Trent Reznor spricht darüber, wie er es aus dem Mittleren Westen geschafft hat

Als ich jung war und voller Sehnsucht danach, was hinter den Vorstädten des mittleren Westens lag, war Trent Reznor so etwas wie mein Schutzheiliger. Viele Leute wissen nicht, dass der Anführer der Industrial-Rock-Größen Nine Inch Nails seine Jugend im ländlichen West-Pennsylvania verbracht und in den späten 80ern in der einsamen Einöde von Nordost-Ohio zu sich selbst als Künstler gefunden hat. Die Tatsache, dass er in der Lage war, all das zu nutzen, was den mittleren Westen zu einer Art erdrückendem Ort macht und das in seiner Kunst zu kanalisieren, war für mich als Heranwachsender unglaublich inspirierend. Er hat Cleveland als Brutkasten genutzt, um seinen Sound zu verfeinern und zu verbessern, der Pop-Gefühl mit aggressivem elektronischem Krach und rohen, emotionalen Texten vermischt hat. Und ähnlich wie Devo, eine andere vorausdenkende Band aus dem Norden Ohios, waren die Nine Inch Nails eine fertig entwickelte musikalische Kraft, als sie die Außenwelt erreicht haben, ausgestattet mit einem eigenen eindeutigen Sound sowie einer eigenen Bildsprache und Ästhetik.

Bis heute haben die Nine Inch Nails mehrere zeitlose Hymnen und Album-Klassiker sowie eine Menge innovativer Musikvideos und Touren hervorgebracht und weltweit mehr als 20 Millionen Alben verkauft. Nicht zu vergessen, dass Reznors innovative Arbeit mit elektronischen Elementen in der Musik den Weg für Leute von Kanye West bis TV on the Radio geebnet hat. Und jetzt beeinflusst er die Welt weiter mit seiner Oscar-prämierten Kompositionsarbeit für Filme von David Fincher und seiner kreativen Arbeit bei Apple.

Ich wollte schon immer mit Reznor in Erinnerungen schwelgen und mehr darüber erfahren, wie sein Leben als junger Mann im mittleren Westen war, vor all dem Erfolg und den Gesprächen über Nominierungen für die Rock’n’Roll Hall of Fame, als er sich selbst noch gefunden und seine Kunst entwickelt hat. Ich habe ihn also Ende letzten Jahres angerufen, um mit ihm darüber zu reden, wie seine Zeit in der Achselhöhle der USA geholfen hat, ihn zu einem der einflussreichsten Künstler seiner Generation zu formen. Das ist, was er mir erzählt hat:

Ich habe oft gedacht, dass ich nicht das Produkt irgendeiner Szene bin. Ich hatte nie das Gefühl, irgendwo reinzupassen. Aber es gibt Orte, die in gewisser Weise geformt haben, wie ich bin. Ich bin im ländlichen Pennsylvania aufgewachsen, wo ich 18 Jahre in einer beschissenen Kleinstadt nördlich von Pittsburgh verbracht habe, lange vor dem Internet und außerhalb der Reichweite von AM- und FM-Radio. Ich habe viel meiner Freizeit damit verbracht, darüber nachzudenken zu fliehen oder Platten zu hören.

Ich hatte ziemliches Glück, dass ich von meinen Großeltern aufgezogen wurde. Sie haben mich bei allem unterstützt, was mir Spaß gemacht hat und sie haben mich dazu gebracht, in jungen Jahren Klavierunterricht zu nehmen. Mir wurde klar, dass ich von Natur aus gut darin war und es mir Spaß machte und ich konnte mich direkt damit identifizieren. Es gab mir einen gewissen Stolz und Selbstwert, dass ich mich selbst in dieses Instrument reinfinden konnte und fühlen, dass ich es ziemlich gut spielen kann. Als ich etwas älter wurde, dachte ich, dass die Vorstellung einer Band spannend war und Rockmusik ist zu einem Thema geworden. Aber mit Bass oder Schlagzeug bin ich nicht besonders weit gekommen. Die Idee, Keyboard zu spielen, war aufregend und das wurde mein Traum. Ich wusste, dass ich auf der Bühne sein und mich selbst durch Musik ausdrücken wollte.

