Califica tus discos: Brian Molko analiza escépticamente los ocho discos de Placebo

"No lo veo así", admite Molko. "Para mí, se sienten como trabajos independientes y que son todos diferentes entre sí. Pero le entré al juego. Hice mi lista para ustedes. La experiencia de hacer los discos ha influenciado hasta cierto grado mis opciones. Estoy dispuesto a rifarme con ella. Nunca he hecho esto antes así que es un poco dar un paso hacia la incertidumbre. Nunca lo hubiera hecho si no me lo preguntas.

Para acompañar los ocho discos de Placebo (incluyendo un Unplugged de MTV que es crucial), la banda de Londres celebra sus 20 años con una gira y un nuevo EP titulado Life's What You Make It, además de un álbum doble complementario, A Place For Us To Dream, con lo mejor de su trabajo en las últimas dos décadas. Para Molko y su compañero co-fundador el bajista Stefan Olsdal, este es un momento para celebrar, y para sentirse agradecidos.

"He hecho esto toda mi vida adulta, y la verdad no sé hacer otra cosa" dice Molko. "Es muy valioso para mí. Hice todo para que fuera así. En algún punto de eso, logramos mantener la banda relevante. No sé cómo, pero lo sé porque cada vez que salimos de gira, las primeras cinco filas se llenan con un nuevo grupo de adolescentes. Las personas que han crecido con la banda todavía están allí, son simplemente están más cerca de la barra que está en la parte de atrás ¿Cómo dos tipos de cuarenta pueden seguir haciendo eso? No lo sé. Tal vez simplemente somos inmaduros. Estoy feliz de seguir mis instintos y ver dónde me llevan".

Noisey: ¿Por qué este es tu menos favorito?
Brian Molko: Creo que lo puse allí porque creo que es el disco que sufre más de un sonido absorbente. Hacemos nuestro mejor esfuerzo para no hacer discos así. Es parte de nuestro modus operandi. Pero sucede también que también fue la primera vez que teníamos un disco número uno y en el típico estilo de Brian Molko, lo pongo hasta arriba. [Risas] Creo que es un disco muy sombrío, así que realmente no convoca a la euforia, que supongo que es lo que busco en la música. Se grabó en la parte más alta de nuestra faceta de fiesta dura, y una vez que grabamos todos nuestros instrumentos, convertimos el estudio en un lugar para recibir visitas. Así que pasamos mucho tiempo entreteniendo personas mientras que nuestro productor pasó mucho tiempo trabajando en el álbum solo. Creo que si nos hubiéramos involucrado un poco más, quizás habría un poco más de luz y color. Es un álbum bastante monocromático para mí. Cuando lo imagino, es de un color muy intenso a madera, con franjas de gris.

Puedes ver eso en la portada del disco.
Sí y tal vez es eso. Tal vez el empaquetado es demasiado gótico para mí. Me gusta probar y hacer un disco con luces y sombras, y éste tiene menos. Tal vez por eso es el último.

Leí que este disco fue una reacción a las bandas de nu-metal todas macho que acosaban la música en ese momento. 
Sí, era más o menos cuando Limp Bizkit fueron más famosos, por lo que intentamos mezclar hip-hop en nuestro sonido e intentamos cruzar a Sonic Youth con vibras tipo KRS-One, en contraposición a esa mamada agresiva, machista que era tan popular en ese momento. Así que estoy seguro que influyó en nuestra decisión de incursionar en el hip-hop alternativo. [Risas]. No estoy seguro de lo exitoso que fue, pero por lo menos, supongo, tuvimos los huevos para hacerlo. Fue interesante y divertido hacerlo. Había disturbios en Londres en ese momento, y recuerdo que alguien había pintado o le había puesto un mohicano verde a una famosa estatua de Winston Churchill. Queríamos hacer algo que nunca habíamos hecho y hacerlo más cool que Limp Bizkit. Que no era tan difícil, pero queríamos probar algo que funcionaba. ¿Funcionó? Hmm, es debatible.

¿Por qué sampleaste "Texas Never Whispers" de Pavement en "Slave To The Wage"?
Era súper fan simplemente. Era de un disco de lados B y me gustó mucho esa guitarra abstracta que tiene. Es mucho más lenta en su versión original. Lo loopeamos y lo aceleramos, por lo menos diez veces más rápido que el original. Una vez más: estábamos sampleando, que era algo que nunca habíamos hecho antes. En ese momento fue un gran motivador para nosotros. No queríamos hacer lo que habíamos hecho en el último disco. [Risas].

