Caminos de calma y melancolía: Una entrevista con Gaspar Peralta

El joven de 28 años egresado de la licenciatura en música por la Universidad Autónoma de Baja California, comenzó a componer sus propias piezas a pesar de la postura clásica de la escuela, se inclinó a la experimentación electrónica y corrientes de la música contemporánea de mediados del siglo pasado. A pesar de ser un ejecutante experto en algunos nombres de la música clásica, Gaspar comenzó a llamar la atención de la escena en el norte del país, por la complejidad de su obra, interviniendo en experimentos de improvisación sonora junto a otros músicos del Estado.

Apoyado de una fuerte influencia del cine del este de Europa, el joven compositor se ha presentado en escenarios como MUTEK en su edición de 2016, donde obtuvo una buena acogida. También se le han premiando piezas de todo corte en festivales internacionales especializados. Peralta lanzó en 2016 su primer EP, Prontuario Sosiego Miríada, donde dio a conocer su obra y su capacidad de crear melodías. Ahora dos años tarde está por lanzar su primer álbum de estudio, Entre el Clamor A Cloro de las Estrellas del Alba, bajo el aclamado sello fronterizo Static Discos, y en el cual se hace acompañar de un cuarteto de cuerdas, piano e intervenciones electrónicas.

Esta es una pequeña conversación con Gaspar Peralta, sobre su obra y la inspiración que demanda la misma.

Noisey: Tu música tiene cualidades que evocan a lo onírico o lo atmosférico, está inclinación podría ser comparable con esa necesidad de inducir al escucha a un plano introspectivo. ¿De dónde nace esa fuerza en tú música?
Gaspar Peralta: No estoy seguro, pero creo mi obra se ve influenciada por la necesidad de estar solo, de aislarme, de guardar silencio y observar, me agrada pensar que a partir del movimiento armónico lento, de la repetición, de lo aparentemente estático, se genera un espacio íntimo.

Con este nuevo álbum, Entre el Clamor a Coro de las Estrellas del Alba te haces acompañar de un cuarteto de cuerdas, ¿cómo fue el proceso de composición y creación conceptual del disco?
El disco se comenzó a gestar a partir de la idea de un gran plano secuencia, parecido al Arca Rusa de Alexandr Sokúrov, la cual influenció en la estructuración del álbum. Así como en esta obra de Sokúrov, el final del álbum es un tipo de revelación, la música está en un ciclo perpetuo "destinada a navegar para siempre".

La composición y el proceso creativo fue largo. Las primeras ideas aparecieron en el primer semestre del 2017 y a partir de ahí la música fue emergiendo, poco a poco el tiempo me fue mostrando el camino. El álbum requirió ser abordado de diversas formas: composición en notación tradicional y experimental, principalmente para el boceto de la obra entera, trabajo en estudio para las partes electrónicas, bastante improvisación, procesamiento de los instrumentos acústicos y otras técnicas de composición para lograr lo que la obra me estaba pidiendo.

Existen tres piedras angulares sobre las cuales construí el álbum: la idea del plano secuencia similar al Arca Rusa de Sokúrov, Job 38 y su lectura como metáfora, parecido al Angelus Novus de Walter Benjamin (IX tesis).

El título del álbum, parecería un dialogo de alguna película de Tarkovsky, ¿de dónde proviene el título del álbum?
En Stalker hay un tipo de visión, un sueño, una dislocación en sepia en un charco, en ese momento se escucha un versículo bíblico, una cita del Apocalipsis mientras vemos las ruinas, el agua y objetos sumergidos, probablemente por eso te recuerda el título a Tarkovsky.

El titulo proviene de Job 38. Siempre me han causado fascinación los textos sacros, cómo vemos a Dios y cómo creemos que nos ve. La idea fue tomar ese texto bíblico y darle una lectura desde otra perspectiva, parecido al Angelus Novus de Paul Klee y su lectura Benjaminiana.

Tu EP anterior, Prontuario Sosiego Míriada (2016) tiene mucho de tu esencia como músico y compositor, pero has compuesto piezas más inclinadas a la electroacústica, mismas que has expuesto en diferentes países, ¿incorporas dichos elementos electrónicos, en este nuevo material?
Sí, por supuesto. Este trabajo en su mayoría tiene elementos electrónicos, solamente hay una pieza/movimiento exclusivamente acústica, un breve quinteto para piano y cuerdas. En los demás movimientos intento generar un dialogo y cohesión entre los instrumentos acústicos, procesados y las partes completamente electrónicas. A diferencia del trabajo electroacústica que he realizado hasta ahora, el álbum se desarrolla dentro de la tonalidad, la explora a partir de largas duraciones, del contrapunto tímbrico, del espacio que se genera entre cada capa textural, en los pequeños detalles que se evidencian en la repetición.

¿En qué se diferencia este nuevo material, de tú trabajo anterior?
El EP que se publicó en 2016 eran piezas individuales con el propósito de generar calma, tranquilidad. Además se compuso con una menor instrumentación. En esta ocasión es lo opuesto: una sola pieza de 45 minutos dividida en diez movimientos, con múltiples momentos, matices, texturas, articulaciones del sonido, carácter e instrumentación que incluye violín, viola, cello, guitarra, bajo, piano preparado, guitarra preparada, sintetizadores, cuerdas procesadas, etc. Toda la obra está construida dentro del perímetro de la tonalidad; sin embargo, poco a poco el paisaje cambia, la obra se desarrolla, siempre gradual. Este trabajo es de larga duración, se podría pensar como un tipo de sinfonía, con movimientos sumamente violentos, de gran tensión y breves momentos apacibles.

En tus palabras ¿cómo calificarías este nuevo trabajo?
Como un gran plano secuencia donde en ocasiones presenciamos un santuario, una oración, ruinas, suplicas, arbotantes, monolitos y ascetas. Dependerá mucho del escucha, siempre me ha interesado dejar un espacio que genere libertad interpretativa, la obra crece con el escucha y al mismo tiempo el título del álbum nos dice dónde nos vamos a encontrar.

¿Que sigue para Gaspar Peralta, cuáles son tus próximos trabajos?
Estoy trabajando en unos estudios para Ensamble Camerístico en notación gráfica, influenciados por técnicas de composición de música antigua como el hoquetus, responsorio, motetes, organums, y más.

Al mismo tiempo, estoy escribiendo una obra para orquesta de cuerdas y piano que espero estrenar este año. Y claro, jamás dejaré de tocar obras de Bach, Schubert, Beethoven y Brahms. Me hace feliz estar en contacto con la obra de estos compositores.

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