Los mejores 25 discos de hip hop en español del 2018

En 2018 el rap hecho en América Latina tiene tal madurez que es posible hablar de un grupo de periodistas que han hecho una carrera hablando del género, una tarea que es básicamente una extensión indispensale de cualquier escena sana de hip hop. Esta comunidad ––otra más alrededor del hip hop–– sobrepasa las fronteras y ayuda a la generación de vínculos entre artistas y ciudades.

Sirva esto para decir que esta lista fue hecha con el criterio de tres personas diferentes, en tres contextos diferentes, y cada uno con una relación íntima y profunda con el hip hop de su país y, por lo dicho arriba, con un entendimiento de la sutil relación entre hip hop en español como un todo y hip hop en cada lugar. Desde Bogotá, Santiago Cembrano; desde Santiago, Darío Gutiérrez de Laceldadebob.cl, y quien escribe esto desde CDMX, Feli Dávalos. Sin más, a continuación nuestros discos de hip hop en español favoritos del 2018, en orden alfabético por artista ––o por el primer artista en las colaboraciones.

A principio de año cité el siguiente tuit: "El mejor rap es sucio, marciano, callejero, nihilista. Políticamente incorrecto. Inconsciente. No queda bien. Las posibilidades son infinitas. Básicamente no ser regañón, ni tomarse en serio a uno mismo o a un discurso. Darle la vuelta a la expectativa. Sorprender". Lo cité porque eso es precisamente lo lo que opiné de Como nunca cuando lo escuché. Es un final bastante acertado para el discurso que nació con Como antes, evolucionó en Como siempre, y terminó su propósito con este disco estrenado a principio de año. Akapellah ha crecido tanto que su nombre ahora está en las discusiones sobre quién es el mejor rapero vivo de Latinoamérica. Quedaron atrás las críticas sobre que "se vendió" y más bien la pasó bien girando por dos continentes y varios países, en gran medida gracias a este disco. Supongo que cuando tienes mucho tiempo sin ser escuchado, esa es la única defensa que te queda para poder seguir durmiendo con una pizca de paz. A Akapellah claramente le "vale verga", como hermosamente canta en "Gordo funky" y está encaminado a convertirse en una referencia del rap mundial. Y hablando de "Gordo funky," me parece que es, apartando a "Como Mario", la mejor canción que ha hecho el de Tumero.

Como nunca cierra una etapa de 'Pellah. Todo lo que viene ahora va a definir hasta dónde puede llegar o no. Los finales no siempre son malos. Este final se siente lógico. En este disco Akapellah dejó demostrado que no es imposible competir contra los raperos que cantan en inglés. La respuesta está en estos 9 tracks. ––—Diego Urdaneta

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Pocas semanas habían pasado desde el lanzamiento de Rolemos Otro, el segundo disco de Alemán como habitante de Homegrown. Ciertas circunstancias me llevaron a tener una plática random con alguien cercano al MC de Los Cabos, quien me contaba que “Erick ya tenía pensado el siguiente disco, un concepto de dos partes que nadie parecía entender, pero que él tenía muy claro; sabía incluso cómo quería el arte, se llamaría Eclipse”. Un año después, justo el 21 de agosto de 2017, día en que el sol se ocultó por primera vez en el milenio, llegó por causalidad (y no por casualidad) el atinado primer indicio de la magnum opus de Erick Raúl Alemán Ramírez, el Eclipse, estrenada en su compleción en mayo pasado.

Día y noche, luz y obscuridad, sol y luna, dualidad como concepto básico de una obra pensada inicialmente en dos partes. El disco uno ataca el boom bap noventero de la costa oeste que sirve para llenar la riñonera de zig zags y poner a enfriar los botes, mientras que el segundo disco gira alrededor del trapicheo nocturnal con codeína en el trago y Auto-Tune en las barras. Para redondear la obra en 21 tracks, el hijo pródigo de la Baja Sur añadió una tercera parte con una única canción que surgió de manera espontánea, “Eterno”, dedicada a Pachón, su mejor amigo de niñez y juventud en Cabo San Lokos, quien falleció a inicios de este año.

El valor artístico de Eclipse como disco ha servido para cortarle las puntas a un año redondo para Alemán, quien se ha colocado, gracias a ello, en lo más alto de la cadena alimenticia del rap mexicano. Giró por todo el país, Sudamérica y Europa, se convirtió en la imagen oficial de Apple Music, creó videos de alta manufactura, levantó el teléfono de medios en otros idiomas y latitudes, llenó su buzón de solicitudes para colaborar, se cansó de acumular plays y views y finalizó el año con un magno concierto al que asistieron más de 5 mil personas y será el objeto de un DVD, logrando todo desde la independencia discográfica, alcanzando niveles que probablemente ningún otro rapero sin una major ha conseguido. En pocas palabras, el eclipse llegó a su fase total. ––—Juan Carlos Rios

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Al otro lado de la frontera, en el distrito metropolitano de Queens, NY, David Ramírez ha completado una nueva transmutación. Patea las pieles que ha soltado. En el piso están Dabeat Ramírez ––miembro del venerable Jedi Revolver Crew–– y Master Vincent Vega. Ha cambiado y progresado en todo los sentidos, “dejé de ser promedio”, dice. Ahora es Cruz, heredado del guión de Jimmy Santiago Baca que retrata la biculturalidad chicana en Sangre por Sangre, y viene de la Infona(vit) Norte, unidad habitacional en Cuautitlán que simboliza una de las tantas representaciones latinas de los ‘projects’.

Punk de Ocasión es su carta magna. El primer material bajo su nuevo alias, y la culminación de su encuentro identitario, como Sith que digiere sus realidades inmediatas para regurgitarlas en maneras obscuras y espesas. Nueve tracks son suficientes para crear un concepto entero que discute el contexto del paisa viviendo desde y sobre ambos lados del muro. Una muñeca rusa que se desenvuelve por capas de política pero también de comentarios mordaces, de críticas sin reprimenda y de guiños al civil promedio, de transigencia aguda y shotouts pa’ su gente, la raza de bronce.

Y a pesar de que ese bamboleo inteligente es la cualidad más importante del disco, es imposible pasar de largo su propuesta sonora, donde las instrumentales distópicas y futuristas a lo Wendy Carlos se cuecen al vapor junto a una cadencia vocal pocas veces vista en el hip hop latino. No corretea los ritmos, pero tampoco los somete, los deja ser y se derrama sobre ellos como resina cayendo por el tallo. Además, eleva el valor artístico al transitar entre lenguajes sin casetas entre ellos, pudiendo meter un nopal y una copa de henny en la misma oración. “Mijos tan busy suckin’ D’ for J’s sin sentimientos mezclados”. Anarquía fortuita. No es rap en tu idioma, es rap en tu idiota. ––—Juan Carlos Ríos

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La carrera de la rapera uruguaya Eli Almic avanza a un paso tal que no es de extrañarse que “el paisito” de Benedetti se le hiciera pequeño más temprano que tarde. Tras la publicación de su primer larga duración en el 2016, el aplaudido Hace Que Exista junto al productor DJ RC, Eli decidió poner en pausa la cosecha del que era hasta entonces su mejor momento artístico y emprendió un viaje de seis meses por Norteamérica en busca de nuevas aventuras, experiencias, historias y desafíos, donde muchos de estos aprendizajes y encuentros fueron, desde luego, asimilados y proyectados en este Reflejo, un viaje tan personal como terrenal, donde Elisa Fernández se desprende del pequeño reconocimiento que conquistó en la escena musical local, para volverse nadie y desde esa posición abrirse caminos en su travesía como sudaca cruzando la muralla de Trump dispuesta a avanzar sin importar el modo.

