¿Qué disco te cambió la vida? Hablamos con siete músicos sobre los discos que más los influenciaron

Pescado Rabioso

"La música es la reina madre y ya no se hable más, silencio que ha llegado ella con sus balas y flores" canta Fito Páez en su disco acústico Rodolfo.

Me atrevería a decir que todos hemos sentido una conexión fuerte con alguna obra musical más que con prácticamente cualquier otra cosa. Incluso podemos llegar a sentir que esas letras y melodías nos están hablando a nosotros directamente, y que aunque sea muy poco probable, esa canción o ese disco están describiendo un preciso momento de nuestras vidas.

Aún me falta muchísima música por escuchar, pero siempre recuerdo el momento en el que toda mi percepción musical cambió para siempre, un viaje sin retorno.

Una noche en la que mis padres no estaban en casa, yo de inquieto empecé a buscar en los vinilos de mi papá cualquier cosa que me pareciera interesante. Por suerte encontré un vinilo viejo —con empaque de forma muy rara— de Artaud de Pescado Rabioso

Era un niño de 14 años que estaba viviendo en carne propia la época de las boybands, MTV y conociendo los primeros pasos del reggeatón.

Las melodías de Luis Alberto en este disco, sus letras más sus acordes en la guitarra que mi cerebro no entendía, hicieron que me replanteara absolutamente todo lo que pensaba sobre la música, el arte, el amor, y mis amigos.

Me sentía como miembro de un club secreto, cada vez que colocaba la aguja sobre el vinilo en el tocadiscos de mi padre. Me sentía imbatible, como si apenas este comenzara a sonar ya yo tuviera una mejor percepción del mundo y me había convertido en un ser humano mucho más sensible.

Inmediatamente salí corriendo a comprarme una guitarra usada de una marca no muy buena, para poder imitar lo que mis oídos estaban escuchando –sin éxito alguno, la guitarra y yo nunca nos hemos llevado bien.

Quise ser como Spinetta: Leer los mismos libros que él, amar a chicas como él decía en sus canciones, escuchar la misma música y etc. Mi vida cambió, nunca jamás fui el mismo y esto me llevó a conocer una gama de artistas que de ninguna otra forma hubiese conocido.

Artaud hizo que la palabra ‘’idiota’’ dejara de tener el mismo significado para mí. Esta se convirtió en una palabra hermosa que cada vez que la escuchaba en la calle, mi cerebro reproducía la melodía de ‘’A Starosta El Idiota’.

Esto fue parte de una cadena de reacciones que sucedieron debido a haber encontrado ese disco: vinieron libros de Henry Miller y discos de Charly García más tarde.

Cada quien tiene experiencias únicas con el arte, desarrollamos diferentes gustos o preferencias musicales y con esto se va forjando nuestra personalidad. Estudios confirman que hasta nuestro estado de ánimo cambia dependiendo del tipo de música que escuchemos.

Muchos discos han sido culpables del nacimiento de bandas, artistas, u obras maestras que hasta pueden superar a quien los hizo querer crear algo. Por ejemplo, Brandon Boyd de Incubus afirma que escuchar a Soundgarden en su juventud, lo hizo querer crear su propia música.

Para explorar este tema a profundidad, hablamos con siete músicos para saber qué disco les cambió la vida, significó mucho para ellos como artistas y marcó un momento clave en su crecimiento.

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Singles, Soundtrack (Sony BMG, 1992)

El mayor regalo que me ha dado el universo son mis hermanos. Mi hermana menor y yo siempre nos hemos conectado como si fuéramos dos mejores amigas. Ella me regaló este CD y no solo cambió mi perspectiva de la música sino que también cambió mi vida. Tanto para ella como para mi este disco es un ancla en tiempos de crisis emocionales; como esa almohada que sabes que siempre va a estar al final de tu día.

El también director de Jerry McGuire y Almost Famous se enamoró de la joven escena musical del nublado Seattle y decidió usarla como el escenario de esta historia de amor. A la extraña edad de 14 años cuando escuché a Nirvana y a Pearl Jam se me abrió una ventana a un portal que, con este soundtrack de la película de Cameron Crowe, terminé de abrir y así entrar a otra dimensión.

