La gente te imagina como algo que nunca fuiste: Una charla con Bring Me the Horizon

El hardcore, y todos los pequeños universos dentro de él, quizás son un ejemplo de una dimensión que simplemente "no envejeció con gracia". Mejor dicho, bajo el punto anterior, podría decirse que no maduró. Quizá por sus audiencias, por las etiquetas, por los hábitos de consumo, o por la propia ortodoxia dentro la rígida estética visual y sonora de actos del género. Pero, existen excepciones que han sobrevivido a esa carga de cemento en las espaldas, a las cuales se les tiene que aplaudir desde dos virtudes distintas: su capacidad para internarse de nuevo en el capullo y transformarse, y el cúmulo de olas en contra que esta clase de progreso suele concentrar, especialmente cuando formas parte de un submundo artístico tan estricto.

Bring Me the Horizon ha caminado a lo largo de más de 15 años. Los tank tops cuelgan en su closet, justo al lado de las etiquetas de "deathcore", "metalcore" y "heavy metal". Hace un par de meses, lanzaron Amo, su sexta placa de estudio en su disco mejor sazonado a la fecha. Una lectura básica te deja ver que se trata de un material libre, variado, extenso, que va de las ásperas praderas del hardcore con arreglos saturados y afinaciones en drop, a las abundantes fuentes cristalinas del synth-pop o al distopismo sintético de cosas como el trap o el EDM. Más allá de eso, se trata de un álbum conceptual que explora dualidades, especialmente la más humana de todas, la del amor y el odio, internándose en ella para darse cuenta que al final, al menos en este caso, todo es blanco y negro, y siempre terminamos encontrando algo o alguien a quien amar y desamar.

La próxima semana, la banda de Sheffield pasará por distintos puntos de América Latina, comenzando por las tres latitudes más pobladas de México, para posteriormente continuar el tour de Amo en las versiones argentinas y chilenas de Lollapalooza. Bajo ese pretexto, me conectaron por teléfono con Lee Malia, guitarrista de Bring Me, con quien mantuve una breve plática que logró superar barreras que quiere creer son comunes como el constante entrecorte de la línea, y mi mal entendimiento del acento de Sheffield. Abajo lo que charlamos.

NOISEY: Platícame de Amo, ¿cómo fue hacerlo?
Lee: Fue un proceso largo, sobre todo al escribirlo. Estuvimos todos juntos en Sheffield, yo diría que como por un año, año y medio quizás. Normalmente fijamos fechas para no ir aplazando las cosas, decimos “en tres meses debe quedar la composición” o algo así, pero aquí no quisimos hacerlo así, y por eso tomamos más tiempo de lo normal, el año entero tan solo escribiendo. El resto del proceso fue más rápido, la grabación y posproducción, pero también fuimos trabajando sobre eso. Sí, fue una manera distinta de hacer las cosas.

¿Cómo han evolucionado como banda desde That´s the Spirit?
Creo que cuando escribimos That´s the Spirit estábamos muy empeñados en tener específicamente diez sencillos para tocar en arenas y estadios, así que todo fue más anthem (himno), sin tanto riff, con tiempos muy marcados y coros potentes. En realidad con la mayor parte de nuestros discos siempre fue así, marcar un concepto. Y en este caso definitivamente solo dejamos que las cosas fueran saliendo, si nos gustaba algo y sonaba distinto buscamos cómo adoptarlo, en lugar de buscar sonar a algo en especial. Simplemente fue eso, dejar que las cosas fueran fluyendo naturalmente.

¿Así que esta evolución no tiene necesariamente una intención implícita en términos de querer alcanzar un objetivo o mercado específico?
No, realmente creo que no, todo ha sido de una manera natural. Cuando teníamos 17 o 19 años quizás estábamos más sujetos a algo, pero ahora de alguna forma ya decimos y hacemos lo que queremos decir y hacer. En todo siempre hay una evolución, siempre hay cambios y es natural, no eres la misma persona que eras a esa edad. No podemos esperar siempre la misma reacción, así que hay que evolucionar, y eso pasa en este disco. Ha sido natural para nosotros, incluso para la gente que nos escucha, creo que ya esperan un cambio en cada disco. Pero no, definitivamente no lo pensamos así, no forma parte de lo que intentamos con un disco.