El periplo no fue sencillo, más bien provisto de varias adversidades, pero también le dispuso nuevas amistades y compañeros que encuentran con justicia su espacio y protagonismo en esta bitácora de viaje; entre ellos Wake Self, King Khazm y uno de los padrinos del rap underground en spanglish ––para ambos lados de la forntera––, Olmeca. Reflejo son cinco cortes profundos y vertiginosos, fundamentales para comprender el porqué de una de las primeras figuras de la desconocida escena uruguaya quien, como pocos, se atrevió a dar su siguiente paso con un disco imposible de concebir en su tierra natal, pero que se hace imprescindible para volver a situar en el mapa la riqueza humana y creativa existente en un país donde lo musical ha sido reconocido por sus raíces y su virtuosa tendencia a la fusión y el experimento, pero que no encontraba hasta hoy la representación de esa nueva generación, la cual pese a todo pronóstico se resiste a dormir en la quietud y conformismo de su idiosincrasia. Editado por Pure Class Music, una de las etiquetas independientes más prolíficas y concretas de la industria local, Reflejo es una pieza que le devuelve credibilidad a la magia de lo espontáneo e impredecible. ––—Darío Gutiérrez de Laceldadebob.cl

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Sin levantar la voz ni una sola vez, el registro de Erick Hervé carga suficiente peso y poder como para que sus palabras impacten. En 10, se alía con el productor DJ Taktel para, a lo largo de diez canciones, dejar incontables perlas de sabiduría. Es, precisamente, como el volante creativo en un campo de fútbol: el distinto, el que se mueve por instinto. Se sitúa en las antípodas del estilo de pelotazos largos, y apuesta por la creatividad técnica, un pase a la vez, un regate de vez en cuando para desequilibrar, siempre marcando el tiempo del partido. Evidentemente criado en la tradición de rapear para hacerlo bien, sin un motivo ulterior, desarma sin esfuerzo a los envidiosos y a los que se acercan al rap para probar su hombría: “Tu envidia no alimenta nada, sé lo que valgo no he venido a medirme la espada”, explica en “Chinde”. También hay suficiente espacio para que presuma de sus habilidades en contraste con la falta de talento de los demás como lo hace en “Misa”, donde rapea con desgano: “Escribes lo que quieres ser o lo que eres? No tienen dos caras tienen muchas pieles. Ya te dije que en esta peli el negro no muere. Con estos ojos del que puede, pero no quiere”.

Joven pero con alma vieja, Hervé hace notar que sus objetivos y motivaciones son distintas a los del resto de raperos de su generación. Es un lugar constante de su trabajo, burlarse de los perros que persiguen su propia cola y creen que están avanzando. Marca distancia frente a estos en “Pura y blanca”; por ejemplo, donde explica que “el inconformismo es la peor droga, a lo mejor gracias a él llegué a tus cascos. Podría ser uno más y evolucionar según la moda, pero por aquí crecimos fuera del rebaño. Muchos lo han dejado a mitad de camino, la excusa un curro fijo que acabó con su yo creativo”. En su faceta más personal e introspectiva, Hervé también tiene mucho por decir, aunque – como es ya su marca registrada – solo comunica lo necesario porque sabe meter en dos líneas un mundo de significado. Esto es claro en “10”, que le da título al disco y funciona como una declaración de principios y de análisis del panorama del rap. “Tu idea del triunfo es puto humo y mueres rápido, un colocón de popper”, critica. “Yo soy el fuego y el agua, el cuchillo y la carne. Otra cosa es cómo me vea la gente: van a mirar de lejos y a opinar como con Marte”, admite. ––—Santiago Cembrano

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Con la sabiduría y perspectiva que llegan con los años, Titó y El Santo reconstruyen el camino que los llevó a ser una de las agrupaciones más importantes del rap español de este siglo, y recuerdan las razones que les evitan explotar (“Lo que me llevo”). Los de Sabadell, Cataluña, vuelven a la acción tras un hiato de 6 años, con una producción variada en autores (Acción Sánchez, Baghira y Jayder son algunos) y en estilos. Por un lado, La Memoria de mis pasos es una declaración de que Falsalarma no ha desaparecido: “Sigo siendo ese silencio previo a la tormenta, el mensaje directo de Liam Neeson al teléfono”, rima El Titó en “Arde”; por otro, es una admisión de que el trayecto ha dejado sus huellas sobre ellos, evidentes con el contraste entre cómo funcionaban las cosas cuando empezaron y cómo va todo ahora. Este es el caso de “Génesis”, que además les permite grandes afirmaciones: “Vengo de la escuela que hizo serio el rap en castellano”, rima El Santo; “Vengo de esa escuela, de aquellos temas de cinco minutos sin estribillos siquiera; de rapear enseñando las muelas”, completa El Titó. Son momentos como este, que combinan su habilidad vigente con su veteranía y sus galones, los que hacen del disco una gran pieza de rap.

Con madurez, también pueden abordar temáticas personales, como en “Ya Será Tarde”, sobre la impotencia ante el indefectible paso del tiempo y la gente que se lleva. Este corte es uno de los que exhibe a Falsalarma probando nuevos colores y estilos cercanos al trap, junto con tracks como “Mi Vida por un Sueño” y “Warrior”. Aunque es un disco personal, les queda aliento para ser críticos y expresar su malestar frente al mal momento que vive España en “Deja que Gaste Saliva” y dejarse múltiples frases llenas de sabiduría en “Los Pilares de la Tierra”. El cenit de La Memoria de mis Pasos llega con “La Versión de los Hechos”, un clásico corte de Falsalarma que cuenta con rimas afiladas sobre la inestabilidad personal (“Paseo mis yemas por la llama quemándome, arrepentido pensando en cómo arreglar lo próximo que toque” – El Titó) y versos que presumen sobre sus habilidades ("¿Que por qué lo hago? Esto me nace innato, porque nací así, en fin, dotado de olfato, de gusto, oído, vista y tacto. Y quizás un sexto sentido adquirido en la jungla de asfalto” –– "El santo”). ––—Santiago Cembrano

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En un bosque a las afueras de Berlín, los integrantes de Fanso llevaron a cabo un taller de trece días de creación de música y producción audiovisual: el resultado fueron trece canciones con sus respectivos videoclips, Música para lagartos. El colectivo español le apuesta en este disco a sus principales fortalezas: texturas gaseosas; letras sencillas de Cráneo y Lasser que plantean imágenes cómicas, absurdas y cotidianas a la vez; una estética lo fi generada a partir de los beats de Made in M y Juan RIOS, que dejan ver influencias del trap en canciones como “Bien Guay”. En total, se configura una sensación lisérgica y soleada, como si el tiempo se ralentizara en el mundo de los reptiles. La magia de Fanso en Música para lagartos está en que logran pintar como exóticas sus vidas, y abrir puertas para que los oyentes se sientan parte del relato, por más sencillo y raro que sea. "Llego tarde, bailo funk, miro coches, mato bots, hablo en pársel, ella no, le hago daño, sufro yo”, dice el coro de “Pársel”. Es este pacto narrativo que acepta ligereza lírica el que hace que líneas como “si tu cuerpo fuera un videojuego, yo sería gamer”, en “Bahía”, funcionen.

