústica y los cuartetos de cuerda. A través de la música juega con los sentidos y hace casi palpables el drama y la angustia que envuelven esta película. Let Me Go es una muestra de que Radiohead es el producto de cuatro cerebros geniales que se complementan de forma única.

Aprovechamos que este nuevo disco con el soundtrack de la cinta saldrá en formato físico el 27 de octubre y nos contactamos por teléfono con Philip Selway, quien con su cálida y gentil voz no contó cómo hizo para componer esta banda sonora en medio de las grabaciones de A Moon Shaped Pool, sus facetas como baterista de Radiohead, como solista y sobre el papel de la música en estos tiempos de caos mundial.

Foto: Alex Lake | Cortesía

Noisey: Has tenido un par de años bastante ocupados con Radiohead. El lanzamiento de un nuevo disco y los veinte años de Ok Computer. ¿Cómo fue el proceso de hacer la música de Let Me Go?
Philip Selway: Sí fue un año bastante ocupado. Para componer este disco tuve que trabajar en las brechas del itinerario de Radiohead. Por ejemplo, mientras grababamos A Moon Shaped Pool, aprovechaba las mañanas antes de las sesiones en el estudio para desarrollar mis ideas y después tenía unos espacios para grabar los temas de la película. Cuando comencé a hacer mi proyecto como solista tuve que segmentar mi vida. Con eso me refiero a que si estaba trabajando en mis cosas, entonces necesitaba enfocarme por completo en eso, porque estaba tratando de encontrar mi beat y mi voz. Al principio se me dificultó mucho pasar de mi proyecto en solitario al trabajo con Radiohead, pero a medida que ese proceso avanzaba, encontré la forma de intercalar entre ambos. Y además, a veces tienes la necesidad de trabajar en dos proyectos que se juntan porque de alguna forma se complementan entre sí.

Leí que siempre soñaste con hacer una banda sonora, ¿cómo fue tener esa oportunidad finalmente?
Siempre he tenido un par de ambiciones musicales. Una era hacer la música para una danza, lo cual logré hace un par de años con la compañía de baile Rambert de Londres. Y la otra era hacer la banda sonora de una película. Pensé que iba a pasar mucho tiempo antes de sentirme preparado para eso, pero Polly Steele se acercó a mí y me vinculé al proyecto desde el principio. Inicialmente iba a ser el curador musical de la película, pero a medida que se fue dando el proceso, sentí que era apropiado que hiciera la banda sonora. Para ese punto tenía varias ideas tomando forma. Conocía bien el guión y pensé que el texto tenía cosas importantes para decir, además de unos personajes bien formados y complejos. Después los actores empezaron a audicionar para el papel, y entró una fantástica actriz británica llamada Juliet Stevenson quien era la protagonista. A medida que empezó a tomar forma el proyecto, todos los elementos comenzaron a encajar. Los actores, el director y el director de cámara.... todo empezó a darle una atmósfera a la película y tanto los arreglos como las ideas surgieron. Pienso que la idea principal es que esta película tiene como protagonistas a tres personajes femeninos muy fuertes, lo cual es raro en el cine.

De este disco me llamó mucho la atención que hay varias piezas hechas para un cuarteto de cuerdas. ¿Cómo fue aventurarse a trabajar con un cuerdas?
Nunca había compuesto para un cuarteto de cuerdas antes y me pareció fascinante. Supongo que se relaciona con lo que siempre he hecho con la música que es aprender mientras trabajo. Ya sabes, es identificar lo que necesitas saber para lograr la idea y aprenderlo. Al final es una copia perfecta de lo que esperas lograr y eso tiene su propio intereses y su propio carácter.

Otra cosa que me llamó la atención fueron los arreglos de guitarra. Leí que cuando empezaste tu carrera planeabas ser guitarrista y cantante. ¿Cómo acabaste en la batería?