Este soundtrack es una fotografía de un momento mágico donde una pequeña comunidad de músicos y amigos empezaba su camino hacia la fama llenos de ilusiones y sueños. Las canciones de Alice in Chains , Pearl Jam, Soundgarden, Mother Love Bone, Mudhoney, Screaming Trees, Chris Cornell y Smashing Pumpkins que vienen en este disco me hicieron descubrir las guitarras atascadas de fuzz que crean una pared de ruido armónico, adolescente y esperanzador que fue etiquetado como grunge. En ese momento descubrí un sonido con el cual me podia identificar. Saqué todas las canciones de este disco en la guitarra y mi hermana se aprendió en el piano Chloe Dancer y yo la cantaba. La primera alineación de Yokozuna -cuando nuestra querida Kelsie tocaba el bajo incluía en su pequeño y joven repertorio ‘’Would?’’ de Alice in Chains. Por otro lado Seasons de Chris Cornell ha sido ungüento para el alma desde la primera vez que la escuché hasta el día de hoy. Con este disco me he enamorado y me han roto el corazón.

Escuchen este disco en orden de principio a fin. El álbum inicia con el oscuro tributo al fallecido Andrew Wood de Mother Love Bone y se despide con la hermosa sinfonía de feedback de 8 minutos llamada Drown de los Smashing Pumpkins no sin antes pasar por la inocencia de Paul Westerberg, el tributo a Led Zeppelin y su ‘’Battle of Evermore’’ re interpretada en vivo por The Lovemongers y la dulce y psicodélica ‘’May This Be Love’’ de Jimi Hendrix.

Para mi este disco es un lugar seguro a donde siempre puedo regresar y encontrar paz y respuestas.

Este disco, como la película, nos une mucho a mi hermana y a mí. Una revelación que sigue cambiando mi vida constantemente. Así como lo hace el amor de una hermana.

foto de César Demian, vía

Artaud, Pescado Rabioso (Talent/Microfón, 1973)

Individualmente, cada integrante tiene un historial de álbumes influyentes particular y extenso, música que nos enseñó a tocar y desarrollar un gusto. Como banda hay unos discos que principalmente nos han inspirado su forma, su cuestionamiento y su unicidad.

Nos ha influenciado por ejemplo Live Evil de Miles Davis en nuestra manera de improvisar, que es de donde ahora partimos para componer. Éste álbum nos muestra esa libertad y reto que implica llenar el espacio sonoro en vivo y en conjunto, cada quien a partir de su propio lenguaje, similar a las largas travesías de One Size Fits All de Frank Zappa y su manera de violentar y consumar lo inesperado, aunque en éste caso hay una estructuración exigente y clara en gran parte de las canciones como también es el caso de Steve Reich y su matemática en Six Marimbas, 2x5, entre otras piezas. Y cuando hablamos de estructuración y armonía es inevitable referirnos a Artaud de Pescado Rabioso, éste álbum ha sido una guía para nosotros y contrasta con los mencionados por su simplicidad de elementos, en ese sentido es casi minimalista, aunque el alcance de su armonía y su lírica rebasa ese término. Ésta simplicidad también nos hace mucho sentido y en ocasiones optamos por una instrumentación sencilla. Watermusic II de William Basinski, es un ejemplo de ello, ahora sí minimalista, y lo cito porque éste álbum/canción la escuchamos durante una caminata en la niebla en un interludio de una sesión de composición, no directamente sonamos así, no hacemos ambient, pero sí pensamos en efectos similares, en lo hipnótico, la amplitud y el silencio.

El silencio para nosotros es la motivación de muchas composiciones, sobre él dialogamos y discutimos, en él ordenamos lo que queremos hacer. Éste proceso introspectivo se vuelve complejo a medida en que lo incorporamos a nuestra música dado que surgen cosas bizarras, música que no comprendemos ni emocional ni racionalmente. Lo Pomodoro de Lucía Bosé y Gregorio Paniagua camina sobre esa línea de lo excéntrico y posiblemente lo religioso.

Constantemente descubrimos discos que hacen cambiar nuestro parecer sobre lo que hacemos, otros lo refuerzan. Y encontramos una especie de incomodidad y confort en este vaivén que nos hace avanzar hacia el sonido que buscamos y destruir el que queremos dejar atrás.

foto de Malena Bollini, vía

Köln Concert, Keith Jarret (ECM, 1975)

Erigiría el Koln Concert de Keith Jarret. Lo escuché por primera vez a los 16 años por recomendación de un maestro, era de noche y me acosté en cama a escucharlo con mis ojos cerrados y auriculares. Lo que siguió fue una experiencia sonora y espiritual que nunca antes había sentido, algo muy hermoso y que cada vez que puedo recomiendo este disco a cualquier persona. A veces deseo poder escucharlo de nuevo por primera vez. Es mi favorito de todos los tiempos.

foto de Danny Ramírez, vía

This Will Destroy You, This Will Destroy You (Magic Bullet, 2008)

Chuy y yo empezamos a Coma Pony en agosto el 2011. Antes de esto tuvimos varias bandas donde había vocalista, y realmente nunca nos sentimos cómodos o satisfechos con el sonido que teníamos, eran bandas muy malas. Simplemente lo que queríamos era tener una banda donde pudiéramos tocar, pasarla bien, que todo se diera sola y no estar pensando si suena bien o mal. Después de la última banda que tuvimos con vocalista quisimos ya hacer algo solo Chuy y yo, incluso llegamos a considerar que yo podría cantar, pero no, canto horrible. Por esto fue que decidimos hacerlo instrumental, y la verdad, en este estilo de música teníamos cero conocimiento. Así que empezamos a investigar y buscar bandas que tocaran esta música.