Este es el primer proyecto que publica Fanso como colectivo desde Acid House (2015). Aunque Cráneo y Lasser habían publicado proyectos individuales, es notoria la fuerza que cobra el proyecto cuando los dos MCs están juntos: aumenta el sentimiento de complicidad y compañerismo en días de verano, y el juego colectivo de ambos raperos entre sí le da vigor al proyecto. Aunque la música funciona por sí misma, el álbum es mucho más efectivo acompañado por el cortometraje que también publicaron, que cuenta toda la historia del disco. Además, le da cohesión y solidez narrativa al proyecto, algo que en ocasiones anteriores ha flaqueado: al ver el audiovisual las vacaciones creativas de Fanso pueden aliviar el aburrimiento y el agobio. Al final, la efectividad de Música para Lagartos está en que logran capturar no solo los oídos con su música, sino también la imaginación y la vista con sus videos. Este proyecto probablemente sea el más completo que han publicado. ––—Santiago Cembrano

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El hip hop, y el urbano en su generalidad, se ha construido como cultura alrededor del poder, del ganar, de ser el mejor. Contar los verdes como enanos en Irlanda, rodearse de mujeres que rinden pleitesía, y dominar el juego con las skills más entrenadas del condado. Pero, después de todo, no hay nadie en este mundo que pueda gobernar sobre lo visceral, no hay nada más poderoso en la tierra que las emociones mismas, y dentro de esa baraja de cartas, no hay ninguna que resulte más honesta y dominante a la vez que desgarradora y drástica como el desamor.

Fntxy ha adoptado el personaje de sadboy.html en una clase de ejercicio personal autosanador, que también alcanza dimensiones de purificador masivo de almas en desdicha por el luv. Rey de corazones rotos, su segunda placa de estudio en solitario formada por 13 minuciosos tracks, explota la vibra de lágrimas rodando sobre el cel y stalkeo por Insta a las cinco de la mañana, pero desde una variación surtida de temas y sonidos. Aunque la base es el 808 y la aflicción, hay temas como “No voy a volver” que camina por el bachatrap para dar vuelta a la página, o la canción homónima al disco, que abre con un merengue para coronar al tijuanense como el monarca del juego de la seducción.

Rdcr es un producto de meses y meses en los que Fana se cansó de regar colaboraciones por todos lados y darle valor a su proyecto alterno, La Plebada, regalándonos una que otra muestra del disco en stories y un par de sencillos previos al lanzamiento, hasta que decidió que el material estaba al dente en mayo pasado. Esto tiene que ver con el tiempo invertido en otros lares, pero también con la meticulosidad sonora heredada por Fntxy de su alter ego, Taxi Dee, que dejó el LP como una de las producciones mexicanas mejor afinadas del género. Y aunque el encargado de la mayor parte del trabajo instrumental del disco fue el mismo Fana (el más grande arquitecto sonoro del género urbano en México), la labor de Trillhouse en la grabación y otras labores de postproducción fue relevante. Fana es el Rey de corazones rotos, y con el balance de los daños a cuestas, solo hay una cosa clara: el rey nunca pierde. ––—Juan Carlos Ríos

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“Sean bienvenidos al mundo único, pero no exclusivo de La Brígida Orquesta. Somos la patrulla anti-elitista de la música. No nos cae bien la policía musical. Reglas ya hay muchas y no queremos más” son algunas de las sensatas frases de presentación en la introducción de Corte elegante, el álbum debut de La Brígida Orquesta, conjunto compuesto por Gabo Paillao, Felipe Salas, Matiah Chinaski, Italo Viveros, Fernando Carvacho, Alfredo Tauber, Alejandro Mendoza, Vicente Aravena, Edward Neidhardt, Aldo Gómez y Tomas Alud, una fusión de músicos provenientes de diversos y distinguidos proyectos, como la Mapocho Orquesta, Como Asesinar a Felipes, Newen Afrobeat, y Mente Sabia Crú.

Raperamente hablando, puede que la particularidad o atractivo de este proyecto radique en la función de Matiah Chinaski como voz principal, característica que bajo ningún pretexto puede confundirse como la banda del integrante de Mente Sabia Crú. Para nada. La Brígida Orquesta es una experiencia completa que en sí misma representa un universo a descubrir. El virtuoso tecladista y compositor, Gabo Paillao, tiene una labor vital como capitán del barco, para dirigir y encaminar los sustanciales aportes de cada uno de los integrantes, y si bien Corte elegante es grupalmente su primer trabajo de estudio ––concebido, a propósito, bajo los más altos estándares de producción en Chile—, la fortaleza de un proyecto de esta naturaleza tiene su lugar en el espectáculo que montan con el directo. Corte elegante, entonces, es el más completo muestrario de sus capacidades, música sin ningún tipo de clasificación ni adjetivos que la definan; libre, ante todo, pero que encuentra su exitoso y excitante debut en estos diez cortes de estreno perfectamente aplicables a cualquier gusto o territorio musical. La Brígida Orquesta representa una evolución considerable en los conceptos de llevar la música a un nuevo nivel, descatalogar al rap sin sacarlo de su esencia, hacer coexistir la dureza del contenido de sus barras (todas citables) con la sutileza del carnaval de sus vientos (todos tarareables), por ejemplo, y felizmente sin replicar clichés ya manoseados entre la fusión de líricas e instrumentos. Simplemente música, pero de corte elegante. ––—Darío Gutiérrez de Laceldadebob.cl

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El primer disco solista de la integrante de Deyas Klan, Isa Riffo, o La Deyabu, se nos presenta como un amigable lugar necesario de descubrir, transitar y, por qué no, habitar, sobre todo en un año en que la organizada revuelta feminista, con sus urgentes demandas y movilizaciones alrededor del mundo, ha impactado y ejemplificado, sentando una base cuyo llamado a la reflexión y cuestionamiento hacia nuestra construcción social está ahí y aquí, ineludible, diciéndonos fuerte y claro: hazte cargo tú también. Son discos que laten de tanto corazón que hay en ellos, que te invitan y abrazan desde la calidez de su estructura musical, cuyo crédito aquí recae en el productor Pablo Ramos (Cuatrobeats), quien con su imaginario creativo propuso un terreno multi-instrumental fértil para la forestación de estos paisajes. La Deyabu, por su parte, recorre descalza su Matria con la humildad e ignorancia de quien valora y a la vez dispone generosamente su propio aprendizaje, cuyos senderos se trazan en terrenos que van desde la espiritualidad a la realidad social, desde el barrio al continente, con el feminismo como eje estructural, cuidando y manteniendo el sabio equilibrio, sin ser ni más ni menos que nadie.