(Risas) Conseguí mi primera batería cuando tenía 16 y al mismo tiempo empecé a escribir canciones. Un par de años después comenzamos con Radiohead y en realidad en esa época el nivel musical que tenía solo me daba para tocar la batería, así que me enfoque en eso. Cuando te unes a una banda con gente tan increíble y comprometida es importante aumentar tu profesionalismo, así que solo me concentré en conseguir el nivel que sentía que debía tener para lograr lo que queríamos con la banda. Mi faceta como compositor quedó en un segundo plano como por una década. Una vez que terminamos de grabar Ok Computer y finalizó el tour nos tomamos un descanso y ahí comencé a reconectarme con la composición. Escribir canciones llegó primero que el canto y una vez tuve los temas sentí que era apropiado para mí cantar en ellos, así que básicamente tuve que sentarme a aprender cómo cantar. Sentí que el esfuerzo que hacía con la batería debía ser el mismo con mi composición, mi canto y mi forma de tocar la guitarra.


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¿Qué es lo mejor del proceso de composición de Radiohead?
Creo que para mí lo mejor es cuando todos llegan con sus ideas y cada uno de nosotros le agrega cosas a las canciones que las pueden llevar en direcciones completamente inesperadas. Hemos pasado muchas décadas tocando juntos y en cierto sentido aprendimos a usar nuestros instrumentos en relación con nosotros mismos. Cuando eso pasa es algo casi inexplicable y eso es lo más emocionante de todo. Es algo que no puedes explicar, como un proceso intelectual es algo que genera un sentimiento que tu simplemente sigues. Eso también pasa en vivo. De nuevo, no es algo que se pueda explicar de forma intelectual, es como que te rindes ante la música.

Jonny Greenwood, Thom Yorke y ahora tú han hecho música para películas, ¿existe algún de conexión especial entre Radiohead y el cine?
En verdad no es algo que podamos hacer como banda, no creo que podamos hacer un soundtrack en conjunto. Creo que es algo que se logra cuando hay un compositor enfocado en el corazón de eso. Pero siempre hemos tenido este escape sonoro que está muy ligado a un contexto cinematográfico. Pienso que el trabajo mío, de Jhonny y de Tom han sido anhelos de los tres, ha sido otra dimensión de lo que hacemos musicalmente.

En estos tiempos de caos que vive el planeta, ¿cuál crees que debe ser el papel de la música? Creo que la música, al igual que las demás artes, es inherente a lo que está pasando. Creo que es una forma que tiene la gente para poder escapar de lo que sucede en el mundo y es una oportunidad para la gente de expresar lo que pasa en sus vidas. Creo que la música te da esperanza y logra que, precisamente, te reconectes con ella.

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<![CDATA[Cancelaron uno de los festivales más importantes de Ecuador ]]>https://www.vice.com/es_co/article/evpqem/noisey-co-festival-carpazo-ecuador-canceladoMon, 02 Oct 2017 23:07:02 GMTHace seis años nació El Carpazo en Quito, un festival privado que buscó generar un espacio de encuentro para la escena de música alternativa ecuatoriana. Este proyecto encabezado por José Fabara, músico de la emblemática banda quiteña La Rocola Bacalao y promotor, se volvió un espacio vital para los músicos de ese país. Desde hace unos diez años, Ecuador ha visto nacer una serie de proyectos alucinantes de rock alternativo, electrónica y música experimental que poco a poco ha ido retumbando en todo el continente. El Carpazo justamente se consolidó como el espacio en donde estos proyectos se han encontrado y a diferencia de otros festivales, la cabezas de cartel no son los invitados extranjeros sino los locales como Guardaraya, Da Pawn, Mamá Vudú, Sudakaya y Mamá Soy Demente.

La quinta edición del festival estaba programada para el 7 de octubre, pero esta mañana la organización sacó un comunicado diciendo El Carpazo se cancela. Este año el cartel estaba encabezado por artistas como Nicola Cruz, Helado Negro, Sal y Mileto y Los Tres, pero según explica Fabara, el público no respondió de la forma esperada y no se vendieron suficientes boletas.