¿Es verdad que en esa época los invitaron a ser Judas Priest en la película que terminó siendo Rock Star?
Nos dijeron, sí ¿Fue en esa época? Sí, supongo. Estás totalmente en lo correcto. Me había olvidado por completo de eso. Y sí he visto esa película, porque la estaban pasando en la tele y tenía curiosidad de ver cómo era la película en la que nos ofrecieron actuar. Salen Mark Wahlberg y Jennifer Aniston, y hubiéramos salido súper mal en el papel de Judas Priest. Fue justo después de que habíamos hecho la película Velvet Goldmine, y cuando nos dieron el guión, sentíamos que éramos una banda en renta a la que la gente le llama. Pero no, no queríamos sentar ese precedente. No pasamos de la tercera página, o de la cuarta o quinta, porque en esa página decía: "tal personaje se pone una bragueta de cuero" y en ese momento lo cerramos y nunca lo volvimos a ver.

De nuevo, está en el número siete por el sonido. Es un disco muy sub-producido, pero también es el que nos puso en el mapa. Para mí suena bastante ingenuo, sin duda es el trabajo de una banda que está por primera vez en el estudio. Y cuando digo ingenuo no me refiero a la composición. El sonido de un álbum y la composición son dos cosas muy diferentes para mí. Las canciones están bien. Hay cierta carnita, ingenio y picardía en ellas que me gusta. Pero recuerdo llegar a Dublin y aprender de un avance tecnológico llamado ProTools, y que yo no me di cuenta de que no lo estábamos usando en este disco. Fue hecho muy a la vieja escuela, grabando en cinta. Si querías editar, había que hacerlo con navaja. Todavía recuerdo que en ese momento estábamos llenos de entusiasmo. No nos la creíamos que alguien nos había dado dinero para hacer un disco. Pero estábamos muy, muy verdes y no habíamos aprendido cómo utilizar un estudio como instrumento musical todavía. Suena muy joven para mí.

Siempre sentí que este era el disco de indie rock de Placebo. Y después de esto, las cosas realmente cambiaron.
Sin duda, fue un disco grabado en vivo como power trío. Eso es lo que queríamos ser en ese entonces. Tocábamos en clubs pequeños y queríamos ser una banda rápida y alternativa de punk. Para 1998, nos sentíamos cansados de ese formato y nos dimos cuenta de que podíamos hacer mucho más con nuestro sonido. Así que para el siguiente disco, empezamos a eliminar cosas, a través de teclados, loops y diferentes aproximaciones a la escritura.

¿Crees que haber contratado a un productor como Brad Wood (Liz Phair, Sunny Day Real Estate), quien sobre todo trabajaba con actos underground de Estados Unidos, haya limitado a la banda?
Pues nos produjo de una manera muy cruda, y capturó exactamente a lo que sonamos. Primeros discos a menudo suenan así. Y es bueno tener uno así en la discografía. Pero realmente queríamos crecer, y fue cuando nos dimos cuenta de este patrón que surgió, donde si teníamos la oportunidad de hacer otro disco, ese disco nuevo sería una reacción contra su predecesor. Y que sería la mayor influencia en el siguiente disco.

Alrededor de este tiempo, desconcertadamente los mezclaban en la bolsa del Britpop ¿Se sentían parte de ese movimiento?
¡Dios no! No, no, no, no. Hubo un sonido muy específico y una audiencia muy específica en el movimiento de Britpop. Era muy machista y muy emblemática en un rollo como de cántico de fútbol. Solo era muy masculino, y nosotros éramos la antítesis de eso. También era muy británico en sus influencias. Parecía preocupado por rendir homenaje a su herencia, y nosotros no estábamos preocupados por eso en modo alguno. Estábamos tratando de poner a Sonic Youth y a Depeche Mode y tirarlos contra una pared a ver que pasa. Nos destacábamos como un pulgar adolorido junto a lo que era popular en ese momento. Mi punto de vista sobre el Britpop es muy limitado. Algunas personas arrojan a Suede o Elastica en el movimiento Britpop y yo no creo que lo fueran.

¿Crees que "Nancy Boy" es más relevante hoy en día con el progreso que ha hecho la comunidad transgénero?
Me encantaría poder decir que sí, pero todavía no estoy seguro de que se trata esa rola. Parece ser sobre hedonismo pansexual, y dejar que todo cuelgue. Yo no soy realmente consciente de lo que significa para otras personas, pero recuerdo estar de gira mientras estaba saliendo. Estábamos en un club de indie en Escocia después de un show y el lugar estaba repleto cuando pusieron "Nancy Boy" y la pista de baile se vació. Me volteé a Stefan y le dije: "Creo que la cagamos!" Y me dijo: "No, simplemente no entienden." Estaba convencido de que iba a ser ignorada y se convertiría en un fiasco. Así que estaba muy, muy sorprendido cuando vi que me equivoqué y llegó al Top 5.