Matria es una exploración de diez paradas que suma a su mapa almas amigas halladas en la misma ruta de una viajera Isa abriéndose a través del continente. Entre ellas destacan participaciones como las de la brasileña Cris Snj en “Ancestras” y el uruguayo DJ RC en “Ley de gravedad”, entre otros nombres como Franz Mesko, Juanvisoul, EmaFlu, F-Dren, Racec, Matycez, DJ Cidtronyck o DJ Homeless. Una obra limpia, honesta y respetuosa, con un mensaje transversal que entra directo donde nos debe entrar, desde la (aquí poética) población Santa Julia (“No es tan santa la Julia”) hasta nuestras conciencias, hecha en Chile, pero habitable el cualquier corazón del mundo dispuesto a recibirla y aceptarla. En otros términos, dejar claro que el feminismo no es solo asunto de mujeres. ––—Darío Gutiérrez de Laceldadebob.cl

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Sobre las instrumentales de Crudo Means Raw, enérgicas y alegres mientras sus bajos beben del funk, cinco de los principales MCs de Colombia, todos del colectivo Moebiuz, se juntan para mejorar sus habilidades y competir en el gimnasio: Zof Ziro, Granuja, Métricas Frías, Mañas y el mismo Crudo. Como lo indica el título, los raps de este álbum no son densos ni profundos: analizan la vida de Medellín desde distintas perspectivas, incluyendo las mujeres (“¿Quiere una alimaña? ¿Quiere un hombre honrado? Te dejás cascar con tal de andar en Prado y vivir en el Poblado. Quiere tomar cócteles en el Lleras, la despacho con un Postinor y la mando en Ruta Hotelera” –– Crudo en “300 mil”) y la violencia de Medellín (“Acá lo gratis sale caro y la sacó barata. Acá te matan por bareta con una beretta o por un par de tetas, o un mal viaje por las pepas o braguetas. Te desmiembran con segueta por una chaqueta” –– Granuja “Valijas de oro”). A su vez, también dejan espacio para cierta introspección y comentarios sobre lo que están viviendo y lo que piensan de la vida, así como para sus aspiraciones (“Quiero limpiarme el culo con billetes, y el que nos pise la finca lo sacamos a machete. Más peligroso que un montañero con plata, recen por que no consiga o les mando a mochar las patas” –– Mañas en “Quién es quien”).

De las canciones emana la química evidente que había en el estudio cuando grabaron La Gra$a, lo que hace que oírlo sea divertido como para ellos fue hacerlo. Los cinco MCs saben jugar entre sí, con “Roger Milla” como ejemplo. Cada uno tiene su estilo particular y distintivo, una forma de identidad: Crudo como un pimp, Zof Ziro buscando estabilidad para ayudar a su familia, Mañas y Métricas con rimas ostentosas y Granuja rapeando sin parar de todos los temas. Aparte de la clara habilidad que tienen para rapear, La Gra$a funciona como una etnografía de su ciudad. Ejemplo principal de esto es “Valijas de oro”, la canción más oscura del disco y que muestra su potencial cuando se unen temáticamente: Crudo analiza la unión entre religión y narcotráfico, Granuja describe las formas de violencia y Zof Ziro cómo la plata abre todo tipo de puertas en Medellín. Al final, más allá de todo, quedan las punchlines, lo que destaca a un buen rapero: “La abuela pide por mí en rezos. Yo con chorro y zorras como Jesús”, rima Zof Ziro en “Boom boom”. ––—Santiago Cembrano

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Uno de los MCs protagónicos del rap en español en esta década tuvo a bien en 2018 trasladar la experiencia de verlo en vivo a una de las pocas grabaciones para raperos latinos en el jabonoso formato del "Disco en vivo". Hacer un disco de rap en vivo es mucho más complicado que con otros géneros musicales porque, para funcionar realmente, debe pasar por el anterior proceso de adaptar las canciones a trabajar con una banda en vivo. Encontrar una banda con la que un MC se acople es de por sí complicado, más aún lograr un ejercicio de meditación profunda donde se refleje toda la potencia performática del artista. No es nada sencillo convencer a músicos consumados de creer en tu visión y montarte en ella. En esa medida, En vivo Madrid 2017, es la perfecta puerta de entrada a quien no ha tenido el profundo placer de disfrutar la transformación de Lou Fresco cuando bendice los escenarios: la apoteosis de un dios caimán antiguo. Y por el otro, funciona como un testamento perenne de su vitalidad artística. Acompañado por el trío de jazz de Barcelona, Big Menú, el concierto fue grabado en el Rock Palace de Madrid en junio del 2017, dentro del marco de la gira Le Tour de Fresco. Porque esa es otra de las cosas: este disco es un reflejo de la superioridad geográfica de Lil Supa, uno de los MCs que más ha girado en el orbe completo de Hispanoamérica.

Los doce temas muestran versiones diferentes de algunos de sus temas más importantes, además de versiones directas y potentes, todo arreglado para la ocasión, con la voz de Marlon como antorcha en la noche y todo tipo de arreglos, incidentales y cinematográficos, dando al Jeet Kune Do de Fresco la atmósfera de cómic noir que tan bien le va. Hasta el arte para la portada del disco, con ese guiño al arte gráfico clásico de Blue Note, habla de la atención al detalle obsesiva y de la misión de vida que tiene Supa.

Para el final de la placa cuando suena "LUZ", la plegaria de Lou Fresco es el ojo de la aguja por el que pasa el universo para renovarse, y queda claro que, no solo por su energía y presencia en el mic, sino por las referencias puntuales en "Escupe", Lou es también el más claro heredero de Zack de la Rocha en la música popular actual en español. Por decir algo. Otro capítulo en una de las sagas más legendarias del rap en español, la grabación fue de German "Pato" Cruz y tuvo una mezcla y máster de Arnau Figueres. S/O al Dojo. ––—Feli Dávalos

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Si los deportes tienen banda sonora, el del basquetbol definitivamente es el rap. Son incontables las referencias que los raperos han hecho a jugadores de la NBA. Esta vez, este matrimonio perfecto llegó a Colombia de la mano de Steve Nash, el mítico armador de los Phoenix Suns que le da nombre a El armador del sol. Este álbum consiste en hablar de rap, lo admite Luis en “Roger Federer”, en rapear duro y con gran destreza técnica. No hay enseñanzas morales ni temática física: es un disco de rap, literalmente, boom bap a 90 b.p.m. que no cede un ápice ante tendencias contemporáneas. Con referencias a deportistas como Tony Parker y Riyad Mahrez, Luis se inscribe en la escuela de skills y timing, motivo que repite a lo largo del disco. La analogía es explicita en canciones como “Voladores desde un cerro”, donde Luis rapea “Cuestión de tacto, dejar la muñeca en alto, soltarla a la mitad del salto. Evitar la tapa, si el balón se escapa directo hacia el aro: es igual en el rap, papá”. Sobre los beats sutiles y perfectamente orquestados de Vic Deal, Luis logra mantener a la audiencia entretenida con su ingenio y su capacidad para sorprender con las fintas y clavadas que aprendió en las canchas.