Fabara cuenta que el año pasado, el festival tuvo que aplazarse porque justo una semana antes, Ecuador sufrió el terremoto de 7.8 grados que afectó principalmente a la costa del país. Como mucho esfuerzo de logística y recursos El Carpazo se realizó unos meses después, pero esto afectó mucho la parte económica del festival. En un principio, no se iba a realizar la edición 2017, pero los organizadores decidieron correr el riego.

Pero al ver que la boletería se desplomó después de que se anunció el cartel y que faltando una semana no hay suficiente recaudo, la organización decidió cancelar el festival y asumir todo lo que implica.

La cancelación de El Carpazo muestra que actualmente Ecuador está sufriendo una crisis en su escena ya que por un lado aparecen proyectos que encabezan la vanguardia de la música latina como Quixosis, EVA, Swing Original Monks y La Máquina Camaleón, pero por otro lado no hay espacios para tocar y según Fabara, tampoco hay apoyo por parte de los sectores públicos y privados.

Además los grandes festivales del país se están desplomando.

Un ejemplo es el Quitofest, el festival público más importante de la capital ecuatoriana, que desde hace unos años viene sufriendo varias caídas. Las últimas ediciones el festival, que tradicionalmente era de dos días, solo tuvieron una jornada, y este año se cobró entrada.

Fabara atribuye esta crisis al complejo momento económico y político que sufre el Ecuador, pero también critica la falta de apoyo de la gente.

Es una lástima que una de las escenas más fértiles del continente pierda espacios locales de difusión. Solo queda esperar que tanto El Carpazo, como las demás iniciativas que existen en Ecuador, puedan fortalecerse para que así siga creciendo una de las escenas más interesantes y creativas del continente.

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<![CDATA[TÉRMINOS Y CONDICIONES - Concurso "Systema Solar: diez años de verbena espacial"]]>https://www.vice.com/es_co/article/8x8m83/terminos-y-condiciones-concurso-systema-solar-diez-anos-de-verbena-espacialTue, 26 Sep 2017 21:53:27 GMT:::TÉRMINOS Y CONDICIONES - Concurso "Meet and Greet Systema Solar":::

Cumplimiento publicidad comercial con incentivos Información al Consumidor
Identificación del incentivo que se ofrece indicando su cantidad y calidad:

:::Se entregará en el concurso el siguientes incentivo:::
- Dos (2) meet and greet con Systema Solar en el Teatro Colsubsidio, Bogotá, el 28 de septiembre de 2017.

:::Mecánica de la actividad:::
La activación se llevará a cabo en el perfil Facebook de Noisey Colombia el 26 de septiembre de 2017.

Se realizará 1 actividad en el perfil de Facebook de Noisey Colombia http:www.facebook.com/NoiseyCO.

:::Dinámica:::
Cada participante deberá compartr la nota " Systema solar: diez años de verbena espacial" en su muro de Facebook, tomarle un pantallazo y enviarlo al correo colombia@vice.com junto a la respuestas de las preguntas incluidas en la misma nota con el asunto " CONCURSO Meet and greet Systema Solar".

:::Ganador:::
Los primeros dos (2) correos correctamente enviados, serán los ganadores, cada uno, de un meet and greet con Systema Solar.
*Plazo máximo para participar: miércoles 27 de septiembre de 2017, 6:00 p.m.
*Cada participante puede concursar solo con un correo.
*Los participantes deben seguir las cuentas de Noisey Colombia en redes sociales.
*Al seleccionar a los ganadores, se les notificará por mail.
*Vía mail, se les pedirá a los ganadores que envíen sus datos personales (nombre completo, número de cédula y celular).
*El ganador tiene un plazo de 6 horas para enviar sus datos luego de ser notificado que ha sido ganador. Si no los envía en el tiempo acordado, el premio NO les será entregado.
*El ganador debe presentar su cédula de ciudadanía original para verificar la identidad del ganador.
*La entrega del premio se acordará con cada uno de los ganadores por mail.

:::Plazo o vigencia de la actividad:::
Desde 26 de septiembre a las 6:00 p.m. hasta el 27 de septiembre a las 6:00 p.m.