Supongo que todavía estábamos aprendiendo a utilizar el estudio y estábamos buscando encarnar nuestro sonido más allá del formato del power trío. Pero fue un disco difícil de hacer porque teníamos una relación muy disfuncional con nuestro productor [Steve Osborne]. En la etapa final, ni nos hablábamos. Y no era como si hubiéramos tenido grandes peleas. Empezamos no hablando mucho de entrada, y luego pasaron los meses, y se convirtió en menos hasta que dejamos de hablar por completo. Fue una atmósfera muy extraña. El track que rompió fue "Pure Morning", y no lo grabamos hasta que terminamos nuestro trabajo con Steve. Lo grabamos en una sesión de lados-B con un productor diferente, Phil Vinall. Era como ser niños en una tienda de dulces. Nació del caos, porque había mucha presión. Así que simplemente empezamos jugando con diferentes sonidos y esa canción fue el resultado. Que no había escuchado en unos diez años hasta hace poco, y estaba realmente sorprendido de qué tan atemporal y moderna realmente suena. No tengo problemas de ningún tipo con la música, me gusta mucho la música del disco, simplemente no creo que sean mis mejores letras. Un poco por eso no la hemos tocado en vivo durante la última década. Probablemente nueve años para ser precisos. "Nancy Boy" tampoco, razón por la cual decidimos resucitarlas para este tour en el que nos estamos embarcando.

Sólo para que lo sepas, en 2009 dijiste que este era el mejor disco de Placebo.
¿En serio? Pues ahí lo tienes. [Risas] ¿En 2009? ¿Cómo puedo responder ante eso? ¿Sólo los estúpidos no cambian de opinión? ¿Y los cristianos? Esto sólo deja claro lo extraño que es este ejercicio para mí.

David Bowie en la versión signle del track homónimo al disco. Debió ser un agasajo.
Es totalmente una locura si lo piensas. Mientras estaba allí y estaba pasando, se sentía mucho menos desalentador de lo que pensaría que iba a ser. Pero que David Bowie te llame y te diga que le gustó tanto tu canción que escribió su parte vocal para ella fue una locura. Pero en ese momento lo conocíamos de unos años y habíamos girado por todo el mundo con él, por lo que sólo parecía algo emocionante. Le tomé más valor ahora. Porque ahora cuando lo pienso, creo que es un honor ridículo, tomando en cuenta las canciones que escribió Bowie. Que le gustara tanto una nuestra que quería cantar en ella. En ese momento, me sentía exuberante y confiado, por lo que simplemente me pareció lo propio y puse una sonrisa en mi cara. No entendía el significado completo de lo que estaba sucediendo en ese momento. Que es prácticamente una constante en mi carrera. [Risas] ¡Hasta hace poco! Simplemente no me permitía a mí mismo ser arrastrado por esta tierra brillante y tintilante de oportunidades, que era el mundo de la música en ese tiempo. Desde mediados de los 90 a la vuelta del milenio fue un poco de una edad de oro porque las compañías de discos tenían mucho dinero, así que cualquier cosa parecía posible.

Este álbum cuenta con una de mis canciones favoritas para tocar en vivo, que es "Speak in Tongues". Este es el único disco que hemos grabado fuera del Reino Unido. Había habido un cambio reciente de personal en la banda y de hacer un disco muy claustrofóbico, ahora queríamos hacer uno que fuera absolutamente cinemascope y emblemático. Terminó siendo más un álbum de baterías y guitarras. Supongo que es mucho el sonido de una banda tratando de encontrar una nueva identidad. Es, quizás, la razón por la que lo pongo en el número cinco.

Las letras eran mucho más optimistas.
En comparación con su predecesor, definitivamente. Que se había precipitado por un cambio de line-up, un cambio de estilo de vida y pasar de pensar que mi banda estaba condenada al fracaso, a sentir que teníamos un futuro y podría empezar desde cero otra vez. Definitivamente es nuestro disco de sonido más americano, creo.

Y sin embargo fue grabado en Canadá.
¿Dije americano? Quise decir que es nuestro disco de sonido más norteamericano.

¿Por qué grabaron en Metalworks?
Queríamos trabajar con David Bottril (Tool, Muse). He suggested we try it there. And we wanted to try and record a record outside of the UK. David knew his way around an excellent studio, and he certainly did in terms of sonics. We were looking for something that was tougher and heavier than its predecessor, so Tool's producer seemed like a good choice.