En la simpleza y la buena ejecución, junto con la producción innovadora de Vic Deal, que innova en los samples a la vez que mantiene el sonido clásico, se encuentra la clave del éxito de El armador del sol. En "R.A.Y.", el corte más enérgico del álbum, responde lo que muchos se preguntan: cómo explicar ese carisma que tiene su música: “El destino dota a los mejores de suerte y de una cosa que no se nota pero se siente”. Luis prueba su valor como uno de los mejores jugadores del rap colombiano y en español, con un estilo propio y honesto que no necesita pretender nada. Así como en el deporte, este lugar se lo ganó a pulso, entrenando sin parar, como rima en “Skit Cadillac”: “Odio ese rap que grita, yo asisto sin mirar, y agradezco a la cancha darme ojos en la nuca. Porque nunca falté al entreno, la constancia separa al mejor del bueno”. Aunque la fuerza del álbum está en su sencillez, Luis también da luces de lo que es capaz con canciones de storytelling como “Lola Puñales” y pasajes de metáforas o descripciones que están a la par de las de los mejores: “En corrientes oceánicas fui pez, atrapado por el rap un barco pesquero japonés”, rapea en “Voladores desde un cerro”. ––—Santiago Cembrano

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No hay mapa ni tecnología eficaz para rastrear el inquieto aleteo creativo de estos tres quirópteros: Matiah Chinaski, Terrible (ambos pertenecientes a la escuadra de Mente Sabia Crú) y Búfalo Dit, tres de los referentes más maduros y selectos de la parrilla chilena. En medio de un interesante y activo presente individual, con los lanzamientos frescos de sus respectivas producciones discográficas, el trío resuelve armar sus maletas e irse por una temporada de tres meses a Europa a terminar un proyecto conjunto elaborado herméticamente, e iniciar una aventurada gira de estreno por el viejo continente.

La dieta del murciélago es un consistente y compacto catálogo de ocho cortes, donde se entrelaza y conjuga lo mejor de las respectivas escuelas que lo conforman, tanto en escritura como en producción musical, en un álbum inesperado, pero que desde esa misma naturaleza se hace fundamental para además entender una necesidad que se ha vuelto un común denominador en el rap latinoamericano: la determinación para renunciar a la zona de confort cuando se ha tocado un tope, probándose a sí mismo, arriesgando e incursionando en terrenos desconocidos.

Así, la agudeza y virtuosismo de los manuscritos de Matiah Chinaski, el ingenio detrás de cada doble lectura que se desprende de una punchline de Búfalo Dit, y las métricas matemáticas de un ingeniero como Terrible, se cohesionan en este EP que nos sugiere precisamente ser parte de este estado mental: renunciar al todo para apostar por la nada, atreverse a cruzar las fronteras autoimpuestas a través, claro, de sus propias vivencias, formas y entendimientos. “Globo”, “Hace mal” y “No nos encontrarán” son ejemplos literales de esto último, y más que un disco, La dieta del murciélago sin duda quedará marcado como la experiencia que desbloqueó nuevos niveles en los trayectos de sus tres responsables, trayectos que después de toda una vida dedicada al rap, recién comienzan a explorar. ––—Darío Gutiérrez de Laceldadebob.cl

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Para la gente que consume rap hecho en México, Mike Díaz es un nombre que resbala por la boca con sabor especial al mencionarlo. Un talismán para los iniciados, santito de rappers, el rapero en el que piensas cuando te acuerdas que las barras en 2018 a veces parecen sitiadas por un ejército de zombis empeñados en convertir filtros de Instagram en carreras artísticas. El científico de las sílabas que levita a diez centímetros del suelo estrenó su segundo disco este año, Renace, un recorrido por geometrías de lo sagrado pasadas por el agua pop de Mike, en donde hace un ajuste de cuentas chamánico con su pasado y se despoja de falsas exploraciones creativas.

Si en 2014 Mike lanzó Elephonteasis ––todavía izando en alto el mote de Phontenak––, un disco doble con 45 temas que se convirtió en un clásico del subterráneo mexa (y cimentó su reputación como uno de los más complejos letristas del rap latinoamericano), con Renace los flows de Mike pasaron a ser un tesoro nacional, gracias a canciones como "Corona, "Bendito" junto a Yoga y Fana, "Kintsugi", "Ser Galáctico" o "Misión" junto a Fermín Sánchez, todas con videos increíbles y que funcionan igualmente para una persona que jamás ha escuchado rap en español, como para las más eruditas y exigentes cabezas ahí fuera. Esta colección de canciones hechas en conjunto con Kibou (pionero del rap de Aguascalientes, ciudad de donde es originario Mike), abrieron el paso para una nueva etapa en la que el rap de Mike tiene todo para ser un referente a nivel internacional. ––—Feli Dávalos

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Desde el segundo cero de Rhodesia la oscuridad cubre todo el espectro sonoro, con un intro instrumental que suena a la vez a estampida de búfalos y a lenguas rituales alrededor de una fogata. Con este álbum, ambos artistas confirman su reputación de ser introspectivos, creadores de música que necesita paciencia y atención para llegar más allá de su caparazón. Publicado por el sello bogotano Indio, Rhodesia sintetiza de manera abstracta las experiencias difíciles que el rapero y el productor vivieron para crearlo. Sobre los beats excéntricos y psicodélicos de Las Hermanas, que se alejan de los cuatro compases tradicionales del rap por sus percusiones arrítmicas e impredecibles, Hardem experimenta con nuevos flows, cadencias y formas diferentes de rimar y de agrupar las palabras. Los mensajes tristes y pesimistas que transmiten estas rimas no son lineales, sino en asociación libre, una superposición de imágenes que juntas dan sentido. En esto, hay total coherencia con los beats, que tampoco se ajustan al sentido común de lo que es un beat de rap en Colombia.

