Conversamos con Alex Otaola previo a su presentación en 'Músicos en la Ciudad de México'

Músicos en la Ciudad de México es un libro editado por la poeta y programadora musical Zazil Collins y el músico y escritor Todd Clouser, que reúne diversas voces provenientes de la música. Músicos que cruzan la frontera de la escritura creativa y presentan en este proyecto editorial gráfica, fotografía y distintas clases de textos verbales.

En el marco de la presentación de esta publicación impresa y electrónica, se ofrecerá un concierto el viernes 20 de abril a la una de la tarde en el Teatro de la Ciudad Esperanza Iris. Uno de los músicos que estará presente en dicho concierto es Alejandro Otaola, quien se presentará a manera de trío con Iraida Noriega y Pío en el cine a mano, en el que se crearán bocetos que permitirán ser interpretados de manera distinta.

Aquí la entrevista con Alex Otaola, un músico convencido de que la música comercial se diseña y estructura para gustarle a un chingo de personas y que la música independiente se hace para que, a la persona que le guste, le guste un chingo.

Noisey: ¿Por qué decidirte por el camino del autodidacta y no el del músico de academia?
Alex Otaola: He estado en ambos lados de la ecuación: estudié guitarra clásica tres años en el Estudio de Arte Guitarrístico, luego lo dejé para seguir aprendiendo guitarra eléctrica de los discos y las revistas extranjeras que se distribuían aquí. En su momento no lo entendía, pero dejé la escuela del clásico porque me estaba volviendo buen interprete pero no sabía “componer”. Eventualmente comprendí que lo que necesitaba eran clases de armonía y las tomé con Rosino Serrano. Actualmente tomo clases con Eduardo Piastro.

¿Cuáles son tus recuerdos más fieles y memorables de Rita Guerrero y Santa Sabina?
Son demasiados para este espacio. A veces recuerdo lo bueno, a veces lo malo. Pero creo que lo más memorable lo vivimos en el bautizo mazateco que nos ofició María Apolonia, hija de María Sabina; la entrega de acopio en las comunidades zapatistas después de los Festivales en C.U. (Ciudad Universitaria); la creación y grabación de los discos; los conciertos en Guadalajara; los viajes a España, Alemania e Irlanda; el Unplugged para MTV y alternar con King Crimson en el Auditorio Nacional.

Háblame del lugar en donde naciste y cómo influyó en tu música.
Nací en Londres pero sólo estuve allá hasta los seis… meses… entonces creo que en lo que influyó fue que de allá se trajeron a México los primeros discos que me marcaron ('Álbum blanco' - Beatles, 'Grandes éxitos' - Rolling Stones, 'Alive' - Slade y 'Previous record' - Monty Python).

Fractal es un objeto geométrico cuya estructura básica, fragmentada o irregular se repite a diferentes escalas. Háblame de 'Fractales' (2007).

Es un disco en el que confluyen varias capas de ideas: cada canción está fracturada en secciones más pequeñas pero todas las canciones están unidas entre sí por lo que se puede percibir como un solo evento de cuarenta y dos minutos o como un disco de quinces canciones (a su vez subdivididas en secciones o “escenas”). Hay muchos músicos invitados pero ninguno toca en una canción completa, sino sólo en alguna de sus escenas. Ningún músico escuchó su escena antes de llegar al estudio porque lo que quería que quedara grabado era el momento en el que la creatividad de un músico le hacía descubrir su parte. Las decisiones musicales se tomaban en términos audiovisuales (¿Cómo sonaría que comience aquí un dolly? ¿A qué debería sonar que nos fuéramos a blanco y negro? ¿Cómo generar un flashback auditivo? ¿Cómo hacer que se escuche que se bota la cinta del proyector a media escena? etc…). La brújula conceptual para todo esto fueron los rompimientos estilísticos del cine de Godard en los 60’s.

¿Cómo fue la experiencia de asistir al XV Festival Internacional de Video Arte en Casablanca Marruecos, qué fue lo que presentaste ahí?
Llegué como cachirul porque mandé los visuales que hice para el DVD de Fractales, los seleccionaron pero lo que suele suceder en esos festivales es que te cubren comidas y hospedajes si logras llegar hasta allá. Después salió a flote el dato de que yo en realidad era músico y no videoasta, ante lo cual me invitaron a presentar un concierto solista de loops de guitarra eléctrica procesada en vivo (similares a lo que estoy por editar en el disco 'Krisälidas') en la inauguración del festival. Al recibir esa invitación decidí que sí valía la pena invertir en un vuelo a Marruecos donde terminé presentándome tres veces y pude convivir e intercambiar ideas con videoastas y músicos (principalmente) africanos, asiáticos y europeos… Además de vivir el vuelo más increíble de mi vida donde de un lado del avión (semivacío) se mete el sol en el Atlántico mientras que en el otro vuelas encima del Estrecho de Gibraltar.