:::Condiciones y Restricciones Generales:::
El premio únicamente incluye lo detallado en el punto II (identificación del incentivo). Noisey Colombia no se hacen responsables de los gastos adicionales en los que el ganador deba incurrir para disfrutar del premio, como transporte o alimentación. Las descripciones, imágenes y/o respuestas que sean incluidas en las redes sociales con la prueba, no pueden contener palabras o expresiones que se consideren demasiado fuertes o que atenten contra el buen nombre de alguien, a criterio nuestro. Los participantes que tengan una actividad sospechosa, como interacciones con Bots o de perfiles aparentemente falsos se eliminarán inmediatamente. En caso de identificar alguna violación a estos términos y condiciones por parte de alguno de los participantes en la actividad, Noisey Colombia podrá descalificarlo unilateralmente y sin obligación de motivar su decisión. Noisey Colombia no se hace responsable por la integridad física o en la propiedad de los ganadores/concursantes en relación con la realización o participación en el concurso o en relación con cualquier evento derivado del disfrute de los premios aquí otorgados. Los concursantes reconocen y aceptan lo anterior y, por tanto, liberan a Noisey Colombia de cualquier reclamación judicial o extrajudicial que pudiere derivarse por tales hechos. Noisey Colombia e no se hacen responsables por costos extra en los que tengan que incurrir los ganadores para disfrutar el premio, más que lo mencionado en este documento. Premio no intercambiable por dinero en efectivo. En caso de identificar fraude de un participante en la actividad, tener más perfiles de los que son, Noisey Colombia podrá descalificarlo unilateralmente y sin obligación de motivar su decisión. Con el fin de proteger el concurso de personas malintencionadas, en caso de identificar participantes con cuentas de usuario de Twitter, Facebook o Instagram que se considere no activo, no real o con comportamiento sospechoso, Noisey Colombia podrá descalificarlo unilateralmente y sin obligación de motivar su decisión. Twitter, Facebook e Instagram no patrocinan, avalan, ni administran de modo alguno esta actividad, ni están asociados con ella. Las imágenes, respuestas o perfiles que no cumplan con los términos y condiciones del concurso no serán tenidos en cuenta en el proceso de revisión de ganadores.

:::¿Quién puede participar?:::
Podrán participar en la actividad, todas las personas naturales, residentes en Bogotá y cercanías que sigan a las redes de Noisey Colombia.

:::Participación de buena fe:::
De manera expresa usted acepta, que su participación en la actividad será de buena fe y se abstendrá de: -Realizar cualquier práctica abusiva, restrictiva, de acoso o amenaza en contra de los demás participantes o terceros. -Publicar, transmitir, facilitar la publicación o transmisión de contenidos pasados de obscenos, pornográficos, difamatorios, abusivos, ofensivos, profanos o que en forma alguna viole derechos de terceros. -Publicar, transmitir, facilitar la publicación o transmisión de contenidos que involucren menores de edad. -Utilizar la actividad o la plataforma empleada con fines ilegales. -Utilizar la actividad o la plataforma empleada para la obtención de datos o información de terceros. -Crear o enviar correo electrónico no deseado (spam) a otros participantes, participantes de las redes sociales Twitter y/o Facebook. -Crear más de un perfil en las redes sociales Twitter, Facebook y/o Instagram con el propósito de obtener una ventaja en la actividad. -Violar leyes de cualquier jurisdicción. -Interferir o intentar interferir con el funcionamiento adecuado del sitio de la actividad-obtener de manera dudosa interacciones en su publicación-usar bots para la obtención de reacciones.

:::Causales de exclusión:::
Serán excluidos de la participación en la actividad, aquellos participantes que: Realicen cualquiera de las actividades no permitidas y enunciadas en la PARTICIPACIÓN DE BUENA FE. Cuando existan reclamaciones de terceros por violación de derechos de autor o propiedad intelectual de terceros.