In der High School haben die Leute zusammen Bands gegründet. Aber das Ziel war nicht, originelle Musik zu erschaffen und zu versuchen, Kunst zu machen. Wir wollten beim Schulball spielen oder vielleicht in einer Bar oder einen Auftritt auf dem Jahrmarkt ergattern oder was es auch sonst so Beschissenes gab. Damals hast du einfach die Musik anderer Leute gespielt und nicht dein eigenes Zeug geschrieben. Das erscheint jetzt total verrückt. Heute sind Cover bei den Bands wahrscheinlich nicht mehr so verbreitet. Aber damals war es das, was du gemacht hast. Und die erfolgreichen Leute in Bands waren 40-jährige Typen, die Cover-Songs gespielt und ununterbrochen gekichert haben. So wollte ich aber nicht enden. Das wäre eine halbe Sache gewesen.

Ich habe 1983 die Highschool beendet, zur gleichen Zeit gab es eine Explosion bei Technologie, Drumcomputern und Synthesizern. Damals schien es, als würden einige meiner Leidenschaften zusammenfinden. Mir gefiel die Vorstellung, dass diese Musik ein paar Jahre vorher nicht hätte existieren können, da es die Technologie dafür nicht gab. Ich bin anti-nostalgisch. Ich fand nicht, dass Rockmusik etwas sein musste, bei dem der Urtyp Led Zeppelin ist, an den man sich dann halten muss. Es gab eine komplett neue Welt an Werkzeugen, die entwickelt wurden, um Musik damit zu machen und die Tatsache, dass ich Keyboarder war, bedeutete, dass meine Zeit kommen würde.

Als von der Highschool kam, wurde ich in dieses College-Szenario gezwängt. Ich musste irgendwas machen. Ich war gut in Mathe, also ging ich zu einer Uni, die ganz in der Nähe war und sich Allegheny College nannte. Es war eine ziemlich coole Szene. Es gab Campus-Leben und alle waren in Verbindungen. Da ich mich in der Highschool immer wie ein Außenseiter fühlte, der mit den anderen Außenseitern im Kunstraum saß, habe ich im College wirklich versucht, mich anzupassen. Ich wollte irgendwo dazugehören. Aber als ich dort ankam, wurde mir sofort klar: Diese Typen sind verdammte Arschlöcher.

Mir wurde auch klar, dass ich zwar den ganzen Tag sitzen und rechnen konnte, aber dass ich das nicht gerne machte. Doch um mich herum waren Leute, die es liebten, diesen Scheiß zu machen. Mir wurde klar, dass ich das verfolgen musste, was ich will und dass das Musik schreiben und spielen war.

Eine andere wichtige Sache, die passierte, als ich zum College ging, war, dass ich endlich Zugang zum College-Radio hatte. Mir war nie klar, wie viel Zeug es da draußen gab. Ich habe Bauhaus entdeckt, nachdem sie sich aufgelöst haben und Joy Division und Throbbing Gristle und Unmengen an Zeug, von dem ich einfach nicht wusste, dass es existiert. Kennst du das Gefühl, wenn du eine neue Band findest, von der du noch nicht gehört hast und sie dann entdeckst und dir klar wird, dass sie drei Alben haben? Für mich ist das ein großartiges Gefühl, weil du es nicht abwarten kannst, sie zu verschlingen und zu absorbieren. Das ist mir im College mit bestimmt 30 Bands so gegangen. Es war sehr inspirierend, ein Musikfan zu sein.