¿Por qué distribuir gratuitamente El Hombre de la cámara (2010), un proyecto que se desprende del ciclo Bandas sonoras a ritmo de rock de la Cineteca Nacional?
La música comercial se diseña y estructura para gustarle a un chingo de personas. La música independiente se hace para que, a la persona que le guste, le guste un chingo. En México hacer discos (instrumentales) es una carrera de obstáculos, si a través de patrocinadores e intercambios se logran maquilar 10,000 copias de un disco 'gratuito-de edición limitada' se pueden crear filtros para que en un año se coloquen (en las manos/orejas indicadas) todas las copias maquiladas sin tener que entrar en la inercia comercial que hace que distribuir música de estas características sea una carrera de obstáculos. El Hombre de la Cámara es la versión cd (45 mins.) de la música que se interpretaba contra esa película muda (70 mins.) y es el primer disco en haberse grabado en vivo en la Cineteca Nacional.

¿De qué manera influye Miles Davis en tu trabajo, cómo podemos escucharlo en tu música?
Pasó por tantas etapas musicales que puedo apreciar su música como una serie de distintos capítulos sonoros. Lo mismo me sucede con Frank Zappa, o con los directores de cine, escritores y/o pintores que me gustan. En todos los casos aprecio el desarrollo estilístico de una 'obra total' y al mismo tiempo hay etapas específicas que son las que más me atraen. Otro aspecto importante en el que su manera de tocar me atrapa es en el uso estratégico del silencio, algo que también aprecio en Satie, David Gilmour, Bill Bruford o Keith Jarrett.

¿Qué es lo que tocarás en el concierto, dentro del marco de la presentación del libro el sábado 21 de abril?
Me presentaré junto a Iraida Noriega (y Pío que proyecta su Cineamano). Es un ‘trío’ que ya tiene tiempo presentándose, la principal característica musical es que en lugar de definir/delimitar la música en ‘canciones’ creamos bocetos que permiten ser interpretados de manera distinta cada vez que te subes al escenario. Debido a que Iraida es la improvisadora más cabrona que conozco sentí que editar un CD (donde cada versión de cada rola se sentiría como su ‘lectura’ definitiva) no le haría justicia a su magia por lo que diseñé una app-licación para dispositivos portátiles donde 69 mins. de música se fracturan en fragmentos más pequeños permutables que permiten que el disco no sea el mismo dos veces. De ahí que su título sea iNFiNiTO.

¿Cómo es Astrolab-iO tu proyecto de electrónica experimental?
Es un dueto de improvisación electrónica en tiempo real (o sea, no hay secuencias pregrabadas) que hago junto a Javier Lara que es la persona con mayor conocimiento de sintes modulares que conozco. Sólo hemos tenido un primer 'ensayo' en su estudio pero después de eso cada concierto se convierte en el ensayo para el próximo concierto y así sucesivamente; las sonoridades dependen de los aparatos que cada uno decide llevar al toquín. Es un proyecto donde me replanteo por completo la manera en la que toco la guitarra ya que lo traigo ‘colgada’ sino que está puesta sobre una mesa (tipo Derek Bailey) y la uso como detonador de sonidos que me la paso 'postproduciendo' en vivo a través de procesadores y efectos. En una situación ideal el audio sería cuadrafónico, nosotros estaríamos colocados en el centro, a nuestros cuatro flancos estaríamos rodeados por el público y todos estaríamos envueltos por las cuatro bocinas del cuadrafónico. Para no tener que editar un DVD 5.1 se nos ocurrió hacer un mix cuadrafónico, luego colocar un micrófono binaural Neumann en medio de cuatro bocinas y grabar a través del binaural el playback del mix cuadrafónico. El resultado es un archivo estéreo pero que se transforma en cuadrafónico si se escucha con audífonos.

¿Te parece un fiel documento histórico que permita reflejar lo que se hacía a principios de siglo en la Ciudad de México, en cuestión de música, literatura y arte?
Soy de la opinión de que es inútil intentar transmitir con palabras las sensaciones que generan las combinaciones entre doce (posibles) notas más el silencio ya que esa es una experiencia que es distinta para cada persona y se vuelve similar a describirle a alguien lo que se siente estar debajo del agua. La función de un libro así es volverse un documento que complemente verbalmente lo que sus participantes realizan y proponen en el ámbito musical.

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