:::Registro en Facebook:::
El participante deberá registrarse en la red social Facebook, cumpliendo los términos y condiciones de dicha red, la información de registro debe ser actual, completa y precisa. Si el participante ya posee un perfil en Facebook deberá verificar que el mismo esté actualizado con la información pertinente, completa y precisa, que sea requerida para la participar en la actividad. La información que en virtud de la actividad entregue el participante será a Noisey Colombia y no a las redes sociales Twitter y/o Facebook, Instagram, el participante autoriza de manera expresa a Noisey Colombia para que directamente o por intermedio de terceros, utilice dicha información para todos los fines necesarios de la actividad.

:::Propiedad intelectual:::
De manera expresa usted acepta, que su participación en la promoción en ningún caso podrá desconocer derechos de autor, propiedad intelectual o cualquier otro derecho de terceros. De manera expresa al aceptar el presente documento usted acepta que Noisey Colombia de ningún manera, forma o circunstancia está violando ó explotando ningún derecho suyo de propiedad intelectual. Cuando así corresponda, se considerará de carácter público y que contiene una licencia irrevocable a favor de Noisey Colombia para su reproducción, distribución, exhibición, transmisión, retransmisión, comercialización, emisión, almacenamiento, digitalización, puesta a disposición, traducción, adaptación, arreglo o cualquier otra modificación por todo el tiempo de protección que el derecho de autor tenga previsto legalmente. Asimismo, el USUARIO entiende que la autorización se hace a título gratuito y renuncia expresamente en ese acto a cualquier pretensión remuneratoria por parte de Noisey Colombia. El USUARIO se obliga a mantener indemne a Noisey Colombia, sus controlantes, controladas, vinculadas, directores, gerentes y empleados en caso de que la utilización de la información, archivos o demás contenidos provistos por el USUARIO infrinja los derechos de terceros, cualquiera fuese su naturaleza. Siguiendo lo enunciado en los puntos anteriores, el USUARIO reconoce a Noisey Colombia, cuando así corresponda, el derecho a modificar, alterar o editar cualquier información o archivo que el USUARIO haya incorporado al SITIO, sin responsabilidad alguna, cuando pueda existir alguna posible violación a los TÉRMINOS Y CONDICIONES, sin que se pueda entender que en absoluto existe algún tipo de lesión a los derechos morales de autor, que el USUARIO pueda ostentar sobre ellas o cualquier otro tipo de derecho que el USUARIO pueda alegar ostentar. El participante deberá ser propietario del material que va a utilizar en la promoción, esto es: fotos, imágenes y dibujos (sin que esta enunciación sea taxativa), o en caso de no ser el propietario, se responsabiliza de ser un legítimo tenedor del material y de obtener previamente todos los derechos necesarios para su uso. El participante indemnizará todos los perjuicios causados a Noisey Colombia o a terceros, por la utilización de material no autorizado, la violación de derechos de autor o la vulneración de cualquier otro derecho. Noisey Colombia es respetuosa de los derechos de autor, y en consecuencia, ante una notificación seria y sustentada de una infracción a dicho régimen por parte de un tercero, procederá a comunicar dicha reclamación al participante, si en el término de 12 horas el participante no demuestra ser el propietario o ser un legítimo tenedor del material y tener todos los derechos necesarios para el uso del material, el participante quedará excluido de la promoción y el material será descargado. Al participante se le dará traslado de la notificación presentada por el tercero, para que promueva las acciones legales que considere necesarias, en todo caso Noisey Colombia no se responsabiliza por las actividades de terceros ni por los perjuicios que se le pudieren ocasionar al participante o a terceros. Si usted desea notificar una infracción por derechos de autor, por favor remita su comunicación al siguiente correo colombia@vice.com

:::Derechos de Imagen:::
1. Imagen de terceros: Tomando en consideración que los contenidos audiovisuales y/o fotográficos presentados por el participante para efectos de su participación en la actividad, pueden contener la imagen de terceros, esto es, la representación gráfica de su cara, cuerpo, silueta o cualquier otro tipo de forma o aspecto, que lo identifique bajo cualquier medio conocido o por conocer, así como su voz y demás características asociadas, el participante declara, que cuenta con la autorización para el uso de la imagen de los terceros que sea utilizada en su video y/o fotografía, por cualquier medio, durante la vigencia de la actividad y hasta los dos (2) años siguientes a su finalización. En consecuencia, el participante asume total responsabilidad y mantendrá indemne a Noisey Colombia frente a cualquier reclamación que pudieran efectuar terceras personas con ocasión de una vulneración a derechos de imagen y será responsable frente a Noisey Colombia de todas las cargas pecuniarias que pudieran derivarse para esta última a favor de terceros con motivo de acciones, reclamaciones o conflictos originados por dicha causa. 2. Imagen del participante: Respecto de su propia imagen, el participante declara lo siguiente: Que reconoce y acepta que su participación en la actividad se dio de manera libre y voluntaria y que conoce la empresa Noisey Colombia y sus marcas. Que autoriza de manera expresa a Noisey Colombia para utilizar y explotar, el material que contenga su imagen de manera total o parcial en forma ilimitada en cuanto a los medios actualmente conocidos o por conocer. Que autoriza de manera expresa a Noisey Colombia para utilizar y explotar, el material que contenga su imagen de manera total o parcial en forma ilimitada en el territorio nacional colombiano y en el mundo. Que autoriza de manera expresa a Noisey Colombia para utilizar y explotar, el material que contenga su imagen de manera total o parcial durante la vigencia de la actividad y hasta los dos (2) años siguientes a su finalización. Que autoriza de manera expresa a Noisey Colombia, para utilizar y explotar, el material que contenga su imagen de manera total o parcial para la publicidad y promoción de las marcas, de las cuales es licenciataria. Que renuncia de manera expresa a exigir cualquier tipo de compensación a Noisey Colombia, sus vinculadas o subsidiarias, por el uso o explotación comercial que realicen de su imagen. Políticas de Privacidad de Información de los usuarios. Los datos suministrados por los usuarios son únicamente para efectos de contacto en caso de ser los ganadores del incentivo, no serán almacenados. La información recopilada solo será usada para propósitos de esta actividad y será destruida inmediatamente después de entregado el premio.

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<![CDATA[Thump y Noisey se unen para dar paso a NOISEY en Español]]>https://www.vice.com/es_co/article/9k3kg5/thump-noisey-unen-noisey-en-espanolThu, 21 Sep 2017 16:53:56 GMTA partir de hoy, THUMP, el canal de música electrónica de VICE, se une a NOISEY, nuestra plataforma hermana. También, después de miles de contenidos publicados a través de THUMP y NOISEY México y Colombia, anunciamos la fusión de nuestras voces regionales. Hacemos estos cambios con el objetivo de consolidarnos como el único medio musical de VICE en América Latina y generar el canal más grande de contenidos originales de música en la región: NOISEY en español.

Con la suma de estas fuerzas editoriales, crearemos un punto de encuentro único dedicado a los amantes de la música en busca de series documentales, historias desconocidas, coberturas de las fiestas más brutales, estrenos, nuevos talentos emergentes y, sobre todo, mucha música nueva hecha dentro y fuera de este lado del mundo. Nuestros equipos en la Ciudad de México y Bogotá, más varios colaboradores regados por la zona, trabajan en la fusión de los territorios hispanohablantes con el fin de ampliar nuestra cobertura y apuesta. A partir del martes 19 de septiembre, estaremos navegando oficialmente bajo el nombre de NOISEY en Español, el canal de música más grande de América Latina.

Daremos inicio a esta nueva etapa con una semana dedicada a la cumbia, a explorar el pasado, presente y futuro de uno de los géneros musicales más importantes de América Latina. El especial será publicado en la semana del 2 de octubre y ofrecerá historias desconocidas, entrevistas, recomendaciones de talentos emergentes y una guía a todos los subgéneros que existen en nuestra región.

Síguenos en Facebook y Twitter en esta nueva etapa como Noisey en español.

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