Él sugirió que probáramos allí. Y queríamos probar grabar un disco fuera del Reino Unido. David sabía de un excelente estudio, y sin duda era sí en cuanto al sonido. Estábamos buscando algo que fuera más duro y más pesado que el disco de antes, así que productor de Tool nos pareció una buena opción.

Has dicho trabajo con David Botrill ha sido tu mejor experiencia en un estudio ¿Por qué?
Lo fue. Un tipo impresionante David. Me encantaba pasar tiempo con él. Era muy accesible como persona y muy honesto y muy comunicativo. Me gustó tener una relación con un productor que era así. Le tomé cariño fácilmente. Teniendo en cuenta que vas a pasar cuatro meses con esta persona, facilita todo el proceso infinitamente.

Este álbum es un poco un comodín. Realmente me gusta este disco porque musicalmente es uno de los más atrevidos, con sonidos como de electrónica. Es la mezcla perfecta de lo que estábamos tratando de hacer, que era fusionar nuestro sonido con sintetizadores vintage y las técnicas de grabación análoga de la vieja escuela. Por esas épocas, Stefan y yo comenzamos nuestra obsesión con viejos sintetizadores, y simplemente no podíamos parar de coleccionarlos. Un sintetizador vintage es para nosotros un placer muy culpable. Los encontramos muy sexy e irresistible para comprar si vemos uno, aunque no lo necesitemos.

Los fantasmas en el título parece que detallan sus relaciones pasadas, o los fantasmas de ellas.
Sí, si mal no recuerdo, estaba tratando de explorar líricamente la memoria y qué tan fiables y veraces pueden ser los recuerdos. Tanto la memoria visual de lo que vuelves a experimentar, pero también la memoria emocional y supongo que me preguntaba, "¿Qué tan preciso es?" Creo que de una forma u otra, conforme pasa el tiempo, nos convertimos en directores de cine con nuestros recuerdos. Hacemos nuestros propios cortes de director de lo que nos ha sucedido y en ese contexto, fue este aspecto de meditar experiencias románticas pasadas y tratanr de cantar sobre ellas del modo más abstracto posible.

¿Te sentiste satisfecho con los resultados?
Sí. Recuerdo haber sido muy feliz. Sentí que el disco tuvo mucho color, por lo que me complació en el momento. Lo siento, nunca miro hacia atrás, así que esto es difícil.

No pudimos haber tenido una mejor portada para representar lo que estaba sucediendo en ese momento. Creo que es un disco muy logrado, pero me sorprende que hayamos podido hacer un disco tan bueno, teniendo en cuenta lo inflados por las nubes que estábamos cuando lo hicimos. Hubo un momento, así cuando el estilo de vida que habíamos abrazado tan decididamente comenzó a volverse oscuro y nuestra relación personal con Steve Hewitt se fue erosionando. Así que es un disco nacido de un montón de traumas psicológicos. Creo que es más honesto que sus predecesores. Realmente abre una ventana a cómo estábamos viviendo en aquel momento.

Algo que me resulta interesante es que originalmente querías hacer un álbum de electrónica pero tu productor te convenció de no hacerlo.
Es posible. [Risas]. Creo que ambos alcanzamos nuestro objetivo, especialmente "Infra-Red," que es una canción muy electrónica. Mi memoria es muy, muy brumosa de la época. Creo que pude haber tenido un ataque de nervios en el momento pero no fui consciente de ello. [Risas] Con el fin de lidiar con ello, me estaba auto medicando severamente.

¿Meds es el último disco en el que involucraron drogas?
Básicamente. Las cosas cambiaron definitivamente después de eso. Después de la salida de Steve, pensamos que hasta ahí llegábamos. Que si seguíamos, no sólo nuestras vidas profesionales, sino nuestra vida personal sufriría. Estaba a punto de convertirme en papá, así que también tuve ansiedad de eso. Si existe una motivación para alinearte y arreglar tu desmadrito, ser padres es una muy poderosa.