Der nächste Ort, der mich aufgesogen hat, war Cleveland, was nur ein paar Stunden entfernt war. Dort, wo ich aufgewachsen bin, gab es zwei Städte, die halbwegs in der Nähe waren: Cleveland und Pittsburgh… Such dir also eine aus. Cleveland hatte einen großartigen Musikladen. Der Laden hieß Pi Keyboards and Audio. Du musst bedenken, dass das eine Zeit war, in der du 3.500 Dollar aufwärts für einen Synthesizer bezahlen musstest. Die Sachen waren noch nicht erschwinglich. Also musstest du nach Cleveland fahren, dort reingehen und den ganzen Tag damit verbringen, den Verkäufer zu nerven, weil du dir Zeug angesehen hast, von dem er wusste, dass du es dir eh nie leisten können wirst. Sie hatten exotische Drumcomputer, die Art von Zeug, die niemand sonst hatte. Es war nicht dieses Zeug, das du im Guitar Center findest. Das war ein interessanter, innovativer High-End-Laden für Musikelektronik.

Mir wurde dort eine Stelle als Verkäufer angeboten, also habe ich sie angenommen und bin letztendlich nach Cleveland gezogen und in die Szene da reingeraten. Ich habe ein paar Bands gefunden, die einen Keyboarder brauchten. Es waren alles eigene Songs. Was an dieser Zeit interessant war (und auf das ich teilweise wahrscheinlich romantisch zurückblicke), war, dass es vielleicht zehn aktive Bands gab, die wirklich ambitioniert waren. Aber sie hatten keinen großen Plan oder eine Strategie, weil alle zu der Zeit versucht haben, einen Plattendeal zu bekommen. All diese Bands haben so viel gespielt wie sie konnten—in ein paar Bars, die Bands mit eigenen Songs auftreten ließen—und gehofft, dass jemand von einer Plattenfirma sie sieht und ihnen einen Vertrag gibt. Das ist nie jemandem passiert, den ich kenne, aber das war die Strategie.

In meinem Kopf wollte ich bei den Smiths sein oder zusammen mit einer Gruppe an Freunden, die ich nie hatte. Aber in Cleveland interessierte sich niemand für die Art von Musik, die mich interessierte. Ich habe nicht viele Gleichgesinnte getroffen, die die gleiche Musik mochten wie ich, die von den gleichen Dingen inspiriert wurden wie ich und gewillt waren, Zeit und Energie in etwas zu investieren, das keine eindeutigen Resultate hatte.

Ähnlich wie dort, wo ich aufwuchs, war in Cleveland nicht viel los. Es fühlte sich immer noch an wie eine Kleinstadt. Natürlich gab es mehr Ressourcen und Möglichkeiten, aber es fühlte sich an, als könnte die Stadt dich zerdrücken. In vielerlei Hinsicht hat mich das motiviert, besser bei irgendwas zu werden, um einen Weg heraus zu finden und auszubrechen.

Ich habe ein paar Jahre damit verbracht, in ein paar Bands zu spielen und bin an einen Punkt gekommen, an dem mir klar wurde, dass ich mich dem stellen musste, was ich aufgeschoben hatte. Ich habe einen langen Blick in den Spiegel geworfen und mich selbst gefragt: Kann ich etwas schreiben? Und das war im Prinzip der Anfang der Nine Inch Nails.

Ich habe einen Typen getroffen, als ich Drumcomputer und so Zeug verkauft habe. Er hatte ein Aufnahmestudio in der Nähe des Stadtzentrums im östlichen Cleveland. Es sah dort aus, als hätte eine Bombe eingeschlagen. Die ganze Gegend sah aus wie ein Brachland, mit eingestürzten Dächern, es war wirklich Amerika im Verfall. Ich wusste, dass Prince—der eines meiner Idole ist—in einem Studio gearbeitet hat, um umsonst aufnehmen zu können. Also dachte ich: Lass mich das auch versuchen und ich habe angefangen, in dem Studio zu arbeiten. Ich habe mir selbst das Aufnehmen beigebracht und war der Typ, der die Jobs gemacht hat, die niemand sonst machen wollte, wie die Pisse vom Toilettensitz wischen. Aber ich hatte Zugang zu einem echten Aufnahmestudio und ich blieb nachts so lange auf, wie ich konnte und versuchte das Aufnehmen zu lernen und an meinen eigenen Demos zu arbeiten.