Las letras, encriptadas y codificadas, esconden un contenido íntimo, al que se puede acceder solo después de múltiples escuchas. La única canción con una temática clara es la inusualmente sexual “Víspera”. El resto es un juego de sombras confuso. Esto no impide que Hardem llegue a imágenes bellísimas, como en “Afuera bien” cuando observa todo el panorama desde la cúpula de la Capilla Sixtina o cuando en “Ascenso", canalizando sus aprendizajes de aikido, plantea que vence cuando se sintoniza con el silencio. No es música fácil, y los eleva a ambos como artistas, con rapeos y beats únicos en su especie. Un proyecto así, en instrumentales y en los flows, no tiene comparación en el rap colombiano y probablemente tampoco en la escena latinoamericana. Rhodesia es un álbum vanguardista y N. Hardem demuestra que, a pesar de lo gran rapero que es sobre 90 b.p.m, tiene más que ofrecer. Más allá del tono sombrío del álbum, queda amplio espacio para presumir, y en esa nota acaba Hardem el proyecto, resaltando que, aunque lo imiten o lo ataquen, no hay nada que lo pueda traer abajo, ni a él ni a Rhodesia: “Quieren, buscan, usurpar mi estirpe. Pero no pueden enterrar ni sepultar la esfinge”, dice en “Esfinge”. ––—Santiago Cembrano

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A finales del año pasado, el Never Die Crew se vio envuelto en una clase de polémica personal entre dos de las cabezas fundadoras del colectivo, Eptos Uno y Emecenas, quienes llevaron la disputa particular a las redes sociales, donde las acusaciones y réplicas pasaron naturalmente a ser bromas y memes subterráneos, y a la postre, el combustible de un incendio que fue imposible apagar. Con el conflicto, vino también la decisión de formar una ‘y’ en el camino, y mandar la marca y tienda de ropa de la ND por un lado, mientras que el clan de raperos encabezados por Antonio Lara tomó la decisión de avanzar a la metamorfosis.

Lost Never es el génesis de Nunca Muere bajo un nuevo mote común, pero también es el refresco necesario en el concepto y roster de uno de los gangs más añejos y afilados del biz mexa. El material puede ser visto como una consecución nata a una de las entregas clave dentro del hip hop nacional, The Mixtape Vol. 1 de la N y la D; sin embargo, lo único que prevalece de ocho años atrás a la fecha ––además de algunos nombres propios––, es la relevancia que sigue teniendo el bombo y la caja como base sustancial sobre la cual gira el nuevo mixtape de los nunca muertos.

La evolución llega en 21 tracks ––18 de ellos inéditos–– manufacturados en las entrañas de los Corner Studios de Aragón, en una constelación de estrellas que pasa por sospechosos comunes de la familia ––Grave, Alter Bishop, Sycksyllables, Faruz Feet, Illuminatik, Sharlie Mac––, ausentes que vuelven a pasar lista ––Bodka 37, Ente, Dafonk James––, ingresos a manera de promesa ––Hione, Sou––, y reclutas de otras latitudes ––Mecal, Zodiaco––, por mencionar un par de nombres que suman a la también extensa lista de encargados de la producción ––Kay Fear, Danny Brasco, Goon Boy, Buffon, Aaaron Clap, etc. Barra tras barra, Lost Never es una muestra de que la máquina sigue igual de engrasada. Después de todo, el imperio nunca muere. ––—Juan Carlos Ríos

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Desde San Antonio de Pereira, a las afueras de Medellín, se forjó un álbum con reflexiones sobre la sociedad (“Papele$” habla sobre el dinero y “Sincretismo” sobre la globalización cultural) y a la vez una profunda introspección (“Cicuta” y “Is Like”). Con rimas densas, llenas de metáforas y referencias literarias, Noiseferatu ––el debut en solitario del artista, quien ya había publicado álbumes colaborativos como Más caras con máscaras más caras con El Jose (2014)–– complació a sus seguidores, a los que ha acostumbrado a un estilo de escritura que necesita a veces ser leído además de escuchado. El color del proyecto ––publicado por el estudio Moebiuz e instrumentado principalmente por beats de Granuggio y Zeta Zeta–– es pesimista, y se ve reflejado en canciones como “Sepia”, en la que pasa de rimar sobre la degradación social a sugerirle a un predicador que se inmole en el Vaticano cuando esté lleno. Sin embargo, Rapiphero muestra su versatilidad dejando ver a la luz a rimas con tintes más competitivos (“¿Sos mero perro? Sisas, pero estamos en misa. Le rezo al rap no al rapero” –– “Sincretismo”) y sucios (“Se vuelven literales las letras, como cuando encontramos setas en heces de vaca. Y al fin que somos, matas sin maceta, pegados al planeta y con la mente en la mierda” –– “Malpensante”), confirmando su reputación de gamín erudito.

Aunque es global en sus referencias, Noiseferatu no oculta su contexto cultural y geográfico, dialogando con su entorno violento (“En la tierra de la jarana, se prende la vela por el que apaga la bala, corbatas que se amarran, gatillos que se jalan, no basta con tener madera, si se relaja con la talan” –– “Malpensante”) y con la condición corrupta del país (“Quieren que crea que nací para nada, quieren que vea su programa. Que gaste en sus modas, decir que sí sin dar cabida a dudas” –– “Deus Ex Machina”). Estas líneas configuran un álbum que no ofrece entradas fáciles para un oyente desprevenido, pero que conquista con la fuerza de sus palabras y su habilidad para organizarlas de forma ingeniosa, la base fundamental del rap. Al final, el propósito de Noiseferatu queda claro en “Cicuta” donde, además de compararse con Sócrates en la forma en que llegarán a la muerte, revela a quién va dirigido el álbum: “Dedicado a quien la vida no le horma por estar basada en calendarios y alarmas”. ––—Santiago Cembrano

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La socióloga, activista y femcee guatemalteca Rebeca Lane tal vez no ha conseguido consagrarse entre las primeras referencias de un circuito aún mezquino y competitivo como la escena de latinoamericana de rap, pero desde el hip hop se ha perfilado como una de las figuras indispensables del activismo y feminismo en el continente, y es ahí donde su lucha alcanza todo propósito y consecuencia. Me alegro que tenga su merecido lugar en este recuento. Tras años de actividad, en el 2016 con Alma mestiza logró un argumento y posicionamiento suficiente como para recorrer el continente y llevar su lucha hacia distintos países. En consecuencia, en Obsidiana reúne varios de los elementos que sus viajes aportaron; muchos de estos incorporados en el apartado musical, donde relucen producciones oriundas de países como Chile, Argentina, Perú y Ecuador. Sin embargo, entendiendo su compromiso territorial, sus textos hacen sentido a cada uno de los lugares que han contribuido en su constante aprendizaje. Obsidiana es su cuarto disco, y éste irrumpe para romper cánones, no sólo sociales, sino también musicales.