Este fue un verdadero punto de quiebre para nosotros. Battle for the sun era el sonido de una banda tratando de encontrar una nueva identidad y Loud Like Love era el sonido de una banda cada vez más cómoda con lo que son ahora. En ese tiempo habíamos descubierto al productor Adam Noble, que estaba cerca de Londres, y nos entendimos muy bien. Por lo que fue una experiencia extremadamente optimista hacer ese disco. Creo que, en términos de composición, marca un nuevo cambio para mí. Con los años, me había vuelto más hábil para contar historias, alejándome cada vez más de canciones confesionales para contar historias. Paradójicamente, eso te permite ser más libre, más honesto y más vulnerable porque es expresarse a través de personajes. Creo que cada banda está tratando de escribir una canción que trascienda su identidad y que exista completamente en su propio contexto sin conocimiento alguno de lo que representa y finalmente logramos eso con la última canción, "Bosco". No podía ser más diferente de una canción en nuestro primer álbum. Hubo una evolución sónica y yo había crecido como persona. Para mí, suena fresco y suena ahora.

Decidiste escribir sobre el amor en este disco, que según has dicho, "es una cosa muy poco Placebo que hacer".
Sí, dije eso cuando decidimos tener una temática unificadora para todas las canciones. Se habla del amor desde diferentes perspectivas: obsesión, deseo, destrucción. Me di cuenta de ello un poco después de que salió el álbum, y entonces me di cuenta de que muchas de nuestras canciones del pasado son canciones de amor de un solo tipo. Sólo que no son el pop genérico, "te amo, bebé" de canción de amor que nos imaginamos siempre. Se exploran otros aspectos del amor.

¿Entonces originalmente comenzaste a escribir este disco en solitario?
Lo que pasó fue que estábamos trabajando en él con alguien que nos recomendaron nuestros amigos, y el resultado fue el EP de B3, que salió justo antes de Loud Like Love. Pero también habíamos empezado escribiendo otras canciones mientras estábamos haciendo eso, y todo era muy fácil en el estudio. Nos volteamos a ver y dijimos: "¿Crees que ya empezamos un nuevo disco sin que nos demos cuenta?" Así se sentía. Normalmente queremos un período de seis meses para escribir, por lo que durante nuestro descanso después de Battle for The Sun, había escrito un montón de canciones que tal vez pensé que podría sacar en solitario. Pero no tenía suficientes canciones para un disco, por lo que se las enseñé a Stefan para ver qué pensaba de ellas. Y esas canciones eran "Scene Of The Crime," "Too Many Friends," "Rob The Bank," "Pity Party (Of One)" y "Hold On To Me". Nunca he sacado un disco de solista, y no sé si lo haré alguna vez. ¿Dónde está la diferencia entre escribir para mí y escribir para Placebo? Realmente no sé. Sólo sé que necesitábamos esas canciones y a Stefan le gustaron. Hubo un par que no le gustaron, por lo que nunca las grabamos.

¿Por qué este es tu favorito? 
Para mí, este es uno de los momentos más importantes en nuestra carrera. Es una de las cosas que hemos hecho de la que me siento más orgulloso de. Fue una experiencia increíble para mí porque es algo que nunca habíamos hecho antes. Estábamos ensayando pero también estábamos reescribiendo material, lo que finalmente nos dio la oportunidad de agregar una sección de cuerdas para un proyecto entero. Es algo que había querido hacer durante mucho tiempo. Fue aterrador en el momento de salir a tocar, porque era tan jodidamente íntimo. Pusimos una cantidad tremenda de esfuerzo en trabajar las canciones para adaptarlas a las directrices de MTV Unplugged. Lo pongo en el número uno porque realmente me gusta demasiado este disco. Estas canciones de nuestro pasado podían ser reinterpretadas y simplificadas para adaptarse a otro medio, y para a mí eso es un indicador de una buena rola.

Do you think this changed the way you felt about older songs?
Well, we're constantly doing that. We're constantly covering our own material and breathing new life into it so we can play it live. Because we need an emotional connection to the song in order to play it live, otherwise it feels like a mechanical act and untruth. We don't want any of that in our performances. Sometimes you have to completely tear a song apart and give it a whole new life. Doing Unplugged and doing it well is quite a feat, I think. I am particularly proud of "Meds," which is completely rebuilt with the strings. Same goes for "Without You I'm Nothing."

¿Crees que esto cambió la manera en cómo te sentías sobre las canciones viejas?
Pues, constantemente estamos haciendo eso. Constantemente estamos cubriendo nuestro propio material y echándole nueva vida, para poderlo tocar en vivo. Porque necesitamos una conexión emocional a la canción para tocarla en vivo, de lo contrario se siente como un acto mecánico y falso. No queremos nada de eso en nuestras actuaciones. A veces tienes que destrozar una canción completamente y darle una nueva vida. hacer un Unplugged y hacerlo bien, es toda una proeza, creo. Estoy especialmente orgulloso de "Meds", que está totalmente reconstruida con las cuerdas. Lo mismo va para "Without You I'm Nothing".

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