¿Sienten que, después de haberse formado bajo esa etiqueta, el rock ha sido una especie de jaula?
No sé, creo que en general siempre hemos estado interesados en distintos estilos y géneros de música. Y creo que la escena del rock, especialmente la del metal, es un poco pretenciosa, la gente que hace metal genera muchos prejuicios y odio a la gente que no hace o parece metal, y nosotros nunca hemos sido así. Siempre hemos explorado cosas distintas sin miedo, siempre hemos sido un poco distintos a ellos. De hecho yo diría que ni siquiera formamos parte de esa canasta, nunca hemos sido una banda de metal o de rock o de metalcore o deathcore como tal.

En ese sentido, casi al final del disco aparece este track, "heavy metal", donde literalmente dicen que "a su producto se le cayó la etiqueta", separándose de ese encasillamiento como banda de metalcore en el que alguna vez estuvieron. ¿Es una forma de marcar cierta distancia con un sector de sus consumidores?
Creo que de alguna manera es una canción sarcástica. Es como los niños en Instagram diciéndonos que no somos metal, aunque jamás hayamos dicho que lo éramos. Es como que la gente se decepciona por algo que nunca fuiste realmente, o que nunca dijiste que eras. Nunca fuimos una banda de metal, nunca lo quisimos, y ahora la gente se siente decepcionada porque evolucionamos. No sé, es una sensación que como banda hemos tenido por un tiempo, y la canción es una forma sarcástica de verlo.

Tengo esta percepción de que siempre han sido una banda que hace lo que quiere y se sale con la suya, y en este disco me parece más evidente porque es un sonido que quizás habían estado buscando por un tiempo. ¿Qué de cierto hay en ello?
Sí, creo que como dices llegamos al lugar que queríamos, a un sonido que queríamos con este disco, y sí, nos estamos saliendo con la nuestra porque la gente lo ha recibido bien, le gustan las canciones, las corean. Creo que después de todo mezclar tantas cosas, intentar maneras distintas de hacer las cosas, terminan encontrando una conexión porque son genuinas. Y sí, es algo que habíamos estado buscando desde hace un tiempo, nos vamos haciendo viejos y es bueno poder lograrlo en algún momento, en un disco. Que la gente se te acerque y te diga “intenté odiar el disco pero la verdad me gustó” me hace sentir que quizás todo esté funcionando.

La música latinoamericana vive una coyuntura especial en la industria global, especialmente gracias a los géneros urbanos, y al hablar de tantos estilos e influencias, no sé si haya algún proyecto que hayas escuchado recientemente o que te llame la atención.
Personalmente no, realmente no he escuchado mucha música desde hace un tiempo. Pero la primera vez que fuimos a Latinoamérica estuvimos muy cercanos a todos los elementos percusivos que tienen allá y realmente nos interesó al grado de que fuimos buscando más y más y definitivamente los hemos ido incorporando a nuestra música. No necesariamente los instrumentos, sino los ritmos y los tiempos de las baterías, así que de alguna forma existe esa clase influencia en nuestra música. Pero no, realmente no he escuchado nada específico de algún proyecto latino.

¿Algún otro mensaje para la gente de Latinoamérica?
Que estamos muy emocionados por estar de nuevo allá. En la mayoría de nuestras giras los hemos visitado y siempre ha sido muy especial, son increíbles. Tenemos preparado un show totalmente nuevo, obviamente con canciones del nuevo disco, pero también con otras que hace mucho no tocamos así que se sienten nuevas de alguna forma. Ya queremos estar ahí, los vemos a todos en los shows.

Bring Me the Horizon se presenta la próxima semana en el Pepsi Center de la Ciudad de México, y luego continúa su gira en Lollapalooza Argentina y Chile el 29 y 30 de marzo, respectivamente. Para más información sobre su show en CDMX, visita este link.

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