Meine ersten Schritte beim Songwriting waren unaufrichtig und beschissen, weil es ziemliches Gepose war. Nach dem Motto: Ich mag The Clash, also schreibe ich ein paar halbherzig politische Songs, an die ich nicht glaube, weil das in Mode ist… Ich habe nicht wirklich meine eigene Stimme gefunden, bis mir klar wurde, dass ich ein Tagebuch mit allem möglichen peinlichem Mist habe. Es war voller Dinge, von denen ich dachte, dass ich sie aus dem Kopf bekommen müsste, weil ich das Gefühl hatte, dass ich den Verstand verliere. Viele wütende Gefühle. Mir wurde klar, dass vieles von den Aufzeichnungen als Songtexte funktionieren könnte. Ich fragte mich, was passieren würde, wenn ich sie mit Musik verbinde.

Wie auch immer, ich habe mein eigenes Ding gemacht und dabei kamen ein paar Tracks heraus und irgendwann hatte ich den Mut, sie einem Freund vorzuspielen, der später der Manager der Nine Inch Nails werden sollte. Ich habe ihm eine Kassette gegeben und musste buchstäblich wegrennen. Er hat mich später angerufen und gesagt: „Wenn du irgendetwas damit anstellen willst, dann wäre ich gerne ein Teil davon.“

Ich denke, diese Inspiration war genug um—unter der Annahme, dass es niemals erfolgreich wird und es niemand hören will—zu sagen: OK, ich denke, ich könnte das wirklich versuchen. Das war, was den Pfad von Pretty Hate Machine geebnet hat.

Als die Band am Laufen war, gab es eine kleine Szene und ein paar Bars, in denen wir spielen konnten. Wax Trax war ein Label, von dem wir unheimlich inspiriert waren. Also waren Gothic-Clubs, die dieses Zeug gespielt haben, eine Inspiration. Ich hatte eine Handvoll Freunde und wir hatten das, was wir für einen guten Geschmack hielten. Wir haben Ideen ausgetauscht. Es gab auch einen Ort namens Phantasy Nightclub. Wir haben oben drüber geprobt. Und dort haben Sachen wie Jesus and Mary Chain gespielt, was es zu unserem coolen kulturellen Mittelpunkt gemacht hat. Ich erinnere mich daran, das Equipment von Psychic TV für sie hochgetragen und die Show von Jesus and Mary Chain gerettet zu haben, weil ihr Schlagzeuger nur zwei Sticks mitgebracht und einen verloren hatte. Ich erinnere mich gerne an diese Zeit. Es war nicht der Ort, von dem du geträumt hast, aber es hat geholfen, den Sound und den Geist der Dinge zu formen und zu motivieren.

Als ich nach Cleveland gezogen bin, gab es einen Sinn für Freiheit und Neubeginn. Ich war nicht der, der ich vorher war. Es war ein neuer Ort und eine Art Neustart. Ich hatte das Gefühl, dass ich mich selbst verstehe und weniger darauf bedacht war, dazuzugehören oder in irgendeine Art von Club zu passen. Es ging mehr darum, sich selbst auszudrücken und sich neu zu erfinden. Es gab ein wenig Gepose, klar—aber es hatte einen ehrlichen Hintergrund. Ich habe experimentiert, Dinge ausgetestet, versucht herauszufinden, wer ich war. Ich habe versucht, unterbewusst herauszufinden—als Künstler—was ich zu sagen hatte.

„Burn“ ist einer der Lieblingssongs von Wilber. Folgt ihm bei Twitter.

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