La primera banda instrumental que escuchamos fue a This Will Destroy You, esto fue en el verano del 2011, donde no escuchábamos otra cosa nomas que bandas instrumentales o cualquier cosa que nos pudiera influir para hacer a Coma Pony. El disco homónimo de This Will Destroy You fue definitivamente el que nos abrió todo panorama musical y fue nuestra mayor influencia para hacer de Coma Pony nuestra banda que siempre quisimos tener y hacer. En Mayo del 2012 tuve la fortuna de verlos en vivo y simplemente reafirmé que la música instrumental es algo que siempre voy a querer hacer. No necesariamente enfocarse y hacer un género en específico, se puede hacer cualquier tipo de música instrumental.

Coma Pony a la fecha ha evolucionado bastante, somos ya 5 miembros -todos nos amamos- y tenemos un estilo de música mucho más definido, pero todo esto ha sido gracias a This Will Destroy You. Sin esta banda, no habría sido posible hacer todo lo que hemos hecho dentro de la música y no es que sonemos como ellos, pero su forma de crear y hacer las cosas es algo que definitivamente siempre nos ha motivado.

P.D.: Chuy, Te Amo

foto de Diego Guillen, vía

Re, Café Tacvba (Warner Music, 1994)

Cuando escuché Magical Mistery Tour de The Beatles en el auto de mi papá, específicamente ‘’The Fool On The Hill’’, tendría unos once años y recuerdo que fue de las primeras veces que me clavé con cada sonido, instrumento y atmósfera que crearon en esa canción. El disco que más influencias dejó en mí como músico es el RE de Café Tacvba. Hasta que toqué ese disco me di cuenta que era el disco más ecléctico que había escuchado, que no habían reglas para armar un disco o no necesariamente tienes que tener un concepto sonoro. Con el RE aprendí que cada canción es como un personaje diferente y cada personaje quiere decir algo distinto, y no siempre con la misma instrumentación como base.

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Dublab presents: Freeways (Dublab, 2001)

En 2001 entré en una discotienda en Caracas, Venezuela llamada Esperanto, la cual era realmente una de las pocas opciones para conseguir música independiente en la ciudad. En el salón sonaba un beat hecho con samples de teléfonos, resistencias y cuerdas de nylon; jamás había escuchado algo así, mi pubertad estaba punto de cambiar con un álbum.

Pregunté al encargado qué sonaba y resultó ser un disco compilado del colectivo californiano Dublab, se llamaba Freeways (future roots & positive sounds) el track que me enganchó… ‘’The Sky Below’’ de Languis & Fer Chloca. Ese fue mi primer acercamiento al IDM, Abstract HipHop, Free Jazz y otros sonidos que apenas explotaban en la época o al menos eran un game changer para mí, a los 16 años.

En ese álbum descubrí artistas como Daedelus, Dntel, John Tejada y Yesterdays New Quintet, los cuales me abrieron nuevos horizontes musicales. Si tuviese que marcar un evento musical que cambió el curso de mi vida, entrar a esa tienda de discos justo cuando sonaba este track, tendría que estar en el top 10.

foto de Gloriana Sandoval, vía

Bocanada, Gustabo Cerati (1999, BMG INternational)

1999. Tomé el bus de Cartago a San Pedro, y me dirigí a la extinta y mítica tienda de discos Music Box. ¡Qué joyas se podían conseguir ahí! Mi objetivo: adquirir Bocanada, el segundo álbum como solista de Gustavo Cerati. Siendo éste su primer trabajo discográfico luego de la disolución de Soda, la expectativa no podía ser mayor. Regresé a casa y ansioso, llamé a dos amigos para invitarles a la ceremoniosa escucha en la sala de mi casa. Nuestra alegría y asombro crecían conforme pasaban las canciones y hoy, 17 años después, es una de las obras fundamentales de la música latinoamericana, uno de mis discos favoritos de la vida y una de las principales fuentes de inspiración para mi primer álbum, NU9VE. Gracias Gustavo.