Rebeca es capaz de conjugar insólitamente en los primeros minutos de su obra tintes de la cumbia peruana, trap y marimba, sin desconectarse de la etiqueta rapera que da categoría a su trabajo, el cual continúa su desarrollo entre instrumentaciones andinas bajo compases de boom bap. Así también es como Rebeca reafirma su reencuentro con sus raíces centroamericanas y desde ahí proyecta una ventana que invita y conmueve con sus historias, generalmente silenciadas en lo mediático, siendo quizás, sin planteárselo, una justa representante y vocera del sentir popular. “Soy Centroamérica” nos los aclara de forma más explícita: “Somos un pedacito de tierra, un poquito de mar y un poquito de sierra. Somos la cintura de todo el continente, setenta volcanes, sangre de lava ardiente”, suena con inocencia y alegría, y sobre la misma es capaz de agregar entrelíneas frases como “somos el monumento a la paz levantado entre muertos”. “Siempre viva” es una respuesta a los juicios y estereotipos de belleza femenina, un poderoso documento de eompoderación desde la aceptación propia que es la hermosura. Y así continúan sus líneas, metafóricamente representadas por esta obsidiana que simboliza la energía protectora y fuerza de la lucha y que, musicalmente, nos conecta con lo natural o primal, la defensa de la vida y nuestros pueblos y que, generosamente, comparte sus aprendizajes y reflexiones desde un feminismo consciente y de base territorial. ––—Darío Gutiérrez de Laceldadebob.cl

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Coincidieron cuatro joyeros desde sus respectivas disciplinas y a este ritual de rimas, ritmos y scratches lo bautizaron como La Ceremonia, una espontánea conexión entre los emcees Lord Sucio y Rick Santino, el productor Elias Roca y la precisión en los cortes de DJ Ropo, reunión que de paso se convirtió en el primer lanzamiento del incipiente sello Grial Records, propuesta que precisamente surge para asumir una faceta desatendida aún en el rap chileno. Más allá de plantearse con la ambición de un nuevo proyecto discográfico o grupal, La Ceremonia no es más que un entrenamiento de breves quince minutos con el lado más agudo y coherente de sus responsables. Carga en sí la madurez de los años de ejercicio de sus artífices, entre otras características como skills, elegancia y un flava demasiado hiphoppa, pero en un modo sutil, con una evidente comodidad y sintonía entre sus cuatro cabezas que encajan como piezas de un rompecabezas conectadas bajo códigos de respeto.

Ropo como deejay tiene la particularidad de hilar frases y referencias lógicas de intro a outro. Su participación nunca tiene un fin estético, sino más bien fundamental en el hilo narrativo de este y cualquier otro trabajo en el que se involucre. “Nuestras frases son un acto de fe” aseveran Sucio y Santino en el track “Bendición de estilo”, desde donde además se subrayan ideas como “elegidos del micro” en alusión a su unión que “nadie la predijo”. Este sencillo accidente es el reflejo más exacto del origen y resultado de esta ceremonia, que por lo demás tiene siempre su lugar en los directos en los que coinciden ambos emcees. Otras barras sustanciales y de carácter más personal son las que nos comparten en temas como “Delirios” y “Detrás del espectáculo”; todo esto sobre un colchón de boom bap selecto y prolijo de un constructor de atmósferas como Elias Roca. La Ceremonia tuvo una tímida repercusión, pero cayó muy bien en ese nicho específico al que apunta Grial y con certeza matriculó una pieza de culto para las bibliotecas de los oyentes más exigentes. ––—Darío Gutiérrez de Laceldadebob.cl

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Hace casi año y medio, Matías Moena, Axcel Urrutia, Matías González, Thomás Poulsen y Kenny Moya se juntaron en Santiago para crear H Empire, la profesionalización de sus intenciones como hiphappas en uno de los sellos que han puesto el pulso del rap chileno de vuelta en 180 bpm, tras tallar junto a otros nombres y colectivos locales, en una de las escenas de hip hop más dominantes no solo de América Latina, sino del mundo entero. Desde entonces, NFX, Fisher Showa, y Rolando Fino ––alias raperos de los dos Matías y Axcel–– han creado materiales personales sellados por la H que reviven el sonido old school de un hip hop que, de alguna forma, ninguno de los tres vivió de primera mano.

De la triada chilena, destacamos en esta ocasión a Rolando Fino, quien lanzó en mayo pasado su EP debut, Run Impala, un esfuerzo por “ganar el respeto de los dinosaurios” a través de secuencias de barras rigurosas que dan testamento del crecimiento exponencial de Matías, cuyo trayecto en la pluma se remonta a una década atrás, periodo que aprovechó para consolidarse como uno de los perros callejeros más sólidos del entramado andino.

Escuchar al Mati de 25 años es remitirnos irremediablemente a otros nombres de su generación que han alcanzado el afianzamiento como Lil Supa’ o Alemán. Las voces de Marlon y Erick escupiendo verdad y realidades se reflejan en la estética sonora del MC de San Bernardo, quien solo necesita seis tracks ––producidos por nombres como Delay Lama, Ruff-T, Sheng 33, IDO, y Tferent–– para dar prueba de su versatilidad y capacidad para crear rimas agudas, cremosas, perspicaces e ingeniosas, tipo “ni bebiendo la laguna se me va lo seco” o “no mires mi estilo si la gafo quedarás cegao”, que llegan como porrazo a la sesera. ––—Juan Carlos Ríos

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El décimo tercer álbum del rapero de origen cubano Rxnde Akozta, Qué bolá, asere, ocurrentemente abreviado como Q.B.A., es probablemente el más fiable manifiesto para la comprensión del nuevo mundo que experimentamos y la función del hip hop sobre este. El rap latinoamericano es al día de hoy una sola nación y Edgar Acosta tiene bien merecido su jodido protagonismo en esta construcción desde su condición de viajero permanente. El último par de años han sido imprescindibles para decir que nuestra identidad latina como hiphoppas alcanza al presente la fase más madura de su florecimiento, y algo de eso se nos advirtió con su anterior Outlet a principios del 2017. Sin embargo, la confirmación llegó con este nueva colección de canciones que refleja, resume y define con precisión el fenómeno social que inspira esta diáspora en forma de rap, donde la situación del mundo llega hasta nuestra conciencia gracias a los relatos de Rxnde y algunos de sus colegas buscavidas; entre ellos Lil Supa, Akapellah, Al2, Pielroja y DJ Destroy; así también el disco cuenta con referentes de las primeras ligas de cada país, como Portavoz, DJ Cidtronyck, Urbánse, Mano Armada, Ray One, Marrom Fernández y Foyone.

Un álbum que consigue ser ese noticiario que no encontramos en ningún sitio, pero un género como el rap está atacando, no necesariamente con lamentaciones ni denuncias, pero sí con transformaciones sociales desde sus propias trincheras hacia el resto del mundo. La bandera de Q.B.A. es la de Cuba, Venezuela, España, Argentina, Chile, Colombia, Costa Rica, y también de cada país en que el autor ha llevado su música y se ha traído incorporado de ahí algo de vuelta. Akozta coleccionó un poco de esto y aquello y nos los resumió en quince fundamentales cortes, sin rellenos, puras bombas, ofrecidas en bandeja con esa narrativa cercana, sensible y pausada, casi paternalista, hablándonos de lo importante, pero siendo uno más, regalándonos un auténtico disco de hip hop que no necesitó mayor promoción para advertirnos de su llegada; pero con seguridad, y desde el mismo bajo perfil desde donde nace, sentará precedentes en la actual construcción de la unión de América Latina. Rxnde es al rap lo que Bolívar a América. ––—Darío Gutiérrez de Laceldadebob.cl

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El concepto de “artista” la mayoría de las veces es una etiqueta vaga y reprensible. Porque ser artista en el siglo XXI, la época de mayor variedad de opiniones, cosmovisiones, plataformas, y maneras de crear que el humano ha experimentado hasta ahora, debería requerir un ejercicio que resulte global. En ese sentido, Skeptic de Puerto Rico es uno de los nombres que pueden jactarse de estar marcados con el meritorio título de artista sin que existan objeciones al respecto.

Productor, realizador, letrista, DJ, editor, diseñador gráfico y director visual, Silvino John Díaz está cobrando sus siete vidas con un solo cupón, y Boca de lobo es otra muestra de ello. Un disco que, inicialmente, cobra relevancia por ser totalmente autogestivo y haber nacido como una consecuencia artística al huracán María, que azotó la isla del encanto en otoño del año pasado. El trabajo se realizó a lo largo de un año de fabricar entre tinieblas, pues la mayor parte de la producción se hizo sin electricidad y con acceso limitado a un generador de luz.

En ese sentido, el LP muestra a un Skeptic más vulnerable y místico con respecto a su disco debut, Astromambo. Los 50 minutos de sanación espiritual que conforman Boca de lobo guardan una clase de atmósfera remota y sideral, donde usan como bases rítmicas cosas tan variadas como un beatbox primitivo, guitarras en repeat, o el beat de una sesión de house. Si a eso añades samples igual de exóticos como aullidos de lobo, cantos gregorianos, y gritos desgarradores, el disco termina siendo una auténtica experiencia de meditación nocturna entre hielo seco, lasers y sudor. ––—Juan Carlos Ríos

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Así como LeBron James, en su temporada 15 sigue sentado cómodamente en el trono de la NBA, el rapero sevillano busca envejecer con gracia, pulir sus habilidades y seguir aprendiendo nuevos trucos. En este su décimo álbum de estudio, mantiene esa honestidad autocrítica y dolorosa (“La peor de todas compañías siempre ha sido mi cabeza / La hijaputa me da letras que me han pagado un palacio y, sin embargo, siento que dentro el tiempo mata despacio” –– “Bartleby & Co.”) que a la vez le permite disparar contra la sociedad (“Los retrasados de tu país lo han vuelto a hacer y han votado a los azules” –– “Mi colega”) y contra la situación actual del rap (“Hermano, tú eres tan tonto que no sé qué haces aquí. Copias todo de los yankees menos el respeto por los OGs” –– “Tonto”). No hay tema que escape a su repertorio. Reflexiona cómo ha avanzado su carrera en “Puzzle”; le cuenta a su padre difunto cómo va España en “Mi colega”; y defiende a las mujeres en “Ellas”. Las habilidades como escritor no dejan ninguna duda en Lebron, pero el Tote también experimenta con nuevos ritmos y flows de trap, entrenando para mantener su juego fino y afilado, en temas como “Libera el estrés”.

Tote configura en Lebron un panorama a la vez clásico y contemporáneo, que exhibe sus fortalezas y muestra que ningún estilo o movimiento está fuera de su alcance, a la vez que potencia una que otra clavada (“¿Eras mi fan? ¿Ya no te gusto ahora? El tiempo no va pa’ atrás: ya no me puedes deschupar la polla” –– “Libera el estrés”). En todo caso, los mejores momentos del álbum llegan cuando más desnudo están los beats y las letras. Cuando el beat se calma y la luz palidece, el Tote rapea con la urgencia del que ha considerado dejar la música, de quien es demasiado reflexivo para su propio bien. Sus dudas refuerzan sus certezas, y dejan como resultado los mejores rapeos de Lebron. Lo que lo separa de otros raperos que no saben envejecer no es su falta de defectos, sino que los estudia públicamente en sus canciones para sobreponerse a ellos, manteniendo incólumne la máxima rapera de "mantenlo real". También que, como el 23 de los Lakers, no le huye a la competición: habla con la propiedad del que ha vivido más de 15 años de carrera arriba del panorama del rap español. Al final, la tragedia de su figura es que esa auto examinación constante lo hiere, pero también lo hace un rapero superlativo. Él lo explica mejor en “Bartleby & Co.”: “Perdiéndome la vida pa’ contársela al de frente”. ––—Santiago Cembrano

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Hablar del West Coast como la regionalización de un género es simplista. Estamos hablando de un ente, de un personaje, un protagonista de la historia del hip hop como movimiento social y cultural, y de un titán que tomó los años 90 por el cuello y caminó a lo largo del planeta dejando células infectadas en diversos puntos del globo. Una de ellas es en realidad la extensión natural ––geográfica pero también artística–– a lo largo de la costa occidental mexicana, conectando Sacramento y Colima por una ruta que corre por diversas plazas donde el low rider brinca igual bajo el abrumador sol del Pacífico.

Así nace West Gold, un súper grupo de ––cada vez menos–– rookies con tres ladas distintas que heredan la esencia del G-funk en una práctica reinterpretativa más que de apropiación, clavándole al sonido popularizado por Dre el filero propio de la cuadra mexicana, siempre fino, malandro, fresco y a la orden. Jarabe Kidd y iQlover (que a la vez forman KingZoo) de Ensenada, Robot de Mexicali, y Poofer de Manzanillo son los cuatro órganos bajo los que respira la W dorada, formada en Guadalajara bajo el brazo protector de DJ Lokiuno de Jamgle Records y Santa Suerte Music.

Los niños trofeo comenzaron a hacer ruido hace ya un par de años tras tirar su primer jab junto a Akapellah en “Holiday”, a los cuales siguieron algunos ganchos a la par de nombres como Eptos Uno y Alemán, hasta que en enero pasado llegó el upper del knockout en su primer material en forma, West Gold. 20 tracks que atestiguan lo que ningún otro ejercicio de gangsta-funk mexicano había logrado de manera tan orgánica. La izquierda de oro brilla gracias a la esencia clásica de Long Beach de sintes melódicos, coros femeninos, y ritmos suavecitos como mantequilla en el pavimento, aunque también logra acoplar otra clase de juegos más cercanos al trap y al rap cholero, creando una monografía completa de la costa tumbada en la pluma. Si al guiso le añades elementos como guiños a Snoop, Nate y Quik, y conexiones con Perú, Venezuela, España y Chile junto a Norick, Willie DeVille, Foyone y NFX ––entre otros––, el resultado es un LP espeso en vitaminas y flava.

Bienvenidos a la esquina dorada y soleada del hermoso México. Bienvenidos a la West Gold. ––—Juan Carlos Ríos

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Para disfrutar en conjunto estos 25 discos, hicimos una playlist con algunas de las mejores canciones incluidas en ellos. Escúchala